L'histoire

Les phénomènes tordus et les caractéristiques étranges de l'art médiéval

Les phénomènes tordus et les caractéristiques étranges de l'art médiéval



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Pourquoi les chevaliers combattraient-ils des escargots ? L'art médiéval est un tissage complexe d'images surréalistes, bizarres et parfois dérangeantes et les artistes ont porté la licence créative à un tout nouveau niveau expérimental. Avec l'augmentation des voyages dans le monde, les rapports sur des créatures bizarres et des phénomènes étranges provenant des terres nouvellement découvertes sont devenus plus populaires, mais qu'est-ce que les gens ont exactement vu là-bas dans les montagnes, les océans et les cieux qui ont conduit à certains des dragons, serpents et même des attaques d'OVNI ?

Illustration d'un dragon ailé cracheur de feu. Friedrich Justin Bertuch

Phénomènes célestes : attaque OVNI ?

L'art médiéval présente des phénomènes assez étranges dans le ciel, particulièrement illustrés dans une gravure sur bois de l'artiste Hans Glaser représentant un : « ciel rempli d'objets de formes différentes. Encore une fois, il y avait des disques. Il y avait aussi de longs tubes, des croix bulbeuses et des stries d'arc.

Événement prodigieux sur Nuremberg , Allemagne le 14 avril 1561. Gravure sur bois de Hans Glaser (1566). Bien que cela soit le plus souvent présenté comme une observation d'OVNI historique, les scientifiques maintiennent que ces types d'images sont des représentations d'aurore boréale ou de chiens solaires (Parhelion). ( Domaine public) .

Cette gravure sur bois dépeint une scène que des milliers de témoins oculaires ont vue au-dessus de Nuremberg, où des «tubes et des croix» ont commencé à se combattre et à se tirer dessus. Un article de grand format publié le 14 avril 1561 après JC décrit une « observation de masse d'ovnis » par des habitants de Nuremberg qui ont rapporté avoir vu : « des objets de formes diverses comprenant des croix, des globes, deux croissants lunaires, une lance noire et des objets tubulaires dont plusieurs , des objets ronds ont émergé et ont filé dans le ciel à l'aube. De plus, après ce spectacle de lumière : « un grand objet triangulaire noir » est apparu dans le ciel et s'est écrasé en dehors des limites de la ville. Le journal affirme également que des témoins ont observé: "des centaines de sphères, de cylindres et d'autres objets de forme étrange qui se sont déplacés de manière erratique au-dessus de leur tête".

En 1566, un phénomène céleste similaire a été signalé au-dessus de Bâle, en Suisse, et le pamphlet de Bâle décrit des « levers et couchers de soleil inhabituels » et des phénomènes « se battant ensemble » sous la forme de nombreuses boules rouges et noires dans le ciel avant le soleil levant. ( Domaine public) .

Donc, si les observations à Bâle et à Nuremberg n'étaient pas des visiteurs étrangers, qu'est-ce que les gens ont alors vu dans le ciel ? Sûrement cela dépasse-t-il le domaine d'une hallucination de masse ? Les historiens militaires soutiennent que les tubes étaient des canons et les sphères des boulets de canon, une théorie qui est soutenue par le fer de lance noir au bas de la scène.


Romantisme - Histoire et concepts

Le terme romantisme a été utilisé pour la première fois en Allemagne à la fin des années 1700 lorsque les critiques August et Friedrich Schlegal ont écrit sur poésie romantique (« poésie romantique »). Madame de Staël, un leader influent de la vie intellectuelle française, à la suite de la publication de son récit de ses voyages en Allemagne en 1813, a popularisé le terme en France. En 1815, le poète anglais William Wordsworth, qui devint une voix majeure du mouvement romantique et qui estimait que la poésie devait être « le débordement spontané de sentiments puissants », oppose la « harpe romantique » à la « lyre classique ». Les artistes qui se considéraient comme faisant partie du mouvement se considéraient comme partageant un état d'esprit ou une attitude envers l'art, la nature et l'humanité, mais ne s'appuyaient pas sur des définitions ou des principes stricts. Contrairement à l'ordre social, à la religion et aux valeurs établis, le romantisme est devenu un mouvement artistique dominant dans toute l'Europe dans les années 1820.

Prédécesseurs littéraires

Un des premiers prototypes du romantisme était le mouvement allemand Sturm und Drang, un terme généralement traduit par « tempête et stress ». Bien qu'il s'agisse principalement d'un mouvement littéraire et musical des années 1760 aux années 1780, il a eu un grand impact et une grande influence sur la conscience publique et artistique. Mettant l'accent sur les extrêmes émotionnels et la subjectivité, le mouvement tire son nom du titre de la pièce le romantisme (1777) par Friedrich Maxmilian Klinger.

L'avocat le plus célèbre du mouvement était l'écrivain et homme d'État allemand Johann Wolfgang von Goethe, dont le roman Les Douleurs du jeune Werther (1774) est devenu un phénomène culturel. Dépeignant l'histoire émotionnellement angoissée d'un jeune artiste qui, amoureux de la femme fiancée puis mariée à l'ami de l'artiste, se suicide, la popularité du roman a provoqué ce que l'on a appelé « Werther Fever », alors que les jeunes hommes ont adopté le personnage du protagoniste. vêtements et manière. Certains suicides imitateurs se sont même produits, et des pays comme le Danemark et l'Italie ont interdit le roman. Goethe lui-même a renoncé au roman car il s'est ensuite détourné de toute association avec le romantisme en faveur d'une approche classique. Néanmoins, l'idée de l'artiste comme un génie solitaire, émotionnellement angoissé, dont l'originalité et l'imagination ont été rejetées par le monde rationnel, a saisi la conscience publique, devenant un modèle pour le héros romantique de l'ère suivante.

Dans les années 1800, le poète britannique Lord Gordon Byron est devenu une célébrité lors de la publication de son Le pèlerinage de Childe Harold (1812), et le terme « héros byronique » a été inventé pour désigner la figure du génie solitaire et maussade, déchiré entre ses meilleurs et ses pires traits.

Le romantisme dans les arts visuels

Le poète et artiste anglais William Blake et le peintre espagnol Francisco Goya ont été surnommés les « pères » du romantisme par divers érudits pour l'accent mis par leurs œuvres sur la vision subjective, le pouvoir de l'imagination et une conscience politique souvent sombre et critique. Blake, travaillant principalement dans la gravure, a publié ses propres illustrations aux côtés de sa poésie qui exprimait sa vision d'un nouveau monde, créant des mondes mythiques pleins de dieux et de pouvoirs, et critiquant vivement la société industrielle et l'oppression de l'individu. Goya a exploré les terreurs de l'irrationalité dans des œuvres comme la sienne Peintures Noires (1820-23), qui véhiculait les forces cauchemardesques sous-jacentes à la vie et aux événements humains.

En France, le peintre Antoine-Jean Gros a influencé les artistes Théodore Géricault et Eugène Delacroix qui ont par la suite dirigé et développé le mouvement romantique. Chronique des campagnes militaires de Napoléon Bonaparte dans des tableaux comme Bonaparte visite les pestiférés à Jaffa (1804), Gros insiste sur l'intensité émotionnelle et la souffrance de la scène.

La peinture de Théodore Géricault Le Radeau de la Méduse (1819) et Eugène Delacroix La Barque de Dante (1822) a porté le romantisme à l'attention d'un public plus large. Les deux tableaux scandalisent les Salons parisiens où ils sont exposés, Géricault en 1820 et Delacroix en 1822. S'écarter du style néoclassique privilégié par l'Académie et utiliser des sujets contemporains indigne l'Académie et le grand public. La représentation d'extrémités émotionnelles et physiques et d'états psychologiques variés deviendra la marque de fabrique du romantisme français.

Après la mort prématurée de Géricault en 1824, Delacroix est devenu le chef de file du mouvement romantique, mettant l'accent sur la couleur comme mode de composition et l'utilisation d'un pinceau expressif pour transmettre des sentiments. En conséquence, dans les années 1820, le romantisme était devenu un mouvement artistique dominant dans le monde occidental.

En Angleterre, en Allemagne et aux États-Unis, les principaux artistes romantiques se sont concentrés principalement sur le paysage, comme en témoignent les œuvres de l'artiste britannique John Constable, de l'Allemand Caspar David Friedrich et de l'Américain Thomas Cole, mais toujours avec le souci de la rapport de l'individu à la nature.

Un mouvement révolutionnaire

Largement développé pendant la Révolution française, le romantisme s'allie à un esprit révolutionnaire et rebelle. La règle de la raison et de la loi des Lumières était perçue comme restrictive et mécaniste. En conséquence, les artistes se sont tournés vers des scènes de rébellion et de protestation. Géricault destiné Le Radeau de la Méduse (1818-19), inspiré par un véritable récit d'un naufrage, comme un acte d'accusation de la politique du gouvernement français qui a conduit à la tragédie. De même, Turner Le navire négrier (1840) visait à influencer le gouvernement britannique dans une politique d'abolition plus active. Delacroix La Liberté guidant le peuple (1830) a été créé pour soutenir le soulèvement du peuple de Paris contre le gouvernement de restauration de Charles X. Delacroix a également peint un certain nombre d'œuvres illustrant la lutte grecque pour l'indépendance contre l'Empire ottoman. Le sien Scène des massacres de Scio (Massacre à Chios) (1824) dépeint les survivants d'un massacre qui s'est produit lorsque l'Empire ottoman a conquis une île de Grecs rebelles et tué ou réduit en esclavage la plupart des habitants.

Le sublime

En 1756, le philosophe anglais Edmund Burke publia Enquête philosophique sur les origines de nos idées du sublime et du beau, et en 1790, le philosophe allemand Emanuel Kant, qui a exploré la relation entre l'esprit humain et l'expérience, a développé les notions de Burke dans Critique du jugement. L'idée du Sublime en est venue à occuper une place centrale dans une grande partie du romantisme afin de contrer la rationalité des Lumières. Burke expliqua : « La passion causée par le grand et le sublime dans la nature... est l'étonnement et l'étonnement est cet état de l'âme, dans lequel tous ses mouvements sont suspendus, avec un certain degré d'horreur. Dans ce cas, l'esprit est si entièrement rempli de son objet, qu'il ne peut en entretenir aucun autre." Pour expérimenter le sublime, on ne fait pas seulement l'expérience de quelque chose de beau, mais de quelque chose qui dépasse son sens rationnel de l'objectivité. La crainte et la terreur ressenties en observant une grande tempête ou une vue infinie font que l'individu contemple sa place dans le monde naturel. Cet état, cependant, nécessite que l'on soit à quelque distance de ce que l'on voit, que l'on ne soit pas en danger d'être physiquement blessé par la tempête ou perdu dans le désert. Quand on essaie de comprendre l'infinité, ou l'informe, du pouvoir de la nature, on se sent submergé émotionnellement. L'expérience du sublime déclenche l'auto-examen qui était crucial pour le romantisme. De nombreux peintres romantiques ont cherché à évoquer le sublime dans leurs peintures de paysages, dépeignant des mers et des cieux agités par un individu solitaire.

Orientalisme

Dès la Renaissance, les artistes ont représenté le Moyen-Orient à travers des images exotiques, comme en témoignent les La réception des ambassadeurs à Damas (1511) par un peintre vénitien anonyme. Comme l'a décrit le critique d'art Andrew Graham Dixon, la peinture a tenté de comprimer tout ce qui rendait Damas "vive et étrange, aux yeux vénitiens, dans le cadre d'une seule toile: des figures en turbans un chameau chargé en route vers le bazar la grande mosquée la citadelle, les bains publics, les maisons privées et leurs jardins clos distinctifs et luxuriants." Au XIX e siècle, la fascination pour les sujets du Moyen-Orient prend le pas sur la peinture néoclassique et romantique, comme en témoignent les traitements du nu comme celui de Jean-Auguste-Dominique Ingres. Grande Odalisque (1814), ou la popularité des scènes de harem comme celle de Delacroix Les femmes d'Alger (1834). Les peintres romantiques ont projeté des désirs, des peurs et l'inconnu dans leurs représentations de scènes africaines et moyen-orientales.

Par la suite, les chercheurs ont réévalué ces représentations d'un Moyen-Orient exotique. Le critique culturel et historien Edward Said a inventé le terme « orientalisme » avec son livre influent, orientalisme (1978). Said a fait valoir que dans ses représentations du Moyen-Orient, l'art et la littérature occidentaux montraient un "préjugé eurocentrique subtil et persistant contre les peuples arabo-islamiques et leur culture". Ce préjugé se reflétait dans les représentations stéréotypées de la culture et des peuples du Moyen-Orient comme primitifs, irrationnels et exotiques.


A propos de l'auteur

Mary Ann Sures

Mary Ann Sures est une historienne de l'art qui a donné de nombreuses conférences, à partir du début des années 1960, sur l'application de l'esthétique objectiviste aux arts visuels. Elle a fait des études supérieures en histoire de l'art à l'Institut des Beaux-Arts de l'Université de New York et au Hunter College, dont elle a obtenu un M.A. Elle a enseigné l'histoire de l'art à l'Université de New York (Washington Square College) et au Hunter College. Elle est co-auteur avec son défunt mari, Charles, de Facettes d'Ayn Rand, un mémoire de leur amitié de longue date avec Ayn Rand et son mari, Frank O'Connor.

Voir également Ramsès II. c. 1250 av. Musée en plein air, Memphis, Egypte. Remarque : cette image peut être agrandie en cliquant dessus

2 Statue d'un jeune (Kouros). c. 590&ndash580 av. Metropolitan Museum of Art, New York. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus également, différentes vues peuvent être sélectionnées en cliquant sur les petites images situées sous l'image principale.

3 Polyclète. Doryphore (Porteur de lance). Copie romaine d'après un original en bronze de c. 450&ndash440 av. Musée Archéologique National, Naples. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

4 Nike attachant sa sandale. c. 410 av. Soulagement du parapet du Temple d'Athéna Niké, Musée de l'Acropole, Athènes.

6 Attribué à Praxitèle. Hermès avec l'enfant Dionysos (tête et torse). c. 340 av. Musée national d'archéologie, Olympie. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

7 Jugement dernier. c. 1130&ndash1145. Saint-Lazare, Autun. Remarquez surtout la figure centrale du Christ.

8 Isaïe. c. 1150. Sainte Marie de Souillac, Souillac.

9 Veille, de Saint-Lazare, Autun. c. 1130. Musée Rolin, Autun.
Voir aussi le détail de la tête, Veille.

10 Détail des damnés, du Jugement dernier. c. 1140&ndash1145. Saint-Lazare, Autun.

11 Röttgen Piet&grave. c. 1325&ndash1360. Rheinisches Landesmuseum (anciennement Musée provincial), Bonn.

12 Donatello. Saint George. 1415&ndash1417. Museo Nazionale del Bargello, Florence. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

13 Botticelli. La naissance de Vénus. c. 1482. Galerie des Offices, Florence. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

15 Michel-Ange. David. 1501&ndash1504. Académie, Florence. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

16 Michel-Ange. Esclave mourant. 1513&ndash1516. Louvre, Paris. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

Voir aussi le détail de la tête et du torse, Esclave mourant. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

17 Michel-Ange. Rondanini Piet&grave. 1564. Château des Sforza, Milan. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

18 Auguste Rodin. Elle qui était autrefois la belle femme du fabricant de casques, aussi appelé La courtisane. Modelé 1887, ce bronze coulé 1910. Metropolitan Museum of Art, New York. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

19 Auguste Rodin. Veille. Modelé 1881, ce bronze coulé 1911. Musée Rodin, Paris. Remarque : Cette image peut être agrandie en passant la souris dessus également, différentes vues peuvent être sélectionnées en cliquant sur les petites images situées sous l'image principale.

20 Auguste Rodin. Le penseur. Modelé 1880, ce bronze coulé 1903. Musée Rodin, Paris. Remarque : Cette image peut être agrandie en cliquant dessus.

21 Figure féminine debout. Fin du 19e siècle. République Démocratique du Congo. Musée de Brooklyn. Remarque : Le chiffre décrit dans l'article n'est pas disponible sur Internet cependant, ce chiffre est similaire à bien des égards.

22 Figure masculine. Début du 19e siècle. Île de Pâques. Metropolitan Museum of Art, New York. Remarque : Le chiffre décrit dans l'article n'est pas disponible sur Internet cependant, ce chiffre est similaire à bien des égards.

23 La figure décrite dans l'article n'est pas disponible sur Internet. Cependant, il est similaire à la figure masculine référencée dans la note de bas de page 22 ci-dessus.

28 Leslie Thornton. Crucifix. 1958. Collection privée. Remarque : L'image référencée est la cinquième à partir du haut de la page.


Pourquoi les bébés dans les peintures médiévales ressemblent à des vieillards laids

Pour trouver la réponse, j'ai parlé à Matthew Averett, professeur d'histoire de l'art à l'Université Creighton qui a édité l'anthologie L'enfant moderne dans l'art et l'histoire. Mais vraiment, à quel point ces bébés sont-ils laids ?

Moche est peut-être un mot trop faible pour les bébés médiévaux

Ces bébés ressemblent à des hommes minuscules horribles avec un taux de cholestérol élevé et des opinions bien arrêtées sur les règles des associations de logement.

Ce sont des bébés comme celui-ci de 1350 :

Ce bébé de 1350 dans "Madonna of Veveri" du maître de l'autel de Vyssi Brod semble être sur le point d'être licencié pour harcèlement sexuel.

Peint en 1333 en Italie, "Madonna With Child" de Paolo Veneziano rend ce bébé un peu trop effrayant pour un film de David Lynch.

Paolo Veneziano/Portfolio Mondadori/Getty Images

Ces hommes-bébés effrayants font se demander comment nous sommes passés de représentations médiévales laides aux bébés chérubins reconnaissables de la Renaissance et d'aujourd'hui. Vous pouvez utiliser le curseur ci-dessous pour voir à quel point notre idée d'un « visage de bébé » a changé :

Alors pourquoi y avait-il tant de bébés laids ? Les raisons se sont avérées en dire long sur l'art, la culture médiévale et même la façon dont nous pensons aux enfants d'aujourd'hui.

Les artistes médiévaux étaient-ils simplement mauvais en dessin ?

Ce bébé laid de Jacopo Bellini date en fait du XVe siècle, mais il est un exemple du style bébé médiéval. On dirait qu'il vient d'être accusé d'avoir enfreint les lois sur le délit d'initié.

Ces bébés laids étaient très intentionnels. Tracer une ligne entre le Moyen Âge et la Renaissance est un outil utile lorsque l'on considère les bébés laids et ceux qui sont beaucoup plus adorables. Les deux époques ont tendance à montrer une différence de valeurs.

« Si nous pensons aux enfants sous un jour fondamentalement différent, la peinture reflétera les attitudes », dit Averett.

