L'histoire

Tintoret : Une collection de 226 peintures (HD)

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Oeuvre pour tout le monde

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10 faits que vous ignorez peut-être sur le chef-d'œuvre

1. Picasso a conservé "Les Demoiselles d'Avignon" dans son atelier de Montmartre, à Paris, pendant des années après son achèvement en 1907, en raison des réactions généralement négatives de son cercle d'amis et de collègues immédiats. Le public a pu voir le tableau pour la première fois au Salon d'Antin en 1916, bien qu'une photo de l'œuvre soit apparue dans The Architectural Record en 1910.

2. Le monde de l'art n'a commencé à embrasser la peinture, l'œuvre cubiste naissante de Picasso, qu'au début des années 1920, lorsqu'André Breton a republié la photo et l'article intitulé « Les hommes sauvages de Paris : Matisse, Picasso et Les Fauves ».

3. Picasso a préparé pendant six mois la création finale des « Demoiselles » en réalisant des centaines de croquis, dessins et peintures. Son travail préparatoire était peut-être plus complet que celui de tout autre artiste de l'histoire pour une seule œuvre d'art et certainement plus intensif que pour toute autre œuvre qu'il a produite.

4. Lorsque son collègue et concurrent Henri Matisse a vu le tableau de Picasso, il a réagi violemment. Matisse pensait que "Les Demoiselles" était une critique du mouvement de l'art moderne et a estimé que la peinture a volé le tonnerre de son propre Blue Nude et Le Bonheur de Vivre. Il a qualifié les personnages du tableau de putes hideuses.

5. L'une des raisons pour lesquelles "Les Demoiselles" est révolutionnaire est l'omission de la perspective de l'artiste. Il n'y a pas de point de fuite, nulle part où l'œil puisse aller au-delà des femmes et de leurs regards pointus.

6. En réduisant ses figures à une combinaison de formes géométriques, Picasso va à l'encontre de siècles de tradition artistique dans lesquels la forme humaine est divinisée, anatomiquement dupliquée et/ou romancée.

7. Les masques du tableau reflètent l'obsession de Picasso pour l'art primitif, non seulement d'origine africaine, mais aussi l'art de l'ancienne Ibérie, ou de l'Espagne et du Portugal d'aujourd'hui. Les formes simples, les plans angulaires et les formes audacieuses utilisées dans l'art primitif ont contribué à la restructuration des conventions artistiques de l'artiste.

8. Dans une esquisse précédente de "Les Demoiselles", la figure à gauche était un étudiant en médecine, le crâne à la main, entrant dans le bordel, mais l'artiste a décidé qu'un tel client ajoutait un élément narratif qui nuirait à l'ensemble impact de la scène.

9. Picasso a été profondément marqué par les journaux tahitiens de Paul Gauguin et son exposition d'art de 1906. La sculpture de Gaughin de la déesse tahitienne Oviri a inspiré Picasso à s'essayer à la céramique et à la gravure sur bois en 1906. Les historiens de l'art attribuent le fort élément de primitivisme dans le travail de Gaughin comme une influence significative sur "Les Demoiselles d'Avignon".

10. Dans le titre de l'œuvre, « Avignon » ne fait pas référence à la ville de Provence mais au nom d'une rue de Barcelone dans un quartier connu pour la prostitution.


Leonardo di ser Piero da Vinci

Leonardo di ser Piero da Vinci (15 avril 1452 et 2 mai 1519) était un mathématicien italien, ayant été scientifique, mathématicien, ingénieur, inventeur, anatomiste, peintre, sculpteur, architecte, botaniste, musicien et écrivain. Né en tant que fils illégitime d'un notaire, Piero da Vinci, et d'une paysanne, Caterina, à Vinci dans la région de Florence, Leonardo a fait ses études dans l'atelier du célèbre peintre florentin, Verrocchio. Une grande partie de sa vie professionnelle antérieure a été passée au service de Ludovico il Moro à Milan. Il travailla plus tard à Rome, Bologne et Venise, passant ses dernières années en France dans la maison que lui donna le roi François Ier.