"Le style est choisi", poursuit-il. « Nous pourrions regarder l'art médiéval et dire : « Ces gens n'ont pas l'air bien. » Mais si votre objectif est de ressembler à Picasso et que vous faites une peinture réaliste, ils diront que vous ne l'avez pas bien fait non plus." Bien qu'il y ait eu des innovations artistiques qui sont venues avec la Renaissance, elles ne sont pas la raison pour laquelle les bébés sont devenus plus beaux.

(Note de bébé laid : en général, les gens croient que la Renaissance a commencé à Florence, en Italie, au 14ème siècle et s'est propagée vers l'extérieur à partir de là. Cependant, comme tout mouvement intellectuel, cette caractérisation est à la fois trop large et étroite : elle est trop large en ce sens qu'elle donne l'impression que les valeurs de la Renaissance étaient partout, instantanément, et c'est trop étroit en ce sens qu'il limite un mouvement de masse à une seule poche d'innovation. Il y avait des trous dans la Renaissance - vous pourriez facilement voir un bébé laid en 1521, si l'artiste était engagé au style.)

On peut décomposer les deux raisons suivantes pour les hommes-bébés de l'art médiéval :

    La plupart de ces bébés médiévaux étaient des représentations de Jésus.Le concept de Jésus homunculaire a affecté la façon dont les enfants étaient représentés.

Les portraits médiévaux d'enfants étaient généralement commandés par les églises. Et cela a rendu l'éventail des sujets limité à Jésus et à quelques autres bébés bibliques. Les concepts médiévaux de Jésus ont été profondément influencés par l'homoncule, qui signifie littéralement petit homme. "Il y a l'idée que Jésus était parfaitement formé et inchangé", dit Averett, "et si vous combinez cela avec la peinture byzantine, c'est devenu un moyen standard de représenter Jésus. Dans certaines de ces images, il semble qu'il ait une calvitie masculine. "

Ce bébé de Barnaba da Modena (actif de 1361 à 1383) semble être sur le point d'avoir une crise de la quarantaine.

Ce Jésus homunculaire et d'apparence adulte est devenu une convention pour peindre tous les enfants. Au fil du temps, c'est tout simplement devenu la bonne façon dont les gens pensaient qu'ils devaient peindre des bébés.

Cette représentation irréaliste de Jésus reflète une approche plus large de l'art médiéval : ils étaient moins intéressés par le réalisme ou les formes idéalisées que les artistes de la Renaissance.

"L'étrangeté que nous voyons dans l'art médiéval provient d'un manque d'intérêt pour le naturalisme, et ils se sont davantage tournés vers les conventions expressionnistes", explique Averett.

À son tour, cela a rendu la plupart des gens de l'art médiéval similaires. "L'idée de la liberté artistique de représenter ces personnes comme vous le souhaitez aurait été nouvelle. Il y avait des conventions artistiques."

Ce style de peinture a fait que les bébés ressemblaient à des papas de football déformés, du moins jusqu'à la Renaissance.

Comment la Renaissance a redonné de la beauté aux bébés

Un joli bébé mignon peint par Raphaël en 1506.

Images beaux-arts/Images patrimoniales/Getty Images

Alors, qu'est-ce qui a changé pour que les bébés redeviennent mignons ?

    L'art non religieux a prospéré - et les gens ne voulaient pas que leurs propres bébés ressemblent à des hommes effrayants

Au Moyen Âge, « nous voyons moins d'art de la classe moyenne ou même des gens du commun », dit Averett.

Une fois la Renaissance arrivée, cela a commencé à changer à mesure que la classe moyenne de Florence s'épanouissait et que les gens pouvaient s'offrir des portraits de leurs propres enfants. Au fur et à mesure que le portrait se développait, les gens voulaient que leurs bébés ressemblent à de jolis bébés au lieu d'homoncules adultes laids. Cela a changé les normes pour beaucoup d'art, y compris, éventuellement, les représentations de Jésus.

« À la Renaissance », dit Averett, « il y a ce nouvel intérêt pour l'observation de la nature et la représentation des choses telles qu'elles sont réellement vues » plutôt que les attitudes expressionnistes de l'art antérieur. Cela comprenait des bébés plus réalistes – et de beaux chérubins qui ont choisi les meilleures caractéristiques tirées de vraies personnes.

Averett met en garde contre la lecture excessive du rôle changeant des enfants dans le monde de la Renaissance – les parents du Moyen Âge n'aimaient pas leurs enfants différemment des parents de la Renaissance. Mais pendant la Renaissance, une transformation de l'idée d'enfants était en cours : de minuscules adultes à des créatures uniquement innocentes.

"Nous avons plus tard cette idée d'enfants innocents", note Averett. "Si les enfants naissent sans péché, ils ne peuvent pas connaître les choses."

Au fur et à mesure que les attitudes des adultes envers les enfants ont changé, les représentations des enfants par les adultes ont changé. Les bébés laids (ou beaux) sont le reflet de la façon dont une société pense à leurs enfants, à l'art et à leurs objectifs en tant que parents.

Pourquoi nous voulons toujours que nos bébés soient beaux

Avec tous ces facteurs combinés, les bébés sont devenus les figures à pincer les joues que nous connaissons aujourd'hui. Et c'est facile à comprendre pour les téléspectateurs modernes comme nous, car nous avons encore des idéaux post-Renaissance sur les enfants.

C'est pourquoi, à nos yeux, c'est une bonne chose que les photos de bébé aient changé. Parce que c'est un visage que seule une mère pourrait aimer :

Cette icône 1304 de Bitonto montre un bébé qui semble ne pas vouloir jouer au coucou.

REGARDER : Comment les nourrissons peuvent apprendre à sauver leur propre vie

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Contenu

Le Moyen Âge est l'une des trois périodes majeures du schéma le plus durable d'analyse de l'histoire européenne : la civilisation classique ou Antiquité, le Moyen Âge et la Période moderne. [1] Le « Moyen Âge » apparaît pour la première fois en latin en 1469 sous la forme tempêtes médiatiques ou "moyenne saison". [2] Au début de l'utilisation, il y avait de nombreuses variantes, y compris moyen aevum, ou « âge moyen », enregistré pour la première fois en 1604, [3] et média saecula, ou « siècles du milieu », enregistré pour la première fois en 1625. moyen aevum. [5]

Les écrivains médiévaux ont divisé l'histoire en périodes telles que les "Six Âges" ou les "Quatre Empires", et considéraient leur temps comme le dernier avant la fin du monde. [7] En se référant à leur propre époque, ils ont parlé d'eux comme étant "modernes". [8] Dans les années 1330, l'humaniste et poète italien Pétrarque qualifiait l'époque préchrétienne de antique (ou "ancien") et à la période chrétienne comme nova (ou "nouveau"). [9] Pétrarque considérait les siècles post-romains comme « sombres » par rapport à la « lumière » de l'antiquité classique. [10] Leonardo Bruni a été le premier historien à utiliser la périodisation tripartite dans son Histoire du peuple florentin (1442), avec une période intermédiaire « entre la chute de l'Empire romain et le renouveau de la vie urbaine à la fin des XIe et XIIe siècles ». [11] La périodisation tripartite est devenue la norme après que l'historien allemand du XVIIe siècle Christoph Cellarius ait divisé l'histoire en trois périodes : ancienne, médiévale et moderne. [4]

Le point de départ le plus communément donné pour le Moyen Âge est d'environ 500, [12] avec la date de 476 utilisée pour la première fois par Bruni. [11] [A] Des dates de début ultérieures sont parfois utilisées dans les parties extérieures de l'Europe. [14] Pour l'Europe dans son ensemble, 1500 est souvent considéré comme la fin du Moyen Âge, [15] mais il n'y a pas de date de fin universellement convenue. Selon le contexte, des événements tels que la conquête de Constantinople par les Turcs en 1453, le premier voyage de Christophe Colomb aux Amériques en 1492, ou la Réforme protestante en 1517 sont parfois utilisés. [16] Les historiens anglais utilisent souvent la bataille de Bosworth Field en 1485 pour marquer la fin de la période. [17] Pour l'Espagne, les dates couramment utilisées sont la mort du roi Ferdinand II en 1516, la mort de la reine Isabelle I de Castille en 1504, ou la conquête de Grenade en 1492. [18]

Les historiens des pays de langue romane ont tendance à diviser le Moyen Âge en deux parties : une première période « haute » et plus tard « basse ». Les historiens anglophones, à la suite de leurs homologues allemands, subdivisent généralement le Moyen Âge en trois intervalles : « Early », « High » et « Late ». [1] Au 19ème siècle, l'ensemble du Moyen Âge était souvent appelé « l'âge des ténèbres », [19] mais avec l'adoption de ces subdivisions, l'utilisation de ce terme était limitée au début du Moyen Âge, du moins parmi les historiens . [7]

L'Empire romain a atteint sa plus grande étendue territoriale au cours du IIe siècle de notre ère. Les deux siècles suivants ont été témoins du lent déclin du contrôle romain sur ses territoires périphériques. [21] Les problèmes économiques, y compris l'inflation, et la pression extérieure sur les frontières se sont combinés pour créer la crise du troisième siècle, les empereurs venant sur le trône pour être rapidement remplacés par de nouveaux usurpateurs. [22] Les dépenses militaires ont augmenté régulièrement au cours du 3ème siècle, principalement en réponse à la guerre avec l'Empire sassanide, qui a repris au milieu du 3ème siècle. [23] L'armée a doublé de taille et la cavalerie et des unités plus petites ont remplacé la légion romaine en tant qu'unité tactique principale. [24] Le besoin de revenus a conduit à une augmentation des impôts et à une diminution du nombre de la classe curiale, ou propriétaire terrien, et à la diminution du nombre d'entre eux prêts à assumer le fardeau de la fonction dans leurs villes natales. [23] Plus de bureaucrates étaient nécessaires dans l'administration centrale pour faire face aux besoins de l'armée, ce qui a conduit à des plaintes de civils qu'il y avait plus de collecteurs d'impôts dans l'empire que de contribuables. [24]

L'empereur Dioclétien (r. 284-305) a divisé l'empire en moitiés orientale et occidentale administrées séparément en 286, l'empire n'était pas considéré comme divisé par ses habitants ou ses dirigeants, car les promulgations juridiques et administratives dans une division étaient considérées comme valides dans l'autre. [25] [B] En 330, après une période de guerre civile, Constantin le Grand (r. 306–337) a refondé la ville de Byzance en tant que capitale orientale nouvellement renommée, Constantinople. [26] Les réformes de Dioclétien renforcèrent la bureaucratie gouvernementale, réformèrent la fiscalité et renforcèrent l'armée, ce qui fit gagner du temps à l'empire mais ne résolva pas les problèmes auxquels il était confronté : taxation excessive, baisse de la natalité et pressions sur ses frontières, entre autres. [27] La ​​guerre civile entre les empereurs rivaux est devenue courante au milieu du 4ème siècle, détournant les soldats des forces frontalières de l'empire et permettant aux envahisseurs d'empiéter. [28] Pendant une grande partie du IVe siècle, la société romaine s'est stabilisée sous une nouvelle forme qui différait de la période classique antérieure, avec un fossé grandissant entre les riches et les pauvres et un déclin de la vitalité des petites villes. [29] Un autre changement a été la christianisation, ou la conversion de l'empire au christianisme, un processus graduel qui a duré du IIe au Ve siècle. [30] [31]

En 376, les Goths, fuyant les Huns, obtiennent de l'empereur Valens (r. 364-378) l'autorisation de s'installer dans la province romaine de Thrace dans les Balkans. Le règlement ne s'est pas déroulé sans heurts, et lorsque les autorités romaines ont mal géré la situation, les Goths ont commencé à piller et à piller. [C] Valens, tentant de réduire le désordre, a été tué en combattant les Goths à la bataille d'Andrinople le 9 août 378. [33] En plus de la menace de telles confédérations tribales dans le nord, les divisions internes au sein de l'empire, en particulier au sein de l'Église chrétienne, a causé des problèmes. [34] En 400, les Wisigoths ont envahi l'Empire romain d'Occident et, bien que brièvement refoulés d'Italie, en 410 ont saccagé la ville de Rome. [35] En 406, les Alains, les Vandales et les Suèves ont traversé la Gaule au cours des trois années suivantes, ils se sont répandus à travers la Gaule et en 409 ont traversé les Pyrénées dans l'Espagne moderne. [36] La période de migration a commencé, lorsque divers peuples, initialement en grande partie des peuples germaniques, se sont déplacés à travers l'Europe. Les Francs, les Alamans et les Bourguignons se sont tous retrouvés dans le nord de la Gaule tandis que les Angles, les Saxons et les Jutes se sont installés en Grande-Bretagne [37] et les Vandales ont traversé le détroit de Gibraltar après quoi ils ont conquis la province d'Afrique. [38] Dans les années 430, les Huns commencèrent à envahir l'empire, leur roi Attila (r. 434-453) mena des invasions dans les Balkans en 442 et 447, la Gaule en 451 et l'Italie en 452. mort en 453, lorsque la confédération hunnique qu'il dirigeait s'effondre. [40] Ces invasions par les tribus ont complètement changé la nature politique et démographique de ce qui avait été l'Empire romain d'Occident. [37]

À la fin du Ve siècle, la partie occidentale de l'empire était divisée en unités politiques plus petites, dirigées par les tribus qui avaient envahi le début du siècle. [41] La déposition du dernier empereur d'Occident, Romulus Augustulus, en 476 a traditionnellement marqué la fin de l'Empire romain d'Occident. [13] [D] En 493, la péninsule italienne fut conquise par les Ostrogoths. [42] L'Empire romain d'Orient, souvent appelé Empire byzantin après la chute de son homologue occidental, avait peu de capacité à affirmer son contrôle sur les territoires occidentaux perdus. Les empereurs byzantins ont maintenu une revendication sur le territoire, mais alors qu'aucun des nouveaux rois d'Occident n'a osé s'élever au poste d'empereur d'Occident, le contrôle byzantin de la majeure partie de l'Empire d'Occident n'a pas pu être soutenu par la reconquête de la Méditerranée. la périphérie et la péninsule italienne (guerre gothique) sous le règne de Justinien (r. 527-565) était la seule et temporaire exception. [43]

De nouvelles sociétés

La structure politique de l'Europe occidentale a changé avec la fin de l'Empire romain uni. Bien que les mouvements de peuples au cours de cette période soient généralement décrits comme des « invasions », il ne s'agissait pas seulement d'expéditions militaires mais de migrations de peuples entiers dans l'empire. De tels mouvements ont été aidés par le refus des élites romaines occidentales de soutenir l'armée ou de payer les impôts qui auraient permis aux militaires de réprimer la migration. [44] Les empereurs du 5ème siècle étaient souvent contrôlés par des hommes forts militaires tels que Stilicon (d. 408), Aetius (d. 454), Aspar (d. 471), Ricimer (d. 472), ou Gundobad (d. 516), qui étaient en partie ou entièrement d'origine non romaine. Lorsque la lignée des empereurs occidentaux a cessé, beaucoup des rois qui les ont remplacés étaient du même milieu. Les mariages mixtes entre les nouveaux rois et les élites romaines étaient courants. [45] Cela a conduit à une fusion de la culture romaine avec les coutumes des tribus envahissantes, y compris les assemblées populaires qui ont permis aux membres tribaux masculins libres de s'exprimer davantage sur les questions politiques que ce qui était courant dans l'État romain. [46] Les artefacts matériels laissés par les Romains et les envahisseurs sont souvent similaires et les objets tribaux étaient souvent modelés sur des objets romains. [47] Une grande partie de la culture savante et écrite des nouveaux royaumes était également basée sur les traditions intellectuelles romaines. [48] ​​Une différence importante était la perte progressive de recettes fiscales par les nouvelles politiques. La plupart des nouvelles entités politiques ne soutenaient plus leurs armées par le biais des impôts, s'appuyant plutôt sur l'octroi de terres ou de loyers. Cela signifiait qu'il y avait moins besoin de recettes fiscales importantes et donc les systèmes fiscaux se sont détériorés. [49] La guerre était commune entre et dans les royaumes. L'esclavage a diminué à mesure que l'offre s'affaiblissait et la société est devenue plus rurale. [50] [F]

Entre le Ve et le VIIIe siècle, de nouveaux peuples et individus ont comblé le vide politique laissé par le gouvernement centralisé romain. [48] ​​Les Ostrogoths, tribu gothique, s'installèrent en Italie romaine à la fin du Ve siècle sous Théodoric le Grand (m. 526) et y établirent un royaume marqué par sa coopération entre les Italiens et les Ostrogoths, au moins jusqu'au dernières années du règne de Théodoric. [52] Les Bourguignons se sont installés en Gaule, et après qu'un royaume antérieur ait été détruit par les Huns en 436, ils ont formé un nouveau royaume dans les années 440. Entre Genève et Lyon d'aujourd'hui, elle s'est développée pour devenir le royaume de Bourgogne à la fin du Ve et au début du VIe siècle. [53] Ailleurs en Gaule, les Francs et les Britanniques celtiques mettent en place de petits régimes. Francia a été centrée dans le nord de la Gaule, et le premier roi dont on sait beaucoup est Childéric I (d. 481). Sa tombe a été découverte en 1653 et est remarquable pour son mobilier funéraire, qui comprenait des armes et une grande quantité d'or. [54]

Sous le fils de Childéric, Clovis I (r. 509-511), fondateur de la dynastie mérovingienne, le royaume franc s'agrandit et se convertit au christianisme. Les Britanniques, apparentés aux natifs de Britannia – la Grande-Bretagne d'aujourd'hui – se sont installés dans ce qui est aujourd'hui la Bretagne. [55] [F] D'autres monarchies ont été établies par le royaume wisigothique dans la péninsule ibérique, les Suebi dans le nord-ouest de la péninsule ibérique et le royaume vandale en Afrique du Nord. [53] Au VIe siècle, les Lombards s'installèrent en Italie du Nord, remplaçant le royaume ostrogoth par un groupement de duchés qui choisissaient occasionnellement un roi pour régner sur eux tous. À la fin du VIe siècle, cet arrangement avait été remplacé par une monarchie permanente, le royaume des Lombards. [56]

Les invasions ont amené de nouveaux groupes ethniques en Europe, bien que certaines régions aient reçu un afflux de nouveaux peuples plus important que d'autres. En Gaule par exemple, les envahisseurs se sont installés beaucoup plus largement dans le nord-est que dans le sud-ouest. Les Slaves se sont installés en Europe centrale et orientale et dans la péninsule balkanique. L'installation des peuples s'est accompagnée de changements de langues. Le latin, la langue littéraire de l'empire romain d'Occident, a été progressivement remplacé par des langues vernaculaires qui ont évolué à partir du latin, mais en étaient distinctes, collectivement connues sous le nom de langues romanes. Ces changements du latin aux nouvelles langues ont pris plusieurs siècles. Le grec est resté la langue de l'empire byzantin, mais les migrations des Slaves ont ajouté des langues slaves à l'Europe de l'Est. [57]

Survie byzantine

Alors que l'Europe occidentale a été témoin de la formation de nouveaux royaumes, l'Empire romain d'Orient est resté intact et a connu un renouveau économique qui a duré jusqu'au début du 7ème siècle. Il y avait moins d'invasions de la partie orientale de l'empire, la plupart se sont produites dans les Balkans. La paix avec l'Empire sassanide, l'ennemi traditionnel de Rome, a duré pendant la majeure partie du 5ème siècle. L'Empire d'Orient était marqué par des relations plus étroites entre l'État politique et l'Église chrétienne, les questions doctrinales prenant dans la politique orientale une importance qu'elles n'avaient pas en Europe occidentale. Les développements juridiques comprenaient la codification du droit romain le premier effort - le Codex Théodosianus-a été achevé en 438. [59] Sous l'empereur Justinien (r. 527-565), une autre compilation a eu lieu - le Corpus Juris Civilis. [60] Justinien a également supervisé la construction de Sainte-Sophie à Constantinople et la reconquête de l'Afrique du Nord des Vandales et de l'Italie des Ostrogoths, [61] sous Bélisaire (d. 565). [62] La conquête de l'Italie n'était pas complète, car une épidémie mortelle de peste en 542 a conduit le reste du règne de Justinien à se concentrer sur des mesures défensives plutôt que sur d'autres conquêtes. [61]

À la mort de l'empereur, les Byzantins avaient le contrôle de la majeure partie de l'Italie, de l'Afrique du Nord et d'une petite emprise dans le sud de l'Espagne. Les reconquêtes de Justinien ont été critiquées par les historiens pour avoir trop étendu son royaume et préparé le terrain pour les premières conquêtes musulmanes, mais bon nombre des difficultés rencontrées par les successeurs de Justinien étaient dues non seulement à la surimposition pour payer ses guerres, mais à la nature essentiellement civile de l'empire, ce qui rendait difficile la levée de troupes. [63]

Dans l'Empire d'Orient, la lente infiltration des Balkans par les Slaves ajouta une difficulté supplémentaire aux successeurs de Justinien. Cela a commencé progressivement, mais à la fin des années 540, les tribus slaves étaient en Thrace et en Illyre et avaient vaincu une armée impériale près d'Andrinople en 551. Dans les années 560, les Avars ont commencé à s'étendre à partir de leur base sur la rive nord du Danube à la fin de au 6ème siècle, ils étaient la puissance dominante en Europe centrale et étaient régulièrement capables de forcer les empereurs d'Orient à payer un tribut. Ils restèrent une puissance forte jusqu'en 796. [64]

Un problème supplémentaire pour faire face à l'empire est venu à la suite de l'implication de l'empereur Maurice (r. 582-602) dans la politique perse lorsqu'il est intervenu dans un conflit de succession.Cela a conduit à une période de paix, mais lorsque Maurice a été renversé, les Perses ont envahi et pendant le règne de l'empereur Héraclius (r. 610-641) ont contrôlé de grandes parties de l'empire, y compris l'Égypte, la Syrie et l'Anatolie jusqu'à ce que la contre-attaque réussie d'Héraclius . En 628, l'empire a obtenu un traité de paix et a récupéré tous ses territoires perdus. [65]

Société occidentale

En Europe occidentale, certaines des familles d'élite romaines les plus anciennes se sont éteintes tandis que d'autres se sont davantage impliquées dans les affaires ecclésiastiques que laïques. Les valeurs attachées à l'érudition et à l'éducation latines ont pour la plupart disparu, et bien que l'alphabétisation soit restée importante, elle est devenue une compétence pratique plutôt qu'un signe de statut d'élite. Au 4ème siècle, Jérôme (mort en 420) rêva que Dieu le réprimanda pour avoir passé plus de temps à lire Cicéron que la Bible. Au 6ème siècle, Grégoire de Tours (mort en 594) avait un rêve similaire, mais au lieu d'être réprimandé pour avoir lu Cicéron, il a été réprimandé pour avoir appris la sténographie. [66] À la fin du VIe siècle, les principaux moyens d'instruction religieuse dans l'Église étaient devenus la musique et l'art plutôt que le livre. [67] La ​​plupart des efforts intellectuels sont allés vers l'imitation de l'érudition classique, mais quelques travaux originaux ont été créés, avec des compositions orales maintenant perdues. Les écrits de Sidoine Apollinaire (d. 489), Cassiodore (d. c. 585) et Boèce (d. c. 525) étaient typiques de l'époque. [68]

Des changements ont également eu lieu parmi les laïcs, la culture aristocratique se concentrant sur les grandes fêtes organisées dans les salles plutôt que sur les activités littéraires. Les vêtements des élites étaient richement ornés de bijoux et d'or. Les seigneurs et les rois soutenaient des entourages de combattants qui formaient l'épine dorsale des forces militaires. [G] Les liens familiaux au sein des élites étaient importants, tout comme les vertus de loyauté, de courage et d'honneur. Ces liens ont conduit à la prévalence de la querelle dans la société aristocratique, dont les exemples comprenaient ceux liés par Grégoire de Tours qui ont eu lieu dans la Gaule mérovingienne. La plupart des querelles semblent avoir pris fin rapidement avec le paiement d'une sorte de compensation. [71] Les femmes ont pris part à la société aristocratique principalement dans leurs rôles d'épouses et de mères d'hommes, le rôle de mère d'un souverain étant particulièrement important dans la Gaule mérovingienne. Dans la société anglo-saxonne, le manque de nombreux enfants dirigeants signifiait un rôle moindre pour les femmes en tant que reines mères, mais cela était compensé par le rôle accru joué par les abbesses des monastères. Ce n'est qu'en Italie qu'il apparaît que les femmes ont toujours été considérées sous la protection et le contrôle d'un parent masculin. [72]

La société paysanne est beaucoup moins documentée que la noblesse. La plupart des informations encore disponibles pour les historiens proviennent de l'archéologie. Il reste quelques documents écrits détaillés documentant la vie paysanne avant le IXe siècle. La plupart des descriptions des classes inférieures proviennent soit de codes de lois, soit d'écrivains des classes supérieures. [73] Les modèles de propriété foncière dans l'Ouest n'étaient pas uniformes. Certaines régions avaient des modèles de propriété foncière grandement fragmentés, mais dans d'autres régions, de grands blocs de terre contigus étaient la norme. Ces différences ont permis une grande variété de sociétés paysannes, certaines dominées par des propriétaires terriens aristocratiques et d'autres ayant une grande autonomie. [74] Le règlement des terres variait aussi considérablement. Certains paysans vivaient dans de grandes colonies qui comptaient jusqu'à 700 habitants. D'autres vivaient en petits groupes de quelques familles et d'autres encore vivaient dans des fermes isolées réparties dans la campagne. Il y avait aussi des domaines où le modèle était un mélange de deux ou plusieurs de ces systèmes. [75] Contrairement à la fin de la période romaine, il n'y avait pas de rupture nette entre le statut juridique du paysan libre et celui de l'aristocrate, et il était possible pour une famille de paysan libre de s'élever dans l'aristocratie sur plusieurs générations par le service militaire à un puissant Seigneur. [76]

La vie et la culture de la ville romaine ont beaucoup changé au début du Moyen Âge. Bien que les villes italiennes soient restées habitées, leur taille a considérablement diminué. Rome, par exemple, est passée d'une population de centaines de milliers à environ 30 000 à la fin du 6ème siècle. Les temples romains ont été convertis en églises chrétiennes et les murs de la ville sont restés en usage. [77] En Europe du Nord, les villes ont également rétréci, tandis que les monuments civiques et d'autres bâtiments publics ont été pillés pour les matériaux de construction. L'établissement de nouveaux royaumes signifiait souvent une certaine croissance pour les villes choisies comme capitales. [78] Bien qu'il y ait eu des communautés juives dans de nombreuses villes romaines, les Juifs ont subi des périodes de persécution après la conversion de l'empire au christianisme. Officiellement, ils étaient tolérés, s'ils faisaient l'objet d'efforts de conversion, et parfois même encouragés à s'installer dans de nouvelles régions. [79]

Montée de l'Islam

Les croyances religieuses dans l'Empire romain d'Orient et en Iran étaient en pleine mutation à la fin du VIe et au début du VIIe siècle. Le judaïsme était une foi de prosélytisme actif, et au moins un leader politique arabe s'y est converti. [H] Le christianisme avait des missions actives rivalisant avec le zoroastrisme des Perses dans la recherche de convertis, en particulier parmi les habitants de la péninsule arabique. Tous ces courants se sont réunis avec l'émergence de l'islam en Arabie du vivant de Mahomet (m. 632). [81] Après sa mort, les forces islamiques ont conquis une grande partie de l'Empire romain d'Orient et de la Perse, en commençant par la Syrie en 634-635, poursuivant avec la Perse entre 637 et 642, atteignant l'Égypte en 640-641, l'Afrique du Nord à la fin du VIIe siècle, et la péninsule ibérique en 711. [82] En 714, les forces islamiques contrôlaient une grande partie de la péninsule dans une région qu'ils appelaient Al-Andalus. [83]

Les conquêtes islamiques ont atteint leur apogée au milieu du VIIIe siècle. La défaite des forces musulmanes à la bataille de Tours en 732 a conduit à la reconquête du sud de la France par les Francs, mais la principale raison de l'arrêt de la croissance islamique en Europe était le renversement du califat omeyyade et son remplacement par le califat abbasside. Les Abbassides ont déplacé leur capitale à Bagdad et étaient plus préoccupés par le Moyen-Orient que par l'Europe, perdant le contrôle de certaines parties des terres musulmanes. Les descendants des Omeyyades ont pris le contrôle de la péninsule ibérique, les Aghlabides contrôlaient l'Afrique du Nord et les Tulunides sont devenus les dirigeants de l'Égypte. [84] Vers le milieu du VIIIe siècle, de nouveaux schémas commerciaux émergent dans le commerce méditerranéen entre les Francs et les Arabes qui remplacent l'ancienne économie romaine. Les Francs échangeaient du bois, des fourrures, des épées et des esclaves en échange de soies et d'autres tissus, d'épices et de métaux précieux des Arabes. [85]

Commerce et économie

Les migrations et les invasions des IVe et Ve siècles ont perturbé les réseaux commerciaux autour de la Méditerranée. Les marchandises africaines ont cessé d'être importées en Europe, disparaissant d'abord de l'intérieur et au 7ème siècle ne se trouvaient que dans quelques villes comme Rome ou Naples. A la fin du VIIe siècle, sous l'impact des conquêtes musulmanes, les produits africains ne se retrouvent plus en Europe occidentale. Le remplacement des marchandises du commerce à longue distance par des produits locaux était une tendance dans les anciennes terres romaines qui s'est produite au début du Moyen Âge. Cela a été particulièrement marqué dans les terres qui ne se trouvaient pas sur la Méditerranée, comme le nord de la Gaule ou la Grande-Bretagne. Les biens non locaux figurant dans les archives archéologiques sont généralement des biens de luxe. Dans les régions du nord de l'Europe, non seulement les réseaux commerciaux étaient locaux, mais les marchandises transportées étaient simples, avec peu de poterie ou d'autres produits complexes. Autour de la Méditerranée, la poterie est restée prédominante et semble avoir été commercialisée sur des réseaux de moyenne gamme, et pas seulement produites localement. [86]

Les divers États germaniques de l'ouest avaient tous des pièces de monnaie qui imitaient les formes romaines et byzantines existantes. L'or a continué à être frappé jusqu'à la fin du 7ème siècle en 693-94 quand il a été remplacé par l'argent dans le royaume mérovingien. La pièce d'argent franque de base était le denier ou denier, tandis que la version anglo-saxonne s'appelait un penny. De ces régions, le denier ou penny s'est répandu dans toute l'Europe de 700 à 1000 après JC. Les pièces de cuivre ou de bronze n'étaient pas frappées, ni l'or, sauf dans le sud de l'Europe. Aucune pièce d'argent libellée en plusieurs unités n'a été frappée. [87]

Église et monachisme

Le christianisme était un facteur d'unification majeur entre l'Europe orientale et occidentale avant les conquêtes arabes, mais la conquête de l'Afrique du Nord a rompu les liaisons maritimes entre ces régions. De plus en plus, l'Église byzantine différait par la langue, les pratiques et la liturgie de l'Église occidentale. L'Église orientale a utilisé le grec au lieu du latin occidental. Des différences théologiques et politiques sont apparues et, au début et au milieu du VIIIe siècle, des problèmes tels que l'iconoclasme, le mariage clérical et le contrôle de l'État sur l'Église s'étaient élargis au point que les différences culturelles et religieuses étaient plus grandes que les similitudes. [88] La rupture formelle, connue sous le nom de Schisme Est-Ouest, est survenue en 1054, lorsque la papauté et le patriarcat de Constantinople se sont affrontés pour la suprématie papale et se sont excommuniés, ce qui a conduit à la division du christianisme en deux Églises - la branche occidentale est devenu l'Église catholique romaine et la branche orientale l'Église orthodoxe orientale. [89]

La structure ecclésiastique de l'Empire romain a survécu aux mouvements et aux invasions de l'ouest en grande partie intacte, mais la papauté était peu considérée et peu d'évêques occidentaux se tournaient vers l'évêque de Rome pour un leadership religieux ou politique. Beaucoup de papes avant 750 étaient plus préoccupés par les affaires byzantines et les controverses théologiques orientales. Le registre, ou des copies archivées des lettres, du pape Grégoire le Grand (pape 590-604) a survécu, et de ces plus de 850 lettres, la grande majorité concernaient des affaires en Italie ou à Constantinople. La seule partie de l'Europe occidentale où la papauté avait de l'influence était la Grande-Bretagne, où Grégoire avait envoyé la mission grégorienne en 597 pour convertir les Anglo-Saxons au christianisme. [90] Les missionnaires irlandais ont été les plus actifs en Europe occidentale entre le Ve et le VIIe siècle, se rendant d'abord en Angleterre et en Écosse, puis sur le continent. Sous des moines tels que Colomba (m. 597) et Colomban (m. 615), ils fondèrent des monastères, enseignèrent en latin et en grec, et écrivirent des ouvrages profanes et religieux. [91]

Le Haut Moyen Âge a vu la montée du monachisme en Occident. La forme du monachisme européen a été déterminée par des traditions et des idées issues des Pères du désert d'Égypte et de Syrie. La plupart des monastères européens étaient du type qui se concentre sur l'expérience communautaire de la vie spirituelle, appelée cénobitisme, qui a été lancé par Pacôme (d. 348) au 4ème siècle. Les idéaux monastiques se sont propagés de l'Égypte à l'Europe occidentale aux Ve et VIe siècles à travers la littérature hagiographique telle que la La vie d'Antoine. [92] Benoît de Nursie (mort en 547) a écrit la Règle bénédictine pour le monachisme occidental au VIe siècle, détaillant les responsabilités administratives et spirituelles d'une communauté de moines dirigée par un abbé. [93] Les moines et les monastères ont eu un effet profond sur la vie religieuse et politique du Haut Moyen Âge, agissant dans divers cas comme des fiducies foncières pour les familles puissantes, des centres de propagande et de soutien royal dans les régions nouvellement conquises, et des bases pour les missions et le prosélytisme . [94] Ils étaient les principaux et parfois les seuls avant-postes d'éducation et d'alphabétisation dans une région. La plupart des manuscrits survivants des classiques latins ont été copiés dans des monastères au début du Moyen Âge. [95] Les moines étaient également les auteurs de nouveaux travaux, y compris l'histoire, la théologie et d'autres sujets, écrits par des auteurs tels que Bede (d. 735), originaire du nord de l'Angleterre qui a écrit à la fin du VIIe et au début du VIIIe siècle. [96]

Europe carolingienne

Le royaume franc du nord de la Gaule s'est divisé en royaumes appelés Austrasie, Neustrie et Bourgogne au cours des VIe et VIIe siècles, tous dirigés par la dynastie mérovingienne, descendante de Clovis. Le VIIe siècle fut une période tumultueuse de guerres entre l'Austrasie et la Neustrie. [97] Une telle guerre a été exploitée par Pippin (d. 640), le maire du palais d'Austrasie qui est devenu le pouvoir derrière le trône d'Austrasie. Plus tard, les membres de sa famille ont hérité du bureau, agissant en tant que conseillers et régents. L'un de ses descendants, Charles Martel (mort en 741), remporte la bataille de Poitiers en 732, stoppant l'avancée des armées musulmanes à travers les Pyrénées. [98] [I] La Grande-Bretagne a été divisée en petits états dominés par les royaumes de Northumbria, Mercia, Wessex et East Anglia qui sont descendus des envahisseurs anglo-saxons. Les petits royaumes du Pays de Galles et de l'Écosse actuels étaient encore sous le contrôle des Britanniques et des Pictes indigènes. [100] L'Irlande était divisée en unités politiques encore plus petites, généralement appelées royaumes tribaux, sous le contrôle des rois. Il y avait peut-être jusqu'à 150 rois locaux en Irlande, d'importance variable. [101]

La dynastie carolingienne, comme on appelle les successeurs de Charles Martel, prit officiellement le contrôle des royaumes d'Austrasie et de Neustrie lors d'un coup d'État de 753 dirigé par Pépin III (r. 752-768). Une chronique contemporaine prétend que Pippin a recherché et obtenu l'autorité pour ce coup d'État du pape Étienne II (pape 752-757). La prise de contrôle de Pippin a été renforcée par une propagande décrivant les Mérovingiens comme des dirigeants ineptes ou cruels, exaltant les réalisations de Charles Martel et faisant circuler des histoires sur la grande piété de la famille. Au moment de sa mort en 768, Pippin laissa son royaume entre les mains de ses deux fils, Charles (r. 768-814) et Carloman (r. 768-771). Lorsque Carloman mourut de causes naturelles, Charles bloqua la succession du jeune fils de Carloman et s'installa comme roi de l'Austrasie et de la Neustrie réunies. Charles, plus souvent connu sous le nom de Charles le Grand ou Charlemagne, s'est lancé dans un programme d'expansion systématique en 774 qui a unifié une grande partie de l'Europe, contrôlant finalement la France moderne, le nord de l'Italie et la Saxe. Dans les guerres qui ont duré au-delà de 800, il a récompensé ses alliés avec un butin de guerre et un commandement sur des parcelles de terre. [102] En 774, Charlemagne conquiert les Lombards, ce qui libère la papauté de la peur de la conquête lombarde et marque les débuts des États pontificaux. [103] [J]