Léonard de Vinci a souvent été décrit comme l'archétype de "l'homme de la Renaissance", un homme dont la curiosité apparemment infinie n'avait d'égale que ses pouvoirs d'invention. Il est largement considéré comme l'un des plus grands peintres de tous les temps et peut-être la personne la plus diversifiée à avoir jamais vécu.

C'est d'abord en tant que peintre que Léonard a été et est renommé. Deux de ses œuvres, la Joconde et La Cène, occupent des positions uniques en tant que portrait et peinture religieuse les plus célèbres, les plus reproduits et les plus parodiés de tous les temps, leur renommée n'étant approchée que par la création d'Adam par Michel-Ange. Le dessin de l'homme de Vitruve de Léonard de Vinci est également emblématique. Peut-être quinze de ses peintures survivent, le petit nombre dû à son expérimentation constante et souvent désastreuse de nouvelles techniques et à sa procrastination chronique. Néanmoins, ces quelques ouvrages ainsi que ses cahiers, qui contiennent des dessins, des schémas scientifiques et ses réflexions sur la nature de la peinture, constituent une contribution aux générations futures d'artistes n'a d'égale que celle de son contemporain, Michel-Ange.

En tant qu'ingénieur, les idées de Léonard étaient très en avance sur son temps. Il conceptualise un hélicoptère, un char, de l'énergie solaire concentrée, une calculatrice, la double coque et esquisse une théorie rudimentaire de la tectonique des plaques. Relativement peu de ses conceptions ont été construites ou étaient même réalisables de son vivant, mais certaines de ses inventions plus petites, telles qu'un enrouleur de canette automatisé et une machine pour tester la résistance à la traction du fil, sont entrées dans le monde de la fabrication sans être annoncées. scientifique, il a grandement fait progresser l'état des connaissances dans les domaines de l'anatomie, du génie civil, de l'optique et de l'hydrodynamique. (De Wikipédia)


Еонардо

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Interprétation de La Ronde de Nuit

L'un des plus grands portraits de l'époque baroque hollandaise du XVIIe siècle, La veille de nuit a été exécuté par Rembrandt au sommet de sa carrière à Amsterdam. Appelé à l'origine La Compagnie de Frans Banning Cocq et Willem van Ruytenburch, il s'agit d'un portrait de groupe d'une compagnie de milice, commandé et payé par les membres concernés, et était destiné à la Grande Salle de la Kloveniersdoelen (Salle de l'Assemblée des Mousquetaires). Il a reçu son titre populaire mais trompeur à la fin du XVIIIe siècle, basé sur la fausse hypothèse qu'il dépeignait une scène nocturne. En effet, son éclairage tamisé a été causé par le noircissement prématuré de son vernis multicouche. L'image a été un énorme succès à l'époque, notamment parce qu'elle transforme un sujet assez banal en une œuvre d'art dynamique. Contrairement à d'autres portraits baroques de compagnies de milice, qui représentaient traditionnellement des membres alignés en rangées ordonnées ou assis lors d'un banquet, la peinture de Rembrandt montre la compagnie entièrement équipée, prête à l'action et sur le point de marcher. Le titre complet du portrait, tel qu'il est enregistré dans l'album de famille du capitaine Banning Cocq, est le suivant : "Le capitaine Heer van Purmerlandt (Banning Cocq) ordonne à son lieutenant, le Heer van laerderdingen (Willem van Ruytenburch), de faire sortir l'entreprise." par la signature de Rembrandt clair-obscur et dramatique ténébrisme, l'œuvre compte parmi les exemples les plus célèbres de la peinture hollandaise du XVIIe siècle. Il pendait dans le Kloveniersdoelen à Amsterdam jusqu'en 1715, date à laquelle il a été transféré à l'hôtel de ville en 1808, il a été transféré au Rijksmuseum.