Le couronnement de Charlemagne en tant qu'empereur le jour de Noël 800 est considéré comme un tournant dans l'histoire médiévale, marquant un retour de l'Empire romain d'Occident, puisque le nouvel empereur régnait sur une grande partie de la zone précédemment contrôlée par les empereurs occidentaux. [106] Il marque également un changement dans la relation de Charlemagne avec l'Empire byzantin, puisque la prise du titre impérial par les Carolingiens a affirmé leur équivalence avec l'État byzantin. [107] Il y avait plusieurs différences entre l'empire carolingien nouvellement établi et tant l'empire romain occidental plus ancien que l'empire byzantin concurrent. Les terres franques étaient de caractère rural, avec seulement quelques petites villes. La plupart des gens étaient des paysans installés dans de petites fermes. Peu de commerce existait et une grande partie se faisait avec les îles britanniques et la Scandinavie, contrairement à l'ancien Empire romain avec ses réseaux commerciaux centrés sur la Méditerranée. [106] L'empire était administré par une cour itinérante qui voyageait avec l'empereur, ainsi qu'environ 300 fonctionnaires impériaux appelés comtes, qui administraient les comtés dans lesquels l'empire avait été divisé. Le clergé et les évêques locaux servaient de fonctionnaires, ainsi que les fonctionnaires impériaux appelés missi dominici, qui ont servi d'inspecteurs itinérants et de dépanneurs. [108]

Renaissance carolingienne

La cour de Charlemagne à Aix-la-Chapelle fut le centre du renouveau culturel parfois appelé « Renaissance carolingienne ». L'alphabétisation a augmenté, tout comme le développement des arts, de l'architecture et de la jurisprudence, ainsi que des études liturgiques et scripturaires. Le moine anglais Alcuin (d. 804) a été invité à Aix-la-Chapelle et a apporté l'éducation disponible dans les monastères de Northumbria. La chancellerie - ou bureau d'écriture - de Charlemagne a utilisé une nouvelle écriture aujourd'hui connue sous le nom de minuscule carolingienne, [K] permettant un style d'écriture commun qui a fait progresser la communication dans une grande partie de l'Europe. Charlemagne a parrainé des changements dans la liturgie de l'église, imposant la forme romaine du service religieux sur ses domaines, ainsi que le chant grégorien dans la musique liturgique pour les églises. Une activité importante pour les érudits au cours de cette période était la copie, la correction et la diffusion d'ouvrages de base sur des sujets religieux et profanes, dans le but d'encourager l'apprentissage. De nouveaux ouvrages sur des sujets religieux et des manuels scolaires ont également été produits. [110] Les grammairiens de l'époque ont modifié la langue latine, la changeant du latin classique de l'Empire romain en une forme plus flexible pour s'adapter aux besoins de l'Église et du gouvernement. Sous le règne de Charlemagne, la langue s'était tellement éloignée du latin classique qu'elle fut plus tard appelée latin médiéval. [111]

L'éclatement de l'empire carolingien

Charlemagne prévoyait de poursuivre la tradition franque de diviser son royaume entre tous ses héritiers, mais n'a pas pu le faire car un seul fils, Louis le Pieux (r. 814-840), était encore en vie en 813. Juste avant la mort de Charlemagne en 814 , il a couronné Louis comme son successeur. Le règne de Louis de 26 ans a été marqué par de nombreuses divisions de l'empire entre ses fils et, après 829, des guerres civiles entre diverses alliances de père et fils sur le contrôle de diverses parties de l'empire. Finalement, Louis a reconnu son fils aîné Lothaire I (mort en 855) comme empereur et lui a donné l'Italie. [L] Louis partagea le reste de l'empire entre Lothaire et Charles le Chauve (mort en 877), son plus jeune fils. Lothaire prit la Francie orientale, comprenant les deux rives du Rhin et vers l'est, laissant à Charles la Francie occidentale l'empire à l'ouest de la Rhénanie et des Alpes. Louis l'Allemand (mort en 876), le cadet, jusqu'alors rebelle, fut autorisé à garder la Bavière sous la suzeraineté de son frère aîné. La division a été contestée. Pépin II d'Aquitaine (mort après 864), petit-fils de l'empereur, se révolta dans une lutte pour l'Aquitaine, tandis que Louis l'Allemand tentait d'annexer toute la Francie orientale. Louis le Pieux est mort en 840, avec l'empire toujours dans le chaos. [113]

Une guerre civile de trois ans a suivi sa mort. Par le traité de Verdun (843), un royaume entre le Rhin et le Rhône fut créé pour Lothaire pour accompagner ses terres en Italie, et son titre impérial fut reconnu. Louis l'Allemand contrôlait la Bavière et les terres orientales de l'Allemagne d'aujourd'hui. Charles le Chauve a reçu les terres franques occidentales, comprenant la majeure partie de la France moderne. [113] Les petits-fils et arrière-petits-fils de Charlemagne ont divisé leurs royaumes entre leurs descendants, provoquant finalement la perte de toute cohésion interne. [114] [M] En 987, la dynastie carolingienne est remplacée dans les terres occidentales, avec le couronnement d'Hugues Capet (r. 987-996) comme roi.[N] [O] Dans les terres orientales, la dynastie s'était éteinte plus tôt, en 911, avec la mort de Louis l'Enfant, [117] et la sélection de Conrad I (r. 911-918) comme roi. [118]

L'éclatement de l'empire carolingien s'est accompagné d'invasions, de migrations et de raids d'ennemis extérieurs. Les côtes atlantique et nord ont été harcelées par les Vikings, qui ont également attaqué les îles britanniques et se sont installés là-bas ainsi qu'en Islande. En 911, le chef viking Rollo (d. c. 931) a reçu la permission du roi franc Charles le Simple (r. 898-922) de s'installer dans ce qui est devenu la Normandie. [119] [P] Les parties orientales des royaumes francs, en particulier l'Allemagne et l'Italie, étaient sous l'assaut continuel des Magyars jusqu'à la défaite de l'envahisseur à la bataille de Lechfeld en 955. [121] L'éclatement de la dynastie abbasside signifiait que le monde islamique fragmenté en États politiques plus petits, dont certains ont commencé à s'étendre en Italie et en Sicile, ainsi qu'au-delà des Pyrénées dans les parties méridionales des royaumes francs. [122]

Nouveaux royaumes et renouveau byzantin

Les efforts des rois locaux pour combattre les envahisseurs ont conduit à la formation de nouvelles entités politiques. En Angleterre anglo-saxonne, le roi Alfred le Grand (r. 871-899) est parvenu à un accord avec les envahisseurs vikings à la fin du IXe siècle, ce qui a donné lieu à des colonies danoises en Northumbrie, en Mercie et dans certaines parties de l'Est-Anglie. [123] Vers le milieu du 10ème siècle, les successeurs d'Alfred avaient conquis Northumbria et ont reconstitué le contrôle anglais sur la plupart de la partie du sud de la Grande-Bretagne. [124] Dans le nord de la Grande-Bretagne, Kenneth MacAlpin (mort vers 860) a réuni les Pictes et les Écossais dans le royaume d'Alba. [125] Au début du Xe siècle, la dynastie ottonienne s'était établie en Allemagne et s'employait à refouler les Magyars. Ses efforts ont abouti au couronnement en 962 d'Otton I (r. 936-973) en tant qu'empereur romain germanique. [126] En 972, il a obtenu la reconnaissance de son titre par l'Empire byzantin, qu'il a scellé avec le mariage de son fils Otton II (r. 967-983) à Theophanu (d. 991), fille d'un empereur byzantin antérieur Romanos II (r. 959-963). [127] À la fin du Xe siècle, l'Italie avait été entraînée dans la sphère ottonienne après une période d'instabilité [128] Otton III (r. 996–1002) passa une grande partie de son règne ultérieur dans le royaume. [129] Le royaume franc occidental était plus fragmenté et bien que les rois soient restés nominalement responsables, une grande partie du pouvoir politique a été dévolue aux seigneurs locaux. [130]

Les efforts missionnaires en Scandinavie au cours des IXe et Xe siècles ont contribué à renforcer la croissance de royaumes tels que la Suède, le Danemark et la Norvège, qui ont gagné en puissance et en territoire. Certains rois se sont convertis au christianisme, mais pas tous vers 1000. Les Scandinaves se sont également étendus et ont colonisé toute l'Europe. Outre les colonies en Irlande, en Angleterre et en Normandie, d'autres colonies ont eu lieu dans ce qui est devenu la Russie et l'Islande. Les commerçants et pillards suédois descendirent les rivières de la steppe russe et tentèrent même de s'emparer de Constantinople en 860 et 907. [131] L'Espagne chrétienne, initialement repoussée dans une petite partie de la péninsule au nord, s'étendit lentement vers le sud au cours des 9 Xe siècles, établissant les royaumes des Asturies et de León. [132]

En Europe de l'Est, Byzance a relancé sa fortune sous l'empereur Basile I (r. 867-886) et ses successeurs Léon VI (r. 886-912) et Constantin VII (r. 913-959), membres de la dynastie macédonienne. Le commerce renaissait et les empereurs veillaient à l'extension d'une administration uniforme à toutes les provinces. L'armée a été réorganisée, ce qui a permis aux empereurs Jean I (r. 969-976) et Basile II (r. 976-1025) d'étendre les frontières de l'empire sur tous les fronts. La cour impériale était le centre d'un renouveau de l'apprentissage classique, un processus connu sous le nom de Renaissance macédonienne. Des écrivains tels que John Geometres (fl. début du Xe siècle) ont composé de nouveaux hymnes, poèmes et autres œuvres. [133] Les efforts missionnaires tant du clergé oriental qu'occidental ont abouti à la conversion des Moraves, des Bulgares, des Bohémiens, des Polonais, des Magyars et des habitants slaves de la Rus de Kiev. Ces conversions contribuèrent à la fondation d'États politiques sur les terres de ces peuples : les États de Moravie, de Bulgarie, de Bohême, de Pologne, de Hongrie et de la Russie kiévienne. [134] La Bulgarie, qui a été fondée vers 680, à son apogée s'étendait de Budapest à la mer Noire et du fleuve Dniepr dans l'Ukraine moderne à la mer Adriatique. [135] En 1018, les derniers nobles bulgares se sont rendus à l'Empire byzantin. [136]

Art et architecture

Peu de grands bâtiments en pierre ont été construits entre les basiliques constantiniennes du IVe siècle et du VIIIe siècle, bien que de nombreux plus petits aient été construits aux VIe et VIIe siècles. Au début du VIIIe siècle, l'empire carolingien renoue avec l'architecture basilique. [138] Une caractéristique de la basilique est l'utilisation d'un transept, [139] ou les "bras" d'un bâtiment en forme de croix qui sont perpendiculaires à la longue nef. [140] D'autres nouvelles caractéristiques de l'architecture religieuse comprennent la tour de croisement et une entrée monumentale de l'église, généralement à l'extrémité ouest du bâtiment. [141]

L'art carolingien a été produit pour un petit groupe de personnages autour de la cour, ainsi que pour les monastères et les églises qu'ils soutenaient. Il a été dominé par les efforts pour retrouver la dignité et le classicisme de l'art impérial romain et byzantin, mais a également été influencé par l'art insulaire des îles britanniques. L'art insulaire a intégré l'énergie des styles d'ornement celtique irlandais et germanique anglo-saxon à des formes méditerranéennes telles que le livre, et a établi de nombreuses caractéristiques de l'art pour le reste de la période médiévale. Les œuvres religieuses qui ont survécu au début du Moyen Âge sont pour la plupart des manuscrits enluminés et des ivoires sculptés, fabriqués à l'origine pour de la ferronnerie qui a depuis été fondue. [142] [143] Les objets en métaux précieux étaient la forme d'art la plus prestigieuse, mais presque tous sont perdus à l'exception de quelques croix telles que la Croix de Lothaire, plusieurs reliquaires et des trouvailles telles que l'enterrement anglo-saxon à Sutton Hoo et les hordes de Gourdon de la France mérovingienne, de Guarrazar de l'Espagne wisigothique et de Nagyszentmiklós près du territoire byzantin. Il existe des survivances des grandes broches en forme de péroné ou de penannulaire qui étaient un élément clé de la parure personnelle des élites, y compris la broche irlandaise Tara. [144] Les livres très décorés étaient pour la plupart des livres d'évangiles et ceux-ci ont survécu en plus grand nombre, y compris le livre insulaire de Kells, le livre de Lindisfarne et le Codex Aureus impérial de St. Emmeram, qui est l'un des rares à conserver son " reliure au trésor" d'or incrusté de bijoux. [145] La cour de Charlemagne semble avoir été responsable de l'acceptation de la sculpture monumentale figurative dans l'art chrétien, [146] et à la fin de la période, des figures grandeur nature telles que la croix de Gero étaient courantes dans les églises importantes. [147]

Développements militaires et technologiques

Au cours de la fin de l'Empire romain, les principaux développements militaires ont été des tentatives de créer une force de cavalerie efficace ainsi que le développement continu de types de troupes hautement spécialisés. La création de soldats de type cataphractaire lourdement blindés en tant que cavalerie était une caractéristique importante de l'armée romaine du 5ème siècle. Les différentes tribus envahissantes avaient des accents différents sur les types de soldats, allant des envahisseurs anglo-saxons principalement d'infanterie de la Grande-Bretagne aux Vandales et aux Wisigoths qui avaient une forte proportion de cavalerie dans leurs armées. [148] Au début de la période d'invasion, l'étrier n'avait pas été introduit dans la guerre, ce qui limitait l'utilité de la cavalerie comme troupes de choc car il n'était pas possible de mettre toute la force du cheval et du cavalier derrière les coups portés par le cavalier. [149] Le plus grand changement dans les affaires militaires au cours de la période d'invasion a été l'adoption de l'arc composite hunnique à la place de l'arc composite scythe plus ancien et plus faible. [150] Un autre développement était l'utilisation croissante d'épées longues [151] et le remplacement progressif de l'armure d'écailles par une armure de maille et une armure lamellaire. [152]

L'importance de l'infanterie et de la cavalerie légère a commencé à décliner au début de la période carolingienne, avec une domination croissante de la cavalerie lourde d'élite. Le recours aux prélèvements de type milice de la population libre décline au cours de la période carolingienne. [153] Bien qu'une grande partie des armées carolingiennes aient été montées, une grande proportion au cours de la première période semble avoir été de l'infanterie montée, plutôt que de la vraie cavalerie. [154] Une exception était l'Angleterre anglo-saxonne, où les armées étaient encore composées de prélèvements régionaux, connus sous le nom de fyrd, qui étaient dirigés par les élites locales. [155] Dans la technologie militaire, l'un des principaux changements a été le retour de l'arbalète, connue à l'époque romaine et réapparue comme arme militaire au cours de la dernière partie du Haut Moyen Âge. [156] Un autre changement a été l'introduction de l'étrier, qui a augmenté l'efficacité de la cavalerie en tant que troupes de choc. Une avancée technologique qui a eu des implications au-delà de l'armée était le fer à cheval, qui permettait d'utiliser des chevaux sur des terrains rocheux. [157]

Société et vie économique

Le Haut Moyen Âge fut une période de formidable expansion démographique. La population estimée de l'Europe est passée de 35 à 80 millions entre 1000 et 1347, bien que les causes exactes restent floues : l'amélioration des techniques agricoles, le déclin de l'esclavage, un climat plus clément et l'absence d'invasion ont tous été suggérés. [160] [161] Autant que 90 pour cent de la population européenne sont restés des paysans ruraux. Beaucoup n'étaient plus installés dans des fermes isolées mais s'étaient regroupés en petites communautés, généralement appelées manoirs ou villages. [161] Ces paysans étaient souvent soumis à des seigneurs nobles et leur devaient des rentes et autres services, dans un système connu sous le nom de seigneurialisme. Il resta quelques paysans libres pendant toute cette période et au-delà, [162] avec plus d'entre eux dans les régions du sud de l'Europe que dans le nord. La pratique de l'assaut, ou de la mise en production de nouvelles terres en offrant des incitations aux paysans qui les ont installés, a également contribué à l'expansion de la population. [163]

Le système d'agriculture en plein champ était couramment pratiqué dans la majeure partie de l'Europe, en particulier dans "l'Europe du nord-ouest et centrale". [164] Ces communautés agricoles avaient trois caractéristiques de base : les exploitations paysannes individuelles sous forme de bandes de terre étaient dispersées entre les différents champs appartenant au manoir les cultures étaient alternées d'année en année pour préserver la fertilité du sol et les terres communes étaient utilisées pour le pâturage du bétail et à d'autres fins. Certaines régions utilisaient un système de rotation des cultures à trois champs, d'autres ont conservé l'ancien système à deux champs. [165]

D'autres sections de la société comprenaient la noblesse, le clergé et les citadins. Les nobles, à la fois la noblesse titrée et les simples chevaliers, exploitaient les manoirs et les paysans, bien qu'ils ne possédaient pas de terres à proprement parler, mais se voyaient octroyer des droits aux revenus d'un manoir ou d'autres terres par un suzerain à travers le système féodal. Au cours des XIe et XIIe siècles, ces terres, ou fiefs, en vinrent à être considérées comme héréditaires et, dans la plupart des régions, elles n'étaient plus divisibles entre tous les héritiers comme c'était le cas au début de la période médiévale. Au lieu de cela, la plupart des fiefs et des terres allaient au fils aîné. [166] [Q] La domination de la noblesse reposait sur son contrôle de la terre, son service militaire en tant que cavalerie lourde, le contrôle des châteaux et diverses immunités contre les taxes ou autres impositions. [R] Les châteaux, d'abord en bois mais plus tard en pierre, ont commencé à être construits aux IXe et Xe siècles en réponse au désordre de l'époque, et ont fourni une protection contre les envahisseurs tout en permettant aux seigneurs de se défendre contre leurs rivaux. Le contrôle des châteaux permettait aux nobles de défier les rois ou autres suzerains. [168] Les nobles étaient des rois stratifiés et la noblesse de rang le plus élevé contrôlait un grand nombre de roturiers et de grandes étendues de terre, ainsi que d'autres nobles. En dessous d'eux, les nobles inférieurs avaient autorité sur de plus petites superficies de terres et moins de personnes. Les chevaliers étaient le niveau le plus bas de la noblesse qu'ils contrôlaient mais ne possédaient pas de terres et devaient servir d'autres nobles. [169] [S]

Le clergé était divisé en deux types : le clergé séculier, qui vivait dans le monde, et le clergé régulier, qui vivait isolé sous une règle religieuse et se composait généralement de moines. [171] Tout au long de la période, les moines sont restés une très petite proportion de la population, généralement moins d'un pour cent. [172] La plupart des membres du clergé régulier étaient issus de la noblesse, la même classe sociale qui servait de terrain de recrutement pour les niveaux supérieurs du clergé séculier. Les curés locaux étaient souvent issus de la classe paysanne. [173] Les citadins étaient dans une position quelque peu inhabituelle, car ils ne correspondaient pas à la division traditionnelle en trois volets de la société en nobles, clergé et paysans. Au cours des XIIe et XIIIe siècles, les rangs des citadins se sont considérablement élargis à mesure que les villes existantes se développaient et que de nouveaux centres de population étaient fondés. [174] Mais tout au long du Moyen Âge, la population des villes n'a probablement jamais dépassé 10 % de la population totale. [175]

Les Juifs se sont également répandus à travers l'Europe au cours de la période. Des communautés ont été établies en Allemagne et en Angleterre aux XIe et XIIe siècles, mais les Juifs espagnols, installés depuis longtemps en Espagne sous les musulmans, ont été soumis à la domination chrétienne et à une pression croissante pour se convertir au christianisme. [79] La plupart des Juifs étaient confinés dans les villes, car ils n'étaient pas autorisés à posséder des terres ou à être des paysans. [176] [T] Outre les Juifs, il y avait d'autres non-chrétiens aux confins de l'Europe – des Slaves païens en Europe de l'Est et des musulmans en Europe du Sud. [177]

Au Moyen Âge, les femmes devaient officiellement être subordonnées à un homme, que ce soit leur père, leur mari ou un autre parent. Les veuves, à qui l'on accordait souvent un grand contrôle sur leur propre vie, étaient toujours légalement restreintes. Le travail des femmes consistait généralement en tâches ménagères ou autres tâches domestiques. Les paysannes étaient généralement chargées de s'occuper du ménage, de la garde des enfants, ainsi que du jardinage et de l'élevage près de la maison. Ils pourraient compléter le revenu du ménage en filant ou en brassant à la maison. Au moment de la récolte, ils devaient également aider aux travaux des champs. [178] Les citadines, comme les paysannes, étaient responsables du ménage et pouvaient également faire du commerce. Les métiers ouverts aux femmes variaient selon les pays et les périodes. [179] Les femmes nobles étaient responsables de la gestion d'un ménage et pouvaient parfois s'attendre à ce qu'elles s'occupent des domaines en l'absence de parents masculins, mais leur participation aux affaires militaires ou gouvernementales était généralement interdite. Le seul rôle ouvert aux femmes dans l'Église était celui de religieuses, car elles ne pouvaient pas devenir prêtres. [178]

Dans le centre et le nord de l'Italie ainsi qu'en Flandre, l'essor de villes, dans une certaine mesure autonomes, a stimulé la croissance économique et créé un environnement pour de nouveaux types d'associations professionnelles. Les villes commerciales sur les rives de la Baltique ont conclu des accords connus sous le nom de Ligue hanséatique, et les républiques maritimes italiennes telles que Venise, Gênes et Pise ont étendu leur commerce dans toute la Méditerranée. [U] De grandes foires commerciales ont été établies et ont prospéré dans le nord de la France au cours de la période, permettant aux marchands italiens et allemands de commercer entre eux ainsi qu'aux marchands locaux. [181] À la fin du XIIIe siècle, de nouvelles routes terrestres et maritimes vers l'Extrême-Orient ont été lancées, décrites de manière célèbre dans Les voyages de Marco Polo écrit par l'un des commerçants, Marco Polo (d. 1324). [182] Outre les nouvelles opportunités commerciales, les améliorations agricoles et technologiques ont permis une augmentation des rendements des cultures, ce qui a permis aux réseaux commerciaux de s'étendre. [183] ​​L'augmentation du commerce a apporté de nouvelles méthodes de traitement de l'argent et la monnaie d'or a de nouveau été frappée en Europe, d'abord en Italie et plus tard en France et dans d'autres pays. De nouvelles formes de contrats commerciaux ont émergé, permettant de partager le risque entre les commerçants. Des méthodes comptables améliorées, en partie grâce à l'utilisation de lettres de crédit comptables en partie double sont également apparues, permettant une transmission facile de l'argent. [184]

Montée en puissance de l'État

Le Haut Moyen Âge a été la période de formation de l'histoire de l'État occidental moderne. Les rois de France, d'Angleterre et d'Espagne consolident leur pouvoir et mettent en place des institutions gouvernementales durables. [185] De nouveaux royaumes comme la Hongrie et la Pologne, après leur conversion au christianisme, sont devenus des puissances d'Europe centrale. [186] Les Magyars se sont installés en Hongrie vers 900 sous le roi Árpád (m. vers 907) après une série d'invasions au IXe siècle. [187] La ​​papauté, longtemps attachée à une idéologie d'indépendance vis-à-vis des rois laïcs, a d'abord affirmé sa prétention à l'autorité temporelle sur l'ensemble du monde chrétien. La monarchie papale a atteint son apogée au début du XIIIe siècle sous le pontificat d'Innocent III (pape 1198- 1216). [188] Les croisades du Nord et l'avancée des royaumes chrétiens et des ordres militaires dans les régions auparavant païennes du nord-est baltique et finlandais ont entraîné l'assimilation forcée de nombreux peuples autochtones dans la culture européenne. [189]

Au début du Haut Moyen Âge, l'Allemagne était dirigée par la dynastie ottonienne, qui luttait pour contrôler les puissants ducs régnant sur les duchés territoriaux remontant à la période de migration. En 1024, ils ont été remplacés par la dynastie Salienne, qui s'est affrontée avec la papauté sous l'empereur Henri IV (r. 1084-1105) au sujet des nominations à l'Église dans le cadre de la controverse des investitures. [190] Ses successeurs ont continué à lutter contre la papauté ainsi que la noblesse allemande. Une période d'instabilité a suivi la mort de l'empereur Henri V (r. 1111–25), qui est mort sans héritiers, jusqu'à ce que Frédéric Ier Barberousse (r. 1155–1190) prenne le trône impérial. [191] Bien qu'il ait régné efficacement, les problèmes fondamentaux sont restés et ses successeurs ont continué à lutter dans le 13ème siècle. [192] Le petit-fils de Barberousse, Frédéric II (r. 1220-1250), qui était aussi l'héritier du trône de Sicile par sa mère, se heurta à plusieurs reprises à la papauté. Sa cour était célèbre pour ses savants et il était souvent accusé d'hérésie. [193] Lui et ses successeurs ont fait face à de nombreuses difficultés, y compris l'invasion des Mongols en Europe au milieu du XIIIe siècle. Les Mongols ont d'abord brisé les principautés de la Russie de Kiev, puis ont envahi l'Europe de l'Est en 1241, 1259 et 1287. [194]

Sous la dynastie capétienne, la monarchie française a lentement commencé à étendre son autorité sur la noblesse, sortant de l'Île-de-France pour exercer un contrôle sur une plus grande partie du pays aux XIe et XIIe siècles. [195] Ils affrontèrent un puissant rival dans les ducs de Normandie, qui en 1066 sous Guillaume le Conquérant (duc 1035-1087), conquirent l'Angleterre (r.1066-1087) et a créé un empire transmanche qui a duré, sous diverses formes, dans le reste du Moyen Âge. [196] [197] Les Normands se sont également installés en Sicile et dans le sud de l'Italie, lorsque Robert Guiscard (mort en 1085) y a débarqué en 1059 et a établi un duché qui est devenu plus tard le royaume de Sicile. [198] Sous la dynastie angevine d'Henri II (r. 1154-89) et de son fils Richard I (r. 1189-99), les rois d'Angleterre régnèrent sur l'Angleterre et sur de vastes régions de France, [199] [V] apportèrent à la famille par le mariage d'Henri II avec Aliénor d'Aquitaine (d. 1204), héritière d'une grande partie du sud de la France. [201] [W] Le frère cadet de Richard, John (r. 1199-1216) a perdu la Normandie et le reste des possessions françaises du nord en 1204 au profit du roi de France Philippe II Auguste (r. 1180-1223). Cela a conduit à des dissensions parmi la noblesse anglaise, tandis que les exactions financières de John pour payer ses tentatives infructueuses de reconquérir la Normandie ont conduit en 1215 à Magna Carta, une charte qui a confirmé les droits et privilèges des hommes libres en Angleterre. Sous Henri III (r. 1216-1272), le fils de Jean, d'autres concessions ont été faites à la noblesse et le pouvoir royal a été diminué. [202] La monarchie française a continué à faire des gains contre la noblesse à la fin des XIIe et XIIIe siècles, amenant plus de territoires dans le royaume sous la domination personnelle du roi et centralisant l'administration royale. [203] Sous Louis IX (r. 1226-1270), le prestige royal atteint de nouveaux sommets, Louis servant de médiateur pour la majeure partie de l'Europe. [204] [X]

En Ibérie, les États chrétiens, cantonnés au nord-ouest de la péninsule, ont commencé à repousser les États islamiques du sud, une période connue sous le nom de Reconquista. [206] Vers 1150, le nord chrétien s'était fusionné dans les cinq grands royaumes de León, Castille, Aragon, Navarre et Portugal. [207] Le sud de la péninsule ibérique est resté sous le contrôle des États islamiques, initialement sous le califat de Cordoue, qui s'est divisé en 1031 en un nombre changeant de petits États connus sous le nom de taifas, [206] qui ont combattu avec les chrétiens jusqu'à ce que le califat almohade rétablisse la domination centralisée sur le sud de la péninsule ibérique dans les années 1170. [208] Les forces chrétiennes avancèrent à nouveau au début du XIIIe siècle, culminant avec la prise de Séville en 1248. [209]

Croisades

Au XIe siècle, les Turcs seldjoukides ont pris le contrôle d'une grande partie du Moyen-Orient, occupant la Perse dans les années 1040, l'Arménie dans les années 1060 et Jérusalem en 1070. En 1071, l'armée turque a vaincu l'armée byzantine à la bataille de Manzikert et a capturé le Empereur byzantin Romanus IV (r. 1068-1071). Les Turcs étaient alors libres d'envahir l'Asie Mineure, qui porta un coup dangereux à l'Empire byzantin en s'emparant d'une grande partie de sa population et de son cœur économique. Bien que les Byzantins se soient regroupés et récupérés quelque peu, ils n'ont jamais complètement regagné l'Asie Mineure et étaient souvent sur la défensive. Les Turcs ont également eu des difficultés, perdant le contrôle de Jérusalem au profit des Fatimides d'Égypte et souffrant d'une série de guerres civiles internes. [211] Les Byzantins ont également fait face à une Bulgarie ravivée, qui, à la fin des XIIe et XIIIe siècles, s'est répandue dans les Balkans. [212]

Les croisades avaient pour but de saisir Jérusalem du contrôle musulman. La première croisade a été proclamée par le pape Urbain II (pape 1088-99) au concile de Clermont en 1095 en réponse à une demande de l'empereur byzantin Alexios Ier Comnène (r. 1081-1118) pour une aide contre de nouvelles avancées musulmanes. Urban a promis l'indulgence à tous ceux qui ont participé. Des dizaines de milliers de personnes de tous les niveaux de la société se sont mobilisées à travers l'Europe et ont capturé Jérusalem en 1099. [213] L'une des caractéristiques des croisades était les pogroms contre les Juifs locaux qui ont souvent eu lieu lorsque les croisés ont quitté leurs pays pour l'Est. Ceux-ci étaient particulièrement brutaux pendant la première croisade, [79] lorsque les communautés juives de Cologne, Mayence et Worms ont été détruites, ainsi que d'autres communautés dans les villes entre la Seine et le Rhin. [214] Une autre excroissance des croisades est la fondation d'un nouveau type d'ordre monastique, les ordres militaires des Templiers et des Hospitaliers, qui fusionnent vie monastique et service militaire. [215]

Les croisés consolidèrent leurs conquêtes en états croisés. Au cours des XIIe et XIIIe siècles, il y a eu une série de conflits entre eux et les États islamiques environnants. Les appels des États croisés à la papauté ont conduit à d'autres croisades, [213] comme la Troisième Croisade, appelée pour tenter de regagner Jérusalem, qui avait été capturée par Saladin (d. 1193) en 1187. [216] [Y] Dans 1203, la Quatrième Croisade est détournée de la Terre Sainte vers Constantinople, et s'empare de la ville en 1204, créant un Empire latin de Constantinople [218] et affaiblissant considérablement l'Empire byzantin. Les Byzantins ont repris la ville en 1261, mais n'ont jamais retrouvé leur ancienne force. [219] En 1291, tous les États croisés avaient été capturés ou forcés de quitter le continent, bien qu'un royaume titulaire de Jérusalem ait survécu sur l'île de Chypre pendant plusieurs années par la suite. [220]

Les papes ont appelé à des croisades ailleurs qu'en Terre Sainte : en Espagne, dans le sud de la France et le long de la Baltique. [213] Les croisades espagnoles se confondent avec les Reconquista de l'Espagne des musulmans. Bien que les Templiers et les Hospitaliers aient participé aux croisades espagnoles, des ordres religieux militaires espagnols similaires ont été fondés, dont la plupart faisaient partie des deux principaux ordres de Calatrava et de Santiago au début du XIIe siècle. [221] L'Europe du Nord est également restée en dehors de l'influence chrétienne jusqu'au XIe siècle ou plus tard, et est devenue un lieu de croisade dans le cadre des Croisades du Nord des XIIe au XIVe siècles. Ces croisades ont également engendré un ordre militaire, l'Ordre des Frères de l'Épée. Un autre ordre, les chevaliers teutoniques, bien que fondé dans les États croisés, concentra une grande partie de son activité dans la Baltique après 1225 et, en 1309, déplaça son siège à Marienburg en Prusse. [222]

Vie intellectuelle

Au XIe siècle, les développements de la philosophie et de la théologie ont conduit à une activité intellectuelle accrue. Il y avait un débat entre les réalistes et les nominalistes sur le concept d'« universels ». Le discours philosophique a été stimulé par la redécouverte d'Aristote et son insistance sur l'empirisme et le rationalisme. Des érudits tels que Peter Abélard (d. 1142) et Peter Lombard (d. 1164) ont introduit la logique aristotélicienne dans la théologie. À la fin du XIe et au début du XIIe siècle, les écoles cathédrales se sont répandues dans toute l'Europe occidentale, signalant le déplacement de l'apprentissage des monastères vers les cathédrales et les villes. [223] Les écoles cathédrales ont été à leur tour remplacées par les universités établies dans les grandes villes européennes. [224] La philosophie et la théologie ont fusionné dans la scolastique, une tentative des érudits des XIIe et XIIIe siècles de réconcilier des textes faisant autorité, notamment Aristote et la Bible. Ce mouvement a essayé d'employer une approche systémique de la vérité et de la raison [225] et a culminé dans la pensée de Thomas d'Aquin (d. 1274), qui a écrit le Somme théologique, ou Résumé de la théologie. [226]

La chevalerie et l'ethos de l'amour courtois se sont développés dans les cours royales et nobles. Cette culture s'exprimait dans les langues vernaculaires plutôt que dans le latin et comprenait des poèmes, des contes, des légendes et des chansons populaires diffusés par des troubadours ou des ménestrels errants. Souvent, les histoires étaient écrites dans le chansons de geste, ou "chants de grandes actions", comme La chanson de Roland ou La chanson d'Hildebrand. [227] Des histoires laïques et religieuses ont également été produites. [228] Geoffroy de Monmouth (d. c. 1155) a composé son Historia Regum Britanniae, une collection d'histoires et de légendes sur Arthur. [229] D'autres œuvres étaient plus clairement historiques, comme celle d'Otto von Freising (d. 1158) Gesta Friderici Imperatoris détaillant les actes de l'empereur Frédéric Barberousse, ou Guillaume de Malmesbury (d. c. 1143) Gesta Regum sur les rois d'Angleterre. [228]

Les études juridiques progressent au XIIe siècle. Le droit séculier et le droit canon, ou droit ecclésiastique, ont été étudiés au Haut Moyen Âge. Le droit séculier, ou droit romain, a été grandement avancé par la découverte de la Corpus Juris Civilis au XIe siècle, et en 1100 le droit romain était enseigné à Bologne. Cela a conduit à l'enregistrement et à la normalisation des codes juridiques dans toute l'Europe occidentale. Le droit canon a également été étudié, et vers 1140, un moine nommé Gratien (fl. XIIe siècle), professeur à Bologne, a écrit ce qui est devenu le texte standard du droit canonique - le Décret. [230]

Parmi les résultats de l'influence grecque et islamique sur cette période de l'histoire européenne, il y a eu le remplacement des chiffres romains par le système de nombres décimaux et l'invention de l'algèbre, qui a permis des mathématiques plus avancées. L'astronomie avancée suite à la traduction de Ptolémée Almageste du grec au latin à la fin du XIIe siècle. La médecine a également été étudiée, en particulier dans le sud de l'Italie, où la médecine islamique a influencé l'école de Salerne. [231]

Technologie et militaire

Aux XIIe et XIIIe siècles, l'Europe a connu une croissance économique et des innovations dans les méthodes de production. Les avancées technologiques majeures comprennent l'invention du moulin à vent, les premières horloges mécaniques, la fabrication d'alcools distillés et l'utilisation de l'astrolabe. [233] Les lunettes concaves ont été inventées vers 1286 par un artisan italien inconnu, travaillant probablement à Pise ou à proximité. [234]

Le développement d'un système de rotation à trois champs pour la plantation de cultures [161] [Z] a augmenté l'utilisation des terres d'une moitié par an sous l'ancien système à deux champs à deux tiers sous le nouveau système, avec une augmentation conséquente en production. [235] Le développement de la charrue lourde a permis de cultiver plus efficacement les sols plus lourds, aidé par la propagation du collier de cheval, qui a conduit à l'utilisation de chevaux de trait à la place des bœufs. Les chevaux sont plus rapides que les bœufs et nécessitent moins de pâturages, facteurs qui ont facilité la mise en œuvre du système des trois champs. [236] Les légumineuses – comme les pois, les haricots ou les lentilles – étaient cultivées plus largement comme cultures, en plus des cultures céréalières habituelles de blé, d'avoine, d'orge et de seigle. [237]

La construction de cathédrales et de châteaux a fait progresser la technologie du bâtiment, conduisant au développement de grands bâtiments en pierre. Les structures auxiliaires comprenaient de nouveaux hôtels de ville, des maisons, des ponts et des granges aux dîmes. [238] La construction navale s'est améliorée avec l'utilisation de la méthode des nervures et des planches plutôt que l'ancien système romain de mortaise et de tenon. D'autres améliorations apportées aux navires comprenaient l'utilisation de voiles latines et le gouvernail d'étambot, qui ont tous deux augmenté la vitesse à laquelle les navires pouvaient être navigués. [239]

Dans les affaires militaires, l'utilisation de l'infanterie avec des rôles spécialisés a augmenté. Outre la cavalerie lourde encore dominante, les armées comprenaient souvent des arbalétriers montés et d'infanterie, ainsi que des sapeurs et des ingénieurs. [240] Les arbalètes, qui étaient connues dans l'Antiquité tardive, sont de plus en plus utilisées en partie à cause de l'augmentation des guerres de siège aux Xe et XIe siècles. [156] [AA] L'utilisation croissante des arbalètes au cours des XIIe et XIIIe siècles a conduit à l'utilisation de casques fermés, d'armures lourdes, ainsi que d'armures de cheval. [242] La poudre à canon était connue en Europe au milieu du XIIIe siècle avec une utilisation enregistrée dans la guerre européenne par les Anglais contre les Écossais en 1304, bien qu'elle ait été simplement utilisée comme explosif et non comme arme. Les canons étaient utilisés pour les sièges dans les années 1320 et les armes de poing étaient utilisées dans les années 1360. [243]