Une image si célèbre, qui dans le passé a été presque autant abusée que louée, n'a pas étonnamment déclenché une immense quantité d'analyses, dont seules certaines peuvent être discutées ici. Connue pour sa taille colossale (environ 12 pieds x 14 pieds), la toile - par rapport à des copies antérieures, comme la version (c.1650) de Gerrit Lundens, maintenant à la National Gallery de Londres - a manifestement été rognée, probablement lorsque il a été déplacé à l'hôtel de ville en 1715. Environ 60 cm, incorporant deux personnages de fond et un bébé, ont été supprimés du côté gauche, et des quantités moindres des trois autres côtés. Cela déséquilibre la composition (l'arc en arrière-plan était à l'origine plus proche du centre) et comprime les personnages dans un espace trop restreint. Au total, vingt-six personnages sont maintenant entièrement ou partiellement visibles, dont trois enfants (ou nains) et de petites parties de cinq autres personnages peuvent juste être discernées à l'arrière-plan. A droite de l'arc se trouve un écu, ajouté plus tard, portant le nom de dix-huit des personnes représentées. Selon deux d'entre eux, qui ont témoigné au nom de Rembrandt lors de l'enquête sur ses affaires financières en 1658, il a été payé un total de 1 600 florins - les gardiens ont contribué en moyenne 100 florins chacun, la somme variant avec leur importance dans l'image .

Au moins depuis le nettoyage de l'image en 1946-1947, il est évident que la scène se déroule à la lumière du jour, avec le soleil descendant du haut à gauche. Un nouveau nettoyage achevé en 1980 a montré que les tons sont principalement froids. Le titre traditionnel La veille de nuit qui date de la fin du 18ème siècle, est donc incorrect mais il serait absurdement pédant de suggérer de le changer maintenant.

Démontrant sa maîtrise de la lumière du soleil et de l'ombre, Rembrandt dirige le regard vers les trois personnages clés de l'ensemble - les deux officiers au centre (dont le tableau tire son titre d'origine) et la petite fille au centre à gauche en arrière-plan. Derrière eux, les couleurs de l'entreprise sont portées par l'enseigne Jan Visscher Cornelissen. L'officier supérieur et central, le capitaine Franz Banning Cocq (1605-55), est vêtu de noir avec une ceinture rouge. Son lieutenant, Willem Van Ruytenburch, est en jaune pâle avec une ceinture blanche et porte une lance de cérémonie.

La fille à gauche et derrière Banning Cocq agit comme une sorte de mascotte picturale. Elle porte la corne à boire coûteuse de la guilde et, à sa ceinture, une volaille morte, dont la griffe proéminente est un emblème des mousquetaires. Cet oiseau peut également être conçu comme un jeu de mots sur le nom du capitaine.

L'homme devant la fille porte un casque avec une feuille de chêne, autre emblème traditionnel des mousquetaires ou arquebusiers. Plusieurs personnages sont représentés manipulant leurs armes. L'un verse de la poudre dans le canon de son mousquet un autre, à droite et derrière le lieutenant, s'occupe de la casserole d'amorçage un troisième - le petit personnage dans un casque directement derrière Banning Cocq - semble tirer son mousquet en l'air. Certains personnages sont représentés beaucoup plus distinctement que d'autres, tandis que les dix-huit abonnés sont complétés par presque autant de personnages subordonnés, repris par Rembrandt pour l'effet pictural. L'ajout de ces sujets supplémentaires lui a également permis d'utiliser son large répertoire de dessins de figures et d'autres études.

Portrait d'une entreprise de la milice

Des compagnies de milice locales ont été constituées au XVIe siècle pendant la guerre d'indépendance néerlandaise, pour protéger les villes de l'invasion de l'armée espagnole active en Flandre. Mais à l'époque de Rembrandt, ils n'étaient plus employés à des fins militaires, sauf aux frontières, et étaient maintenus en place pour des raisons purement symboliques. Il semble que la compagnie représentée dans le tableau de Rembrandt s'apprête à participer à un match de tir. Diverses autres interprétations de l'image impliquant des illusions sur des événements historiques passés et contemporains ont également été avancées, mais elles sont désormais toutes discréditées. Le sens de la peinture est susceptible d'être purement celui d'un portrait de rôle, dont le thème est le « citoyen en armes ».