Architecture, art et musique

Au 10ème siècle, l'établissement d'églises et de monastères a conduit au développement de l'architecture de pierre qui a élaboré des formes romaines vernaculaires, d'où le terme "roman" est dérivé. Lorsqu'ils étaient disponibles, les bâtiments romains en briques et en pierre ont été recyclés pour leurs matériaux. Dès les débuts hésitants connus sous le nom de premier roman, le style s'est épanoui et s'est répandu à travers l'Europe sous une forme remarquablement homogène. Juste avant 1000, il y a eu une grande vague de construction d'églises en pierre dans toute l'Europe. [244] Les édifices romans ont des murs de pierre massifs, des ouvertures surmontées d'arcs en plein cintre, de petites fenêtres et, particulièrement en France, des voûtes en pierre voûtée. [245] Le grand portail avec des sculptures colorées en haut-relief est devenu un élément central des façades, surtout en France, et les chapiteaux des colonnes étaient souvent sculptés de scènes narratives de monstres et d'animaux imaginatifs. [246] Selon l'historien de l'art C. R. Dodwell, « pratiquement toutes les églises de l'Ouest étaient décorées de peintures murales », dont peu survivent. [247] Simultanément au développement de l'architecture de l'église, la forme européenne distinctive du château a été développée et est devenue cruciale pour la politique et la guerre. [248]

L'art roman, en particulier la ferronnerie, était à son apogée dans l'art mosane, dans lequel des personnalités artistiques distinctes, dont Nicolas de Verdun (mort en 1205), deviennent apparentes, et un style presque classique est observé dans des œuvres telles qu'une fonte à Liège, [249 ] contrastant avec les animaux se tordant du chandelier Gloucester exactement contemporain. Les grandes bibles et psautiers enluminés étaient les formes typiques des manuscrits de luxe, et la peinture murale a prospéré dans les églises, suivant souvent un schéma avec un Jugement dernier sur le mur ouest, un Christ en majesté à l'extrémité est, et des scènes bibliques narratives en bas de la nef, ou dans le meilleur exemple survivant, à Saint-Savin-sur-Gartempe, sur le toit en berceau. [250]

Dès le début du XIIe siècle, les constructeurs français développent le style gothique, marqué par l'utilisation de voûtes d'ogives, d'arcs brisés, d'arcs-boutants et de grands vitraux. Il a été utilisé principalement dans les églises et les cathédrales et a continué à être utilisé jusqu'au 16ème siècle dans une grande partie de l'Europe. Des exemples classiques d'architecture gothique incluent la cathédrale de Chartres et la cathédrale de Reims en France ainsi que la cathédrale de Salisbury en Angleterre. [251] Le vitrail est devenu un élément crucial dans la conception des églises, qui ont continué à utiliser de nombreuses peintures murales, maintenant presque toutes perdues. [252]

Au cours de cette période, la pratique de l'enluminure des manuscrits passa progressivement des monastères aux ateliers de laïcs, de sorte que, selon Janetta Benton, « vers 1300, la plupart des moines achetaient leurs livres dans des magasins », [253] et le livre d'heures se développa comme une forme de livre de dévotion pour laïcs. La ferronnerie est restée la forme d'art la plus prestigieuse, l'émail de Limoges étant une option populaire et relativement abordable pour des objets tels que des reliquaires et des croix. [254] En Italie, les innovations de Cimabue et Duccio, suivies par le maître du Trecento Giotto (m. 1337), ont considérablement augmenté la sophistication et le statut de la peinture sur panneau et de la fresque. [255] La prospérité croissante au cours du XIIe siècle a entraîné une plus grande production d'art séculier. De nombreux objets en ivoire sculpté tels que des pièces de jeu, des peignes et de petites figures religieuses ont survécu. [256]

La vie de l'église

La réforme monastique est devenue un enjeu important au cours du XIe siècle, alors que les élites commençaient à s'inquiéter du fait que les moines n'adhéraient pas aux règles les liant à une vie strictement religieuse. L'abbaye de Cluny, fondée dans la région de Mâcon en France en 909, a été établie dans le cadre des réformes clunisiennes, un mouvement plus large de réforme monastique en réponse à cette peur. [258] Cluny s'est rapidement forgé une réputation d'austérité et de rigueur. Elle cherchait à maintenir une haute qualité de vie spirituelle en se plaçant sous la protection de la papauté et en élisant son propre abbé sans ingérence des laïcs, maintenant ainsi son indépendance économique et politique vis-à-vis des seigneurs locaux. [259]

La réforme monastique a inspiré le changement dans l'Église séculière. Les idéaux sur lesquels il était basé ont été présentés à la papauté par le pape Léon IX (pape 1049-1054) et ont fourni l'idéologie de l'indépendance cléricale qui a conduit à la controverse des investitures à la fin du XIe siècle. Cela impliquait le pape Grégoire VII (pape 1073-1085) et l'empereur Henri IV, qui se sont d'abord affrontés au sujet des nominations épiscopales, un différend qui s'est transformé en une bataille sur les idées d'investiture, de mariage clérical et de simonie. L'empereur considérait la protection de l'Église comme l'une de ses responsabilités et voulait préserver le droit de désigner ses propres choix comme évêques sur ses terres, mais la papauté insista sur l'indépendance de l'Église vis-à-vis des seigneurs séculiers. Ces questions sont restées en suspens après le compromis de 1122 connu sous le nom de Concordat de Worms. Le différend représente une étape importante dans la création d'une monarchie papale séparée et égale aux autorités laïques. Elle a également eu pour conséquence permanente d'habiliter les princes allemands aux dépens des empereurs allemands. [258]

Le Haut Moyen Âge est une période de grands mouvements religieux. Outre les croisades et les réformes monastiques, les gens cherchaient à participer à de nouvelles formes de vie religieuse. De nouveaux ordres monastiques sont fondés, dont les Chartreux et les Cisterciens. Ces derniers, en particulier, se développèrent rapidement dans leurs premières années sous la direction de Bernard de Clairvaux (mort en 1153). Ces nouveaux ordres ont été formés en réponse au sentiment des laïcs que le monachisme bénédictin ne répondait plus aux besoins des laïcs, qui, avec ceux qui souhaitaient entrer dans la vie religieuse, voulaient un retour au monachisme hermétique plus simple du christianisme primitif, ou vivre une vie apostolique. [215] Les pèlerinages religieux ont également été encouragés. Les anciens sites de pèlerinage tels que Rome, Jérusalem et Compostelle ont reçu un nombre croissant de visiteurs, et de nouveaux sites tels que Monte Gargano et Bari ont pris de l'importance. [260]

Au XIIIe siècle, les ordres mendiants — les franciscains et les dominicains — qui faisaient vœu de pauvreté et gagnaient leur vie en mendiant, furent approuvés par la papauté. [261] Des groupes religieux tels que les Vaudois et les Humiliati ont également tenté de revenir à la vie du christianisme primitif au milieu du XIIe et au début du XIIIe siècle, un autre mouvement hérétique condamné par la papauté. D'autres rejoignirent les cathares, autre mouvement condamné comme hérétique par la papauté. En 1209, une croisade a été prêchée contre les Cathares, la Croisade des Albigeois, qui, combinée à l'Inquisition médiévale, les a éliminés. [262]

Guerre, famine et peste

Les premières années du 14ème siècle ont été marquées par des famines, culminant dans la Grande Famine de 1315-1317. [263] Les causes de la Grande Famine incluaient la lente transition de la Période Chaude Médiévale au Petit Age Glaciaire, qui laissait la population vulnérable lorsque le mauvais temps provoquait de mauvaises récoltes. [264] Les années 1313–14 et 1317–21 ont été excessivement pluvieuses dans toute l'Europe, entraînant des pertes de récolte généralisées. [265] Le changement climatique, qui a entraîné une baisse de la température annuelle moyenne pour l'Europe au cours du XIVe siècle, s'est accompagné d'un ralentissement économique. [266]

Ces troubles ont été suivis en 1347 par la peste noire, une pandémie qui s'est propagée dans toute l'Europe au cours des trois années suivantes. [267] [AB] Le nombre de morts était probablement d'environ 35 millions de personnes en Europe, soit environ un tiers de la population. Les villes ont été particulièrement touchées en raison de leur surpeuplement. [AC] De vastes étendues de terres ont été laissées peu habitées et, à certains endroits, les champs n'ont pas été travaillés. Les salaires ont augmenté alors que les propriétaires cherchaient à attirer le nombre réduit de travailleurs disponibles dans leurs champs. D'autres problèmes étaient la baisse des loyers et la baisse de la demande de nourriture, qui ont tous deux réduit les revenus agricoles. Les travailleurs urbains ont également estimé qu'ils avaient droit à des revenus plus élevés et des soulèvements populaires ont éclaté dans toute l'Europe. [270] Parmi les soulèvements figuraient les jacquerie en France, la révolte des paysans en Angleterre, et les révoltes dans les villes de Florence en Italie et de Gand et Bruges en Flandre. Le traumatisme de la peste a conduit à une piété accrue dans toute l'Europe, manifestée par la fondation de nouvelles œuvres caritatives, l'auto-mortification des flagellants et la désignation de boucs émissaires des Juifs. [271] Les conditions ont été encore plus perturbées par le retour de la peste tout au long du reste du 14ème siècle, elle a continué à frapper l'Europe périodiquement pendant le reste du Moyen Âge. [267]

Société et économie

La société dans toute l'Europe a été perturbée par les dislocations causées par la peste noire. Les terres qui avaient été marginalement productives ont été abandonnées, car les survivants ont pu acquérir des zones plus fertiles. [272] Bien que le servage ait diminué en Europe de l'Ouest, il est devenu plus courant en Europe de l'Est, car les propriétaires l'ont imposé à ceux de leurs locataires qui étaient auparavant libres. [273] La plupart des paysans d'Europe occidentale ont réussi à transformer le travail qu'ils devaient auparavant à leurs propriétaires en loyers en espèces. [274] Le pourcentage de serfs parmi la paysannerie est passé d'un maximum de 90 à plus de 50 pour cent à la fin de la période. [170] Les propriétaires sont également devenus plus conscients des intérêts communs avec d'autres propriétaires fonciers, et ils se sont réunis pour extorquer des privilèges à leurs gouvernements. En partie à la demande des propriétaires, les gouvernements ont tenté de légiférer sur un retour aux conditions économiques qui existaient avant la peste noire. [274] Le non-clergé est devenu de plus en plus alphabétisé et les populations urbaines ont commencé à imiter l'intérêt de la noblesse pour la chevalerie. [275]

Les communautés juives ont été expulsées d'Angleterre en 1290 et de France en 1306. Bien que certaines aient été autorisées à rentrer en France, la plupart ne l'ont pas été, et de nombreux Juifs ont émigré vers l'est, s'installant en Pologne et en Hongrie. [276] Les Juifs ont été expulsés d'Espagne en 1492 et dispersés en Turquie, en France, en Italie et en Hollande. [79] La montée des opérations bancaires en Italie au 13ème siècle s'est poursuivie tout au long du 14ème siècle, alimentée en partie par la guerre croissante de la période et les besoins de la papauté pour déplacer de l'argent entre les royaumes. De nombreuses sociétés bancaires ont prêté de l'argent à la royauté, à grand risque, car certaines ont fait faillite lorsque les rois ont fait défaut sur leurs prêts. [277] [AD]

Résurgence de l'État

Des États-nations forts et fondés sur la royauté se sont développés dans toute l'Europe à la fin du Moyen Âge, en particulier en Angleterre, en France et dans les royaumes chrétiens de la péninsule ibérique : Aragon, Castille et Portugal. Les longs conflits de l'époque renforcèrent le contrôle royal sur leurs royaumes et furent extrêmement durs pour la paysannerie. Les rois ont profité de la guerre qui a étendu la législation royale et augmenté les terres qu'ils contrôlaient directement. [278] Payer pour les guerres exigeait que les méthodes d'imposition deviennent plus efficaces et efficientes, et le taux d'imposition augmentait souvent. [279] L'exigence d'obtenir le consentement des contribuables a permis à des organismes représentatifs tels que le Parlement anglais et les États généraux de France d'acquérir du pouvoir et de l'autorité. [280]

Tout au long du XIVe siècle, les rois de France cherchent à étendre leur influence au détriment des possessions territoriales de la noblesse. [281] Ils ont rencontré des difficultés lorsqu'ils ont tenté de confisquer les avoirs des rois anglais dans le sud de la France, ce qui a conduit à la guerre de Cent Ans, [282] menée de 1337 à 1453. [283] Au début de la guerre, les Anglais sous Edward III (r. 1327-1377) et son fils Edward, le Prince Noir (d. 1376), [AE] ont remporté les batailles de Crécy et de Poitiers, capturé la ville de Calais et pris le contrôle d'une grande partie de la France. [AF] Les tensions qui en résultent ont failli provoquer la désintégration du royaume de France pendant les premières années de la guerre. [286] Au début du XVe siècle, la France est à nouveau proche de la dissolution, mais à la fin des années 1420, les succès militaires de Jeanne d'Arc (morte en 1431) conduisent à la victoire des Français et à la prise des dernières possessions anglaises dans le sud. France en 1453. [287] Le prix était élevé, car la population de la France à la fin des guerres était probablement la moitié de ce qu'elle avait été au début du conflit. Inversement, les guerres ont eu un effet positif sur l'identité nationale anglaise, faisant beaucoup pour fusionner les diverses identités locales en un idéal national anglais. Le conflit avec la France a également contribué à créer une culture nationale en Angleterre distincte de la culture française, qui avait été auparavant l'influence dominante. [288] La domination de l'arc anglais a commencé au début de la guerre de Cent Ans, [289] et le canon est apparu sur le champ de bataille de Crécy en 1346. [243]

Dans l'Allemagne d'aujourd'hui, le Saint Empire romain germanique continuait de régner, mais la nature élective de la couronne impériale signifiait qu'il n'y avait pas de dynastie durable autour de laquelle un État fort pourrait se former. [290] Plus à l'est, les royaumes de Pologne, de Hongrie et de Bohême deviennent puissants. [291] En Ibérie, les royaumes chrétiens ont continué à gagner des terres des royaumes musulmans de la péninsule. [293] [294] Après avoir perdu la guerre de Cent Ans, l'Angleterre a subi une longue guerre civile connue sous le nom de Guerres des Roses, qui a duré jusque dans les années 1490 [294] et n'a pris fin que lorsque Henry Tudor (r. 1485- 1509 sous le nom d'Henri VII) devint roi et consolida le pouvoir avec sa victoire sur Richard III (r. 1483-1485) à Bosworth en 1485. [295] En Scandinavie, Marguerite I de Danemark (r. au Danemark 1387-1412) consolida la Norvège, Le Danemark et la Suède dans l'Union de Kalmar, qui a duré jusqu'en 1523. La principale puissance autour de la mer Baltique était la Ligue hanséatique, une confédération commerciale de cités-États qui faisaient du commerce de l'Europe occidentale à la Russie. [296] L'Écosse a émergé de la domination anglaise sous Robert the Bruce (r. 1306-1329), qui a obtenu la reconnaissance papale de sa royauté en 1328. [297]

L'effondrement de Byzance

Bien que les empereurs paléologues aient repris Constantinople aux Européens de l'Ouest en 1261, ils n'ont jamais pu reprendre le contrôle d'une grande partie des anciennes terres impériales. Ils ne contrôlaient généralement qu'une petite partie de la péninsule balkanique près de Constantinople, la ville elle-même et certaines terres côtières de la mer Noire et autour de la mer Égée. Les anciennes terres byzantines des Balkans étaient partagées entre le nouveau royaume de Serbie, le Second Empire bulgare et la cité-État de Venise. Le pouvoir des empereurs byzantins était menacé par une nouvelle tribu turque, les Ottomans, qui s'installèrent en Anatolie au XIIIe siècle et se développèrent régulièrement tout au long du XIVe siècle. Les Ottomans se sont étendus en Europe, réduisant la Bulgarie à un état vassal en 1366 et prenant le contrôle de la Serbie après sa défaite à la bataille du Kosovo en 1389. Les Européens de l'Ouest se sont ralliés au sort des chrétiens dans les Balkans et ont déclaré une nouvelle croisade en 1396 un grand armée a été envoyée dans les Balkans, où elle a été vaincue à la bataille de Nicopolis. [298] Constantinople a finalement été capturée par les Ottomans en 1453. [299]

Controverse au sein de l'Église

Au cours du tumultueux 14ème siècle, des conflits au sein de la direction de l'Église ont conduit à la papauté d'Avignon de 1309 à 1376, [300] également appelée la "Captivité babylonienne de la papauté" (une référence à la captivité babylonienne des Juifs), [301 ] puis au Grand Schisme, d'une durée de 1378 à 1418, lorsqu'il y eut deux et plus tard trois papes rivaux, chacun soutenu par plusieurs États. [302] Les fonctionnaires ecclésiastiques se sont réunis au concile de Constance en 1414, et l'année suivante, le concile a déposé l'un des papes rivaux, ne laissant que deux prétendants. D'autres dépositions ont suivi, et en novembre 1417, le conseil a élu Martin V (pape 1417-31) comme pape. [303]

Outre le schisme, l'Église d'Occident a été déchirée par des controverses théologiques, dont certaines se sont transformées en hérésies. John Wycliffe (d. 1384), un théologien anglais, a été condamné comme hérétique en 1415 pour avoir enseigné que les laïcs devraient avoir accès au texte de la Bible ainsi que pour avoir eu des opinions sur l'Eucharistie qui étaient contraires à la doctrine de l'Église. [304] Les enseignements de Wycliffe ont influencé deux des mouvements hérétiques majeurs de la fin du Moyen Âge : Lollardy en Angleterre et Hussitism en Bohême. [305] Le mouvement bohème initié avec l'enseignement de Jan Hus, qui fut brûlé vif en 1415, après avoir été condamné comme hérétique par le Concile de Constance. L'église hussite, bien que la cible d'une croisade, a survécu au-delà du Moyen Âge. [306] D'autres hérésies ont été fabriquées, telles que les accusations contre les Templiers qui ont abouti à leur suppression en 1312, et le partage de leur grande richesse entre le roi de France Philippe IV (r. 1285-1314) et les Hospitaliers. [307]

La papauté a encore affiné la pratique de la messe à la fin du Moyen Âge, estimant que seul le clergé était autorisé à partager le vin de l'Eucharistie. Cela a encore éloigné les laïcs séculiers du clergé. Les laïcs ont continué les pratiques de pèlerinages, de vénération des reliques et de croyance au pouvoir du diable. Des mystiques tels que Meister Eckhart (m. 1327) et Thomas à Kempis (m. 1471) ont écrit des ouvrages qui ont enseigné aux laïcs à se concentrer sur leur vie spirituelle intérieure, ce qui a jeté les bases de la Réforme protestante. Outre le mysticisme, la croyance aux sorcières et à la sorcellerie s'est généralisée et, à la fin du XVe siècle, l'Église avait commencé à donner du crédit aux peurs populistes de la sorcellerie avec sa condamnation des sorcières en 1484 et la publication en 1486 de la Malleus Maleficarum, le manuel le plus populaire pour les chasseurs de sorcières. [308]

Érudits, intellectuels et exploration

À la fin du Moyen Âge, des théologiens tels que Jean Duns Scot (m. 1308) et Guillaume d'Ockham (m. vers 1348) [225] menèrent une réaction contre la scolastique intellectualiste, s'opposant à l'application de la raison à la foi. Leurs efforts ont sapé l'idée platonicienne dominante des universaux. L'insistance d'Ockham sur le fait que la raison opère indépendamment de la foi a permis de séparer la science de la théologie et de la philosophie. [309] Les études juridiques ont été marquées par l'avancée constante du droit romain dans des domaines jurisprudentiels auparavant régis par le droit coutumier. La seule exception à cette tendance était en Angleterre, où la common law est restée prééminente. D'autres pays ont codifié leurs lois, des codes juridiques ont été promulgués en Castille, en Pologne et en Lituanie. [310]

L'éducation est restée principalement axée sur la formation du futur clergé. L'apprentissage de base des lettres et des chiffres restait du ressort de la famille ou d'un curé de village, mais les matières secondaires du trivium — grammaire, rhétorique, logique — étaient étudiées dans les écoles cathédrales ou dans les écoles fournies par les villes. Les écoles secondaires commerciales se sont répandues et certaines villes italiennes ont eu plus d'une entreprise de ce type. Les universités se sont également répandues dans toute l'Europe aux XIVe et XVe siècles. Les taux d'alphabétisation des profanes ont augmenté, mais étaient encore faibles, une estimation a donné un taux d'alphabétisation de 10 pour cent des hommes et de 1 pour cent des femmes en 1500. [311]

La publication de littérature vernaculaire a augmenté, avec Dante (d. 1321), Pétrarque (d. 1374) et Giovanni Boccaccio (d. 1375) dans l'Italie du 14ème siècle, Geoffrey Chaucer (d. 1400) et William Langland (dc 1386) dans Angleterre, et François Villon (d. 1464) et Christine de Pizan (dc 1430) en France. Une grande partie de la littérature est restée de caractère religieux, et bien qu'une grande partie ait continué à être écrite en latin, une nouvelle demande s'est développée pour la vie des saints et d'autres tracts de dévotion dans les langues vernaculaires. [310] Cela a été alimenté par la croissance de la Devotio Moderna mouvement, surtout dans la formation des Frères de la vie commune, mais aussi dans les œuvres de mystiques allemands tels que Meister Eckhart et Johannes Tauler (d. 1361). [312] Le théâtre s'est également développé sous la forme de pièces de théâtre miraculeuses montées par l'Église. [310] À la fin de la période, le développement de l'imprimerie vers 1450 a conduit à l'établissement de maisons d'édition dans toute l'Europe vers 1500. [313]

Au début du XVe siècle, les pays de la péninsule ibérique ont commencé à parrainer l'exploration au-delà des frontières de l'Europe. Le prince Henri le Navigateur du Portugal (mort en 1460) a envoyé des expéditions qui ont découvert les îles Canaries, les Açores et le Cap-Vert de son vivant. Après sa mort, l'exploration s'est poursuivie. Bartolomeu Dias (mort en 1500) contourna le cap de Bonne-Espérance en 1486 et Vasco da Gama (mort en 1524) fit le tour de l'Afrique jusqu'en Inde en 1498. [314] Les monarchies espagnoles combinées de Castille et Aragon a parrainé le voyage d'exploration de Christophe Colomb (mort en 1506) en 1492 qui a découvert les Amériques. [315] La couronne anglaise sous Henri VII a commandité le voyage de Jean Cabot (mort en 1498) en 1497, qui a débarqué sur l'île du Cap-Breton. [316]

Développements technologiques et militaires

L'un des développements majeurs dans le domaine militaire à la fin du Moyen Âge a été l'utilisation accrue de l'infanterie et de la cavalerie légère. [317] Les Anglais employaient aussi des archers, mais d'autres pays étaient incapables de créer des forces similaires avec le même succès. [318] L'armure a continué d'avancer, stimulée par la puissance croissante des arbalètes, et l'armure de plaques a été développée pour protéger les soldats des arbalètes ainsi que des armes de poing qui ont été développées. [319] Les armes de pôle ont atteint une nouvelle importance avec le développement de l'infanterie flamande et suisse armée de piques et d'autres longues lances. [320]

Dans l'agriculture, l'utilisation accrue de moutons avec de la laine à longues fibres a permis de filer un fil plus solide. De plus, le rouet a remplacé la quenouille traditionnelle pour filer la laine, triplant la production. [321] [AG] Un raffinement moins technologique qui affectait encore grandement la vie quotidienne était l'utilisation de boutons comme fermetures pour les vêtements, ce qui permettait un meilleur ajustement sans avoir à lacer les vêtements sur le porteur. [323] Les moulins à vent ont été affinés avec la création du moulin à tour, permettant de faire tourner la partie supérieure du moulin à vent pour faire face à la direction d'où soufflait le vent. [324] Le haut fourneau est apparu vers 1350 en Suède, augmentant la quantité de fer produite et améliorant sa qualité. [325] La première loi sur les brevets en 1447 à Venise protégeait les droits des inventeurs sur leurs inventions. [326]

Art et architecture de la fin du Moyen Âge

La fin du Moyen Âge dans l'ensemble de l'Europe correspond aux périodes culturelles du Trecento et du début de la Renaissance en Italie. L'Europe du Nord et l'Espagne ont continué à utiliser des styles gothiques, qui sont devenus de plus en plus élaborés au XVe siècle, jusqu'à presque la fin de la période. Le gothique international était un style courtois qui a atteint une grande partie de l'Europe dans les décennies autour de 1400, produisant des chefs-d'œuvre tels que les Très Riches Heures du Duc de Berry. [327] Dans toute l'Europe, l'art profane a continué à augmenter en quantité et en qualité, et au XVe siècle, les classes marchandes d'Italie et de Flandre sont devenues d'importants mécènes, commandant de petits portraits d'eux-mêmes à l'huile ainsi qu'une gamme croissante d'articles de luxe tels que bijoux, coffrets en ivoire, coffres à cassone et poteries en majolique. Ces objets comprenaient également la vaisselle hispano-mauresque produite par des potiers principalement mudéjars en Espagne. Bien que la royauté possédait d'énormes collections d'assiettes, il en reste peu à l'exception de la Royal Gold Cup. [328] La fabrication de soie italienne s'est développée, de sorte que les églises et les élites occidentales n'avaient plus besoin de dépendre des importations de Byzance ou du monde islamique. En France et en Flandre tapisserie tissage d'ensembles comme La Dame et la Licorne est devenu une industrie du luxe majeure. [329]

Les grands schémas sculpturaux externes des églises du gothique primitif ont cédé la place à davantage de sculptures à l'intérieur du bâtiment, à mesure que les tombes devenaient plus élaborées et que d'autres éléments tels que les chaires étaient parfois richement sculptés, comme dans la chaire de Giovanni Pisano à Sant'Andrea. Les retables en relief en bois peint ou sculpté sont devenus courants, d'autant plus que les églises ont créé de nombreuses chapelles latérales. La peinture des premiers Netherlandish par des artistes tels que Jan van Eyck (d. 1441) et Rogier van der Weyden (d. 1464) rivalisait avec celle de l'Italie, tout comme les manuscrits enluminés du nord, qui au 15ème siècle ont commencé à être collectés à grande échelle par élites laïques, qui commandaient aussi des livres laïques, en particulier des histoires. À partir de 1450 environ, les livres imprimés sont rapidement devenus populaires, bien que toujours chers. Il y avait environ 30 000 éditions différentes d'incunables, ou d'œuvres imprimées avant 1500, [330] à cette époque, les manuscrits enluminés n'étaient commandés que par la royauté et quelques autres. De très petites gravures sur bois, presque toutes religieuses, étaient abordables même par les paysans dans certaines parties de l'Europe du Nord à partir du milieu du XVe siècle. Des gravures plus chères ont fourni une variété d'images à un marché plus riche. [331]

La période médiévale est souvent caricaturée comme un « temps d'ignorance et de superstition » qui place « la parole des autorités religieuses au-dessus de l'expérience personnelle et de l'activité rationnelle ». [332] C'est un héritage à la fois de la Renaissance et des Lumières lorsque les érudits ont favorablement contrasté leurs cultures intellectuelles avec celles de la période médiévale. Les érudits de la Renaissance considéraient le Moyen Âge comme une période de déclin par rapport à la haute culture et à la civilisation du monde classique. Les érudits des Lumières considéraient la raison comme supérieure à la foi et considéraient donc le Moyen Âge comme une époque d'ignorance et de superstition. [16]

D'autres soutiennent que la raison était généralement tenue en haute estime au Moyen Âge. L'historien des sciences Edward Grant écrit : « Si des pensées rationnelles révolutionnaires ont été exprimées [au XVIIIe siècle], elles n'ont été rendues possibles que grâce à la longue tradition médiévale qui a établi l'utilisation de la raison comme l'une des activités humaines les plus importantes ». [333] En outre, contrairement à la croyance commune, écrit David Lindberg, « l'érudit de la fin du Moyen Âge a rarement fait l'expérience du pouvoir coercitif de l'Église et se serait considéré comme libre (en particulier dans les sciences naturelles) de suivre la raison et l'observation partout où elles le menaient ». . [334]

La caricature de l'époque se reflète aussi dans quelques notions plus spécifiques. Une idée fausse, propagée pour la première fois au 19ème siècle [335] et toujours très répandue, est que tous les gens du Moyen Âge croyaient que la Terre était plate. [335] C'est faux, car les professeurs des universités médiévales ont souvent soutenu que les preuves montraient que la Terre était une sphère. [336] Lindberg et Ronald Numbers, un autre érudit de l'époque, déclarent qu'il « y avait à peine un érudit chrétien du Moyen Âge qui n'a pas reconnu la sphéricité [de la Terre] et même connu sa circonférence approximative ». Nombre comme des exemples de mythes très populaires qui passent encore pour une vérité historique, bien qu'ils ne soient pas soutenus par la recherche historique. [338]


Ancien et Médiéval

L'exemple frappant de l'art ancien et médiéval est Saint Michel et le Diable qui a été dessiné par l'artiste espagnol Bartolomé Bermejo en 1468. Il s'agit probablement du panneau central de l'autel de l'église de San Miguel in Tous, près de Valence. Le titre complet de cette œuvre d'art est Saint Michel triomphant du Diable avec le donateur Antonio Juan. Les matériaux utilisés sont l'huile et l'or sur bois. La taille de la création est de 179,7 x 81,9 cm.

J'ai choisi cette œuvre d'art parce que c'est une image impressionnante qui reflète les principales caractéristiques de l'art médiéval. C'est un exemple d'art religieux. Un phénomène intéressant de l'art religieux médiéval est la représentation du donateur. Le donateur en situation de tableaux est la personne ou le groupe de personnes qui commande et paie la réalisation de l'œuvre. Parfois des donateurs représentés dans l'œuvre qui deviennent un moyen d'exprimer leur foi. Dans notre exemple, le donateur est Antonio Juan, seigneur de Tous. Il est représenté agenouillé à gauche. Il tient un psautier ouvert à deux psaumes pénitentiels : 51 et 130. Il y a l'archange victorieux Saint Michel qui triomphe de son ennemi. Le diable est montré ici comme un monstre composé et grotesque. Il combine des éléments de différents animaux tels que des serpents, des canards et des grenouilles. C'est une manière typique de présentation des démons pour l'art nord-européen de la fin du Moyen Âge. La figure de l'archange domine le donateur et le diable. La panoplie brillante, le manteau rouge et doré, les grandes ailes et l'élégance expriment la sublimité du royaume de l'archange vers le monde prosaïque peuplé par le donateur.

Ainsi, la création de Bartolomé Bermejo dit Saint Michel triomphant du Diable est un exemple frappant de la religion de l'art médiéval. Cette image rassemble des caractéristiques distinctives telles que le thème de l'art, les personnages principaux (archange, donateur et démon), le mode d'expression du démon et de l'archange.

Harper, A., Proctor, C. (2008). Sexualité médiévale : un recueil de cas. Routledge, …


Enseigner au-delà des frontières de l'art médiéval

Des étudiants de l'État de l'Utah examinent des manuscrits

[Article invité par Alexa Sand, professeur d'histoire de l'art, Utah State University]

Comme l'ont montré les discussions récentes dans le domaine des études médiévales et de l'histoire de l'art médiéval en particulier, il y a une politique dans la manière dont nous organisons nos cours d'enquête et présentons le «Moyen Âge» à nos étudiants. À la suite de certaines expressions récentes troublantes de racisme, d'eurocentrisme et de fanatisme religieux dans les rangs des académiciens médiévistes, la nécessité d'examiner de manière critique comment et ce que nous enseignons est plus urgent que jamais. Alors que je me mettais à reconcevoir mon cours d'enquête sur l'art médiéval de la division supérieure pour le semestre de printemps 2018, je me suis mis au défi de penser au-delà des récits et des contours standard qui ont façonné les manuels et les programmes à partir desquels j'avais appris, et à partir desquels les éducateurs continuent pour enseigner le sujet. J'ai développé un programme axé sur la recherche et l'engagement des étudiants qui, tout en conservant l'organisation chronologique d'un cours d'enquête traditionnel, s'est détourné de l'accent exclusif sur «l'ouest» pour présenter une image plus variée, multiculturelle et fluide de ce que « moyenâgeux » signifie.

Les cinq unités du cours ont permis aux étudiants d'explorer en profondeur des périodes et des régions aussi différentes que la Northumbrie du VIIIe siècle et la Sicile du XIIe siècle, et de retracer les échanges culturels à travers les frontières de la religion, de la langue et de l'identité géographique ou ethnique. S'il était étrange de minimiser les récits qui avaient toujours façonné mes programmes dans le passé, cette nouvelle approche, un peu plus fragmentaire, a permis aux étudiants d'approfondir des sujets et des idées plus souvent passés sous silence par exemple, ils ont appris non seulement à reconnaître les origines stylistiques et la signification culturelle des motifs entrelacés dans les premiers arts du livre insulaire, mais aussi reproduire ces motifs en utilisant les outils mathématiques et géométriques développés par les artistes monastiques pour générer complexité et connectivité. Par la suite, les élèves se sont montrés beaucoup plus attentifs aux modes de construction et de composition sur tous supports, qu'ils regardent l'intérieur de la coupole de la Grande Mosquée de Cordoue ou le pavé labyrinthique de Chartres, ils ont été sensibilisés à la manière dont les formes abstraites et linéaires exprimer des concepts sociaux, religieux et esthétiques complexes.

Une variété de devoirs en ligne et en classe ont exploité la formation variée de mes étudiants en tant que concepteurs, artistes et universitaires. Mon objectif était de leur donner un sentiment d'appropriation du matériel en s'engageant avec lui selon leurs propres termes. Plusieurs étudiants, à la fois ceux représentant la culture majoritaire à l'USU et ceux des groupes URM, ont exprimé un sentiment d'émerveillement et de plaisir de découvrir que le Moyen Âge n'était pas "juste une bande de chevaliers et de cathédrales", comme l'a dit un étudiant. De nombreuses discussions en classe tournées du matériel historique vers des problématiques contemporaines, et des lectures mettant l'accent sur les usages qui ont été faits du Moyen Âge, et en particulier de sa culture visuelle, ont encouragé les élèves à réfléchir à la manière dont nous faisons l'histoire (de l'art) à l'image de nos propres croyances et angles morts. Dans cet article, je vais discuter de mes choix pédagogiques, partager mon programme et certains travaux des étudiants (avec leur permission), et enquêter sur ce qui a fonctionné, ce qui n'a pas fonctionné et pourquoi.

J'ai commencé le processus de réélaboration de mon programme avec la question de savoir comment enseigner l'art du Moyen Âge d'une manière pertinente et convaincante adaptée à la démographie particulière de ma classe d'enquête typique de la division supérieure. Cela comprend une majorité d'étudiants blancs de l'Intermountain West, dont beaucoup sont des membres actifs de l'Église des Saints des Derniers Jours, et dont beaucoup n'ont jamais voyagé bien en dehors de notre région semi-rurale et semi-banlieue du nord-est de l'Utah. En plus de ces étudiants de la population majoritaire, une minorité importante d'étudiants qui s'identifient comme Latinx, Pacific Islander ou Native American Indian caractérise le corps étudiant de notre département. En outre, seuls deux ou trois étudiants sur tous les cours d'histoire de l'art de la division supérieure sont des majors en histoire de l'art, la plupart sont des majors en art de studio ou en design cherchant leur BFA ou BID, et peu sont des majors non artistiques d'autres départements de sciences humaines, tels que Histoire, anglais ou classiques. Une fois dans une lune bleue, j'aurai un étudiant d'un domaine STEM qui suivra le cours sur les exigences de distribution en largeur. Cela signifie que mes élèves ont tendance à avoir les caractéristiques suivantes :

  • Peu ou pas de connaissance du Moyen Âge
  • Peu d'expérience de la différence culturelle
  • Peu de sens de l'investissement préalable dans l'histoire de l'art

Comme je le fais toujours lors de la planification d'un nouveau cours, j'ai utilisé une approche de conception à rebours (Wiggins et McTighe, 1998 et 2001), en me demandant au départ quels seraient mes résultats souhaités. Alors que dans les itérations précédentes du cours, je les identifiais en termes de contenu historique, de pratique universitaire et de théorie de l'histoire de l'art, pour le printemps 2018, j'ai ajouté un langage spécifique sur la pertinence contemporaine de l'histoire de l'art médiévale. En plus de ma concentration habituelle sur l'intégration des compétences de recherche dans mon enseignement, je voulais que mes étudiants quittent le cours avec un apprentissage transférable sur le multiculturalisme, sur la manière dont les récits historiques façonnent le présent et sur la façon dont l'étude du Moyen L'âge pourrait les aider à voir au-delà des stéréotypes désinvoltes d'identité et d'ethnicité qui façonnent une grande partie du discours qu'ils rencontrent dans les médias.

Le changement a été exprimé dans mes objectifs d'apprentissage :

  • 2016
    • Construire votre connaissance de l'éventail des formes artistiques, des styles et des iconographies du Moyen Âge dans leurs contextes historiques
    • Pour renforcer vos compétences en communication écrite et orale, notamment en ce qui concerne l'analyse critique d'œuvres visuelles et la compréhension et l'intégration des perspectives savantes
    • Vous initier aux méthodes de recherche et de critique qui fondent la discipline de l'histoire de l'art
    • Développer une connaissance générale de l'histoire et de la culture médiévales, notamment en ce qui concerne les arts visuels
    • Comprendre le lien entre « faire » l'histoire de l'art médiéval et les questions d'actualité, telles que la diversité culturelle, l'intolérance religieuse, la violence
    • Améliorer les communications écrites et orales grâce à la rédaction et aux présentations formelles et informelles, de groupe et individuelles
    • Développer des compétences de recherche fondamentales et transférables

    La question suivante du processus de conception à rebours concerne l'évaluation : comment saurai-je si les élèves progressent vers ces résultats ? Gardant à l'esprit que bon nombre de mes élèves sont des penseurs visuels et que les devoirs d'écriture à enjeux élevés les font paniquer, j'ai décidé d'utiliser des devoirs fréquents, variés et à enjeux faibles, certains individuels et d'autres collaboratifs, pour garder mon doigt sur le pouls de leur apprentissage. Cela m'a permis de conceptualiser facilement le cours comme une série de modules avec des tâches parallèles, mais non identiques, qui ont progressivement élargi l'éventail des compétences, des connaissances et de la compréhension démontrées.