Portrait de la milice transformé

Visuellement, La veille de nuit transforme le genre prosaïque du portrait de milice en une image d'action - une œuvre d'un grand mouvement, d'une inventivité et d'une splendeur éblouissantes ou, comme le prétendaient certains critiques du XIXe siècle, un récit largement exagéré d'un événement très ordinaire, ou un croisement entre un portrait et peinture de genre. Cela marqua à la fois une révolution et le chant du cygne du portrait de la compagnie de milice, car peu de temps après, la demande pour ces portraits cessa et les artistes se tournèrent vers les scènes plus calmes et plus banales du portrait de guilde et du portrait du conseil d'administration. gouverneurs d'hôpitaux. (Comparez son nouveau traitement des portraits de milices avec son traitement des « portraits de dissection » comme dans son célèbre Leçon d'anatomie du Dr Nicolaes Tulp (1632, Mauritshuis). D'ailleurs, Rembrandt lui-même ne peindra plus jamais un tableau aussi flamboyant ou pleinement baroque. Cependant, une chose est sûre, la peinture a été un grand succès à l'époque, et a plus que justifié son statut de l'un des meilleurs portraitistes d'Europe. L'histoire qu'il n'a pas été apprécié par les personnes représentées et qu'il a été à l'origine du déclin de la réputation contemporaine de Rembrandt (qui s'est produit dans une certaine mesure à la fin des années 1640 et dans les années 1650) est une fiction romantique inventée au XIXe siècle. En effet, c'est une merveille comment cette fiction est née, car il existe de nombreuses preuves pour montrer que pendant plus de cent ans après qu'elle a été peinte, La veille de nuit était largement considéré comme l'œuvre la plus célèbre de Rembrandt.

L'un des plus grands artistes réalistes néerlandais, Rembrandt est célèbre pour ses portraits pénétrants et puissants, d'individus et de groupes. Ceci, avec ses compétences de peinture suprêmes, sa gestion atmosphérique de la lumière et sa maîtrise de clair-obscur, font de lui l'un des meilleurs artistes de tous les temps.

Analyse d'autres peintures de Rembrandt van Rijn

Portrait de Jan Six (1654) La Fondation Six, Amsterdam.

Le suicide de Lucrèce (c.1666) L'Institut des Arts de Minneapolis.

La mariée juive (c.1665-8) Rijksmuseum, Amsterdam.

• Pour en savoir plus sur les portraits d'entreprises de la milice néerlandaise, consultez notre index principal : page d'accueil.


Le saviez-vous?

La Joconde

C'est le portrait le plus connu au monde. Il montre Lisa Gherardini, épouse du marchand de soie florentin Francesco del Giocondo &ndash d'où son nom italien La Joconde et son nom français La Joconde. Peinte sur un paysage lointain, elle nous regarde avec son célèbre sourire énigmatique. mais un autre aspect de la peinture qui la rend si spéciale est la technique du sfumato de Léonard de Vinci, basée sur l'utilisation de glacis pour créer un effet &lsquosmoky&rsquo avec des contours et des contrastes subtils. Leonardo a capturé le modèle se tournant vers le spectateur dans un mouvement naturel qui donne vie à la peinture.

Léonard de Vinci, La Joconde, portrait de Monna Lisa (détail)

Salle 711, Aile Denon, Niveau 1

En tête-à-tête avec la Joconde

Le vol du siècle

Le 21 août 1911, la panique éclate au Louvre&hellipthe La Joconde avait disparu! La nouvelle s'est répandue comme une traînée de poudre et de généreuses récompenses ont été promises pour son retour, mais en vain. On n'a plus entendu parler de la peinture pendant plus de deux ans. Puis un jour, Vincenzo Peruggia, vitrier qui avait travaillé au Louvre, tenta de vendre le tableau le plus célèbre du monde à un marchand d'art italien. qui a alerté les autorités. Alors le La Joconde a été récupérée et sa renommée n'en était que plus grande.

Les Odyssées du Louvre : le vol de la Joconde

Le vol de la Joconde

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Quelque chose dont il faut se souvenir

Bien qu'il ne soit pas aussi célèbre que sa Joconde, La Cène de Léonard de Vinci est l'une des œuvres les plus reproduites et discutées de l'histoire de l'art.

De l'originalité de sa composition aux dommages tragiques et à la pourriture qui l'ont tourmenté, à la signification potentielle vivement débattue derrière chaque grain de sel, il conserve sa pertinence de nos jours : à jamais mémorable et à jamais dans les mémoires.

Le travail peut être vu au couvent de Santa Maria Delle Grazie, Milan, Italie.


Voir la vidéo: Nicolas Poussin: A collection of 145 paintings HD (Mai 2022).