    J'ai prévu cinq modules de ce type, chacun d'une durée de trois semaines, pour s'adapter à notre semestre de quinze semaines. Cela signifiait que toutes les trois semaines, les étudiants auraient l'occasion de réfléchir à ce qu'ils avaient appris et aux questions qu'ils avaient encore, et j'obtiendrais des commentaires utiles qui me permettraient d'adapter l'enseignement à venir à leur apprentissage. Le devoir final de chaque module était donc un questionnaire qui ressemblait à ceci :

    1. Quelles lectures vous ont été les plus utiles ou intéressantes dans cette unité, et pourquoi ?
    2. Quelles lectures avez-vous trouvées les moins utiles ou les plus difficiles, et pourquoi ?
    3. Les commentaires que vous avez reçus sur votre essai de catalogue ont-ils été utiles, comment ou non ? Avez-vous l'impression d'avoir acquis de nouvelles compétences en rédaction, et si oui, lesquelles ?
    4. Ai-je votre permission de publier votre essai, avec votre nom en pièce jointe, sur un site wordpress que je développe sur l'enseignement de l'histoire de l'art médiéval multiculturel ? Veuillez écrire « Oui » ou « Non »
    5. Dans quelle mesure, sur une échelle de 1 à 10, évaluez-vous la présentation thématique et quels ont été les défis, le cas échéant ? Que feriez-vous différemment la prochaine fois qu'on vous demandera de présenter avec un partenaire ?

    Parallèlement à cette opportunité de réfléchir et de critiquer le cours, je leur ai toujours fourni des notes de débriefing : il s'agissait de mes observations générales sur leur préparation à la discussion en classe, leurs communications orales et écrites et d'autres éléments du cours. De cette façon, une discussion à double sens sur la façon dont les choses se passaient pouvait avoir lieu fréquemment.

    Le contenu des cinq unités était au cœur de la planification du cours - il devait respecter mon engagement à prendre au sérieux le concept d'un Moyen Âge multiculturel, et il devait suivre au moins une structure quelque peu chronologique afin que mes étudiants, beaucoup d'entre eux qui rencontraient pour la première fois les études médiévales, ne serait pas complètement désorienté.

    J'ai donc commencé par regarder mon programme type, qui prenait généralement un thème (en 2016 c'était « Transgression ») et l'explorait à travers un récit assez linéaire commençant par une comparaison entre l'art post-classique et l'art « nordique » au VIIe siècle. , et culminant avec l'art de l'Italie au début du XIVe siècle - essentiellement le programme standard pour les enquêtes médiévales tel qu'il est établi dans les manuels existants. Les continuités implicites et le récit central implicite de cette approche ont donné aux élèves un fort sentiment de flux historique, mais manquaient de motivation pour la discussion sur la diversité. J'ai toujours eu l'impression que j'avais du mal à « travailler dans » des matériaux comme la ferronnerie wisigothique ou l'architecture gothique espagnole, car cela ne correspondait pas à l'image continue que j'essayais de peindre. De plus, j'avais souvent l'impression que l'étendue du cours m'obligeait à sacrifier l'expérience de creuser profondément dans la matière.

    Ma première décision a donc été de laisser les éléments de continuité et de largeur aux étudiants – ils devraient trouver eux-mêmes les liens entre nos différents sujets. Au lieu de cela, je leur donnerais essentiellement cinq études de cas, et ce ne seraient pas nécessairement les cas attendus, je me concentrerais sur des domaines ou des groupes qui pourraient sembler, dans le prisme du récit du manuel, plus périphériques. Cherchant à élargir le paysage géographique et religieux du « médiéval » dans les limites de ma propre expertise, j'ai identifié les cas suivants :

    1. La culture du livre en Irlande et en Northumbrie aux VIe-IXe siècles
    2. Arts de cour en Al-Andalus aux VIIIe-Xe siècles
    3. Pouvoir et politique en Bavière et en Italie du Nord aux Xe-XIIe siècles
    4. L'art narratif dans les zones d'occupation normande aux XIe-XIIe siècles
    5. Le « gothique » comme phénomène multiculturel aux XIIIe-XIVe siècles

    Au sein de chaque unité, je me suis concentré sur des médias particuliers (par exemple l'art du livre ou la sculpture sur ivoire), des institutions (monachisme, mariage califal et héritage) et/ou des modes d'expression (récit, allégorie). Le genre était également un thème qui a traversé toutes les unités du cours, en particulier 2, 3 et 5. La structure de l'unité m'a donné l'espace pour présenter chaque étude de cas dans une conférence large et contextuelle, puis passer à une lecture beaucoup plus détaillée et ciblée. examen d'objets ou de monuments particuliers au cours des deux semaines suivantes de l'unité. Les lectures provenant de diverses sources allant des sites Web des musées aux revues savantes et aux monographies ont constitué l'épine dorsale des conférences, discussions et activités en classe de chaque semaine.

    Afin d'atteindre mon objectif de communiquer la pertinence contemporaine de l'histoire de l'art médiévale, j'ai également inclus dans chaque unité un devoir de lecture ou de visualisation ou une activité en classe qui portait sur les appropriations médiévales des XXe et XXIe siècles. Pour la première unité, il s'agissait d'une discussion en classe sur les tatouages ​​et les bijoux « celtiques » inspirés par le billet de blog Material Collective de Maggie William d'août 2017. Dans l'unité quatre, il s'agissait d'un devoir en ligne de style « Pinterest » en réponse à l'essai d'Isabelle Dolezalek. , « Forme à la mode et message sur mesure. Approches transculturelles de l'écriture arabe sur le manteau et l'aube des rois normands, dans lesquelles les étudiants ont publié des images de mode moderne qui s'approprient l'imagerie médiévale, puis ont écrit des commentaires informels sur la façon dont ces œuvres déploient le médiévalisme en termes idéologiques [Isabelle Dolezalek, « Fashionable Form et message sur mesure. Approches transculturelles de l'écriture arabe sur le manteau et l'aube des rois normands,” Le Journal d'histoire médiévale, 15/2 (2012): 243-268].

    Chaque unité était accompagnée d'un important travail de recherche et de communication (le cours répond à une exigence universitaire en communication de l'enseignement général, de sorte que l'écriture, la communication visuelle et la présentation orale sont au cœur de sa structure). Chaque devoir a pris une forme différente afin que les étudiants aient une exposition à une variété de façons de pratiquer et de diffuser la recherche. La tâche de la première unité était un essai de catalogue, s'appuyant sur les compétences que les étudiants ont déjà développées dans l'enquête d'introduction à l'histoire de l'art. Chaque étudiant a écrit sur un seul folio d'un manuscrit insulaire, et après révisions, ces essais sont devenus une partie d'un site wordpress "Histoire médiévale multiculturelle" qui est destiné à servir de plate-forme pour partager certaines de mes idées sur le cours et à présenter l'étudiant travail (beaucoup de travaux en cours). La deuxième unité impliquait des étudiants travaillant par paires pour développer une présentation PowerPoint sur un volet thématique de leur choix. La troisième unité, qui mettait l'accent sur le mécénat, était à nouveau un projet individuel - chaque étudiant a conçu un petit zine sur un mécène (individuel ou corporatif) et les œuvres associées à ce mécénat. Cela a permis aux étudiants de combiner la recherche savante avec la communication visuelle et verbale visant un public plus large et non savant.

    La mission de la quatrième unité s'est avérée la plus intensive et la plus productive. Les étudiants ont été placés dans des discussions de groupe sur la plate-forme de gestion de cours (Canvas). Chaque groupe s'est vu attribuer un texte source en traduction et une œuvre d'art narratif. Il leur a été demandé de lire leur source principale (tous étaient des textes littéraires avec des éléments narratifs), et d'étudier les images, puis de répondre, dans un forum de groupe, à une série de cinq questions que je leur ai posées sur la relation entre la façon dont les éléments narratifs ont été traités dans les textes verbaux et visuels. L'écriture qu'ils ont faite pour cette mission dépassait de loin la qualité habituelle de l'analyse de texte et d'images pour les articles de premier cycle, peut-être en partie parce qu'ils savaient que leurs pairs voyaient ce qu'ils écrivaient, et en partie à cause de la nature cumulative et itérative de l'écriture. Il s'agit d'un devoir que je pouvais facilement voir reproduire dans tous mes cours, et les étudiants ont convenu avec moi que cela les a amenés à écrire beaucoup plus profondément et de manière réfléchie qu'ils n'avaient l'habitude de le faire.

    Le projet de l'unité finale était beaucoup moins structuré et a été conçu pour exploiter les forces des étudiants en tant qu'artistes et designers. Ils ont été invités à choisir un mode de production individuel ou collaboratif, un sujet lié au matériel de cours, et un résultat que cette approche ouverte, j'ai trouvé, ne fonctionne que lorsque les étudiants sont déjà à l'aise avec le processus de recherche, ayant fait plus d'échafaudage travailler plus tôt dans le cours. Cette mission particulière, pour moi, était cruciale pour déterminer si les étudiants avaient vraiment atteint les objectifs du cours : les compétences de recherche et de communication, la base de connaissances et la compréhension du Moyen Âge comme hétérogène, diversifié et décentré.

    Voici un lien vers le programme, que tout le monde est invité à piller, mais si des portions importantes sont utilisées, j'aimerais qu'on me le reconnaisse.

    Les étudiants et leur travail

    J'avais vingt-huit étudiants inscrits dans la classe, et tous sauf deux sont restés jusqu'à la fin du trimestre. Malheureusement, les deux étudiants qui ont abandonné représentaient des groupes POC, ce qui a considérablement réduit la diversité culturelle de la classe. classe, un fait que, si je l'avais su avant qu'il ne se retire, j'aurais fait tout mon possible pour atténuer. J'ai eu l'impression que c'était un exemple typique de la façon dont les étudiants de l'URM ne bénéficient souvent pas des programmes de soutien aux étudiants simplement parce qu'ils ne savent pas qu'ils peuvent demander de l'aide. Dans les futures versions des programmes pour tous mes cours, je prévois d'ajouter un langage encourageant les étudiants à s'affirmer lorsqu'ils demandent de l'aide de moi, de leur conseiller pédagogique et des services aux étudiants en cas de conflit avec des obligations familiales ou professionnelles. Cela peut sembler un peu tangent au sujet ici, mais étant donné que l'une de mes ambitions pour la classe était de rendre l'étude du Moyen Âge plus accueillante pour les étudiants ordinairement exclus de l'image blanche et chrétienne de l'époque, c'était frustrant de perdre même un tel étudiant de cette façon.

    Les « débriefings » trihebdomadaires étaient l'un des éléments qui, selon moi, fonctionnaient extrêmement bien pour moi et pour les étudiants. Un indicateur du succès de cette méthode de rétroaction et d'autoréflexion basée sur le dialogue était les « évaluations de l'apprentissage par les étudiants sur les objectifs pertinents » dans les évaluations du cours IDEA à la fin du semestre 100 % des répondants (environ 73 % des classe) ont évalué leur réussite à 4 ou 5 sur une échelle de 1 à 5. Plusieurs étudiants m'ont dit, ou dans leurs sondages, qu'ils appréciaient l'opportunité qu'ils avaient de critiquer le matériel de cours et les devoirs.

    Un autre indicateur de l'atteinte des objectifs d'apprentissage par les élèves était la qualité du travail que les élèves produisaient, à la fois en classe et comme devoirs, qui s'améliorait régulièrement tout au long du semestre, tant en termes de contenu écrit que visuel. Une tâche commune aux cinq unités était que les étudiants devaient prendre des notes manuscrites sur les réunions de classe et sur toutes les lectures et vidéos. Je leur ai donné une critique individuelle sur ces notes, mais j'ai également inclus des observations générales dans les comptes rendus, et presque les étudiants prenaient de meilleures notes, plus utiles à la fin du semestre qu'ils n'en avaient pris au début.

    J'ai déjà mentionné certains des travaux que les étudiants ont produits pour les principaux travaux associés à chaque unité. Voici quelques exemples:

    Unité I : Essais de catalogue – les quatre exemples ici représentent le meilleur travail des élèves de la classe. Accédez-y ici.

    Unité II : Présentations thématiques – Il s'agissait de présentations PowerPoint accompagnées de commentaires des partenaires qui les avaient créées. Il est un peu difficile de capturer l'expérience sous une forme statique la prochaine fois que j'utiliserai la technologie de capture de conférence pour obtenir leurs performances en direct ! Accédez-y ici.

    Unité III : Mini-zines de mécénat – Ces projets individuels ont permis aux élèves de se concentrer sur certaines des œuvres d'art qu'ils avaient rencontrées dans l'unité et sur les personnes associées à leur production. Ils ont également dû résoudre certains problèmes de conception sur la façon de transporter le matériau. Je pense que le défi technique était un peu important pour certains d'entre eux, même en utilisant le modèle que j'ai fourni.

    Unité IV : L'art narratif en mots et en images – Ce projet était complexe et interactif, il est donc un peu difficile à illustrer. Chaque groupe de 4 à 5 étudiants avait un texte source principal et une œuvre d'art avec un contenu narratif, et je leur ai posé une série de questions, auxquelles ils ont répondu sous forme de discussion. L'écriture que certains d'entre eux ont faite pour cette mission m'a époustouflé en termes de perspicacité, de finesse de description visuelle et de réflexion critique sur la narration. Les couples étaient :

    • La chanson de Roland et la broderie de Bayeux
    • La Vie de Saint Alexis et l'Alexis Quire du Psautier d'Albani
    • L'Auto de los Reyes Magos et les chapiteaux du cycle de l'Enfance de la salle capitulaire de la collégiale Saint-Lazare, Autun
    • Le Chevalier de la Charette Chrétien de Troyes et Modène, archivolte de la Porta della Pescheria

    Et les questions, qui ont été posées sur une période de deux semaines et demie, étaient de cette nature :

    Même en traduction, vous pouvez avoir une idée des éléments de style littéraire de répétition, de métaphore, d'exagération, de diminution, de témoignage, de questionnement… n'importe lequel d'entre eux pourrait être la marque d'un style littéraire. Quelles sont les caractéristiques stylistiques du texte et comment se rapportent-elles à son sujet ? Comparez-les au style artistique du récit pictural. Les éléments du style artistique peuvent inclure le style de la figure (naturaliste, exagéré, enfantin), le style draperie/vêtement (à motifs, plié, bouclé, flottant), le cadre spatial (profond, peu profond, implicite, représenté), la représentation du temps (épisodique, continue, "retour en arrière"). Les récits verbaux et picturaux sont-ils similaires ou différents dans leurs styles, et pourquoi cela pourrait-il être le cas ?

    Unité V- Ces projets étaient divers, bien que je pense que mon préféré était une poupée au crochet qui pouvait être vêtue de divers costumes historiquement précis pour représenter une gamme de différentes femmes médiévales (allant de l'Asie centrale à l'Irlande) qui étaient des mécènes et des connaisseurs connus des arts. Un livre de cuisine qui explorait la cuisine médiévale du point de vue d'un graphiste était également plutôt cool. Accédez-y ici.

    Dans l'ensemble, j'ai été assez satisfait de la révision du cours. Naturellement, les retours des étudiants m'ont donné plein d'idées d'amélioration et de rationalisation. Comme d'habitude, j'ai surchargé les étudiants de lectures, et je réduirai celles-ci à l'avenir, en remplaçant les lectures impopulaires par du matériel plus pertinent en même temps. Le projet de zine a également besoin de beaucoup d'ajustements - le transformer en quelque chose de plus artisanal pourrait susciter une créativité supplémentaire et permettre aux étudiants de passer plus de temps à faire des recherches sur leur sujet et à écrire de la bonne prose, et moins de temps à essayer de comprendre comment formater le livret. J'aimerais également introduire au moins une mission de recherche/communication majeure qui se concentre plus spécifiquement sur le multiculturalisme et sur la connexion médiévale-moderne.

    Les projets finaux à réponse créative m'ont donné une bonne idée de la façon dont les étudiants en étaient venus à comprendre le Moyen Âge au sens large, c'est-à-dire s'ils avaient un sens de la continuité historique et de la particularité géographique, s'ils avaient développé une appréciation de la diversité des cultures et les peuples, et ce qu'ils avaient appris sur les contextes de production et d'utilisation des arts visuels. Contrairement à un examen final, où je pouvais leur demander de révéler cet apprentissage à travers des questions pointues, je devais m'appuyer sur eux pour produire cette information. Cela m'a frappé combien d'entre eux l'ont fait, sans incitation spécifique.

    D'un autre côté, le fait que le cours soit si modulable et qu'il manque l'exercice final et fédérateur d'un examen, a fait que je me sentais moins confiant sur les acquis de certains élèves que je ne l'aurais souhaité. Les étudiants qui ont produit le livre de cuisine, par exemple, n'ont pas clairement démontré qu'ils comprenaient qu'il y avait différentes cultures alimentaires (et donc différents récipients et ustensiles pour cuisiner et manger) tout au long de la période considérée. Pour résoudre ce problème, à l'avenir, je pourrais imposer des contraintes supplémentaires au projet de réponse créative et introduire un élément dans sa rubrique de notation qui examine spécifiquement ces objectifs d'apprentissage.

    Deux étudiants du cours, ma majeure en mathématiques et statistiques (maintenant une mineure en histoire de l'art) et une majeure en éducation artistique au BFA, ont transformé leurs derniers projets d'engagement créatif en projets de recherche indépendants, et cela, pour moi, est un majeur signe de réussite. Leur curiosité était si suffisamment éveillée qu'ils l'ont poussée au-delà du semestre et de la salle de classe/d'un crédit.

    Une question qu'un certain nombre de collègues historiens de l'art médiévistes ont soulevée avec moi lorsque j'ai discuté de mon approche de cette révision est de savoir si cela ne "dilue" pas le contenu historique de l'art vraiment important. Il est vrai que mes élèves n'apprennent pas forcément les éléments architecturaux d'un portail roman, et ils peuvent ne pas être en mesure d'identifier des chefs-d'œuvre spécifiques comme le Triptyque de Stavelot ou le Psautier de Louis IX. Ils auraient du mal à rédiger un examen de rédaction sur le rôle de l'abbé Suger dans le développement précoce du style gothique en architecture. Mais je ne suis pas sûr que ce soit nécessairement un inconvénient, et cela pourrait même être un avantage à certains égards. Ne pas être lié à un ensemble particulier de chefs-d'œuvre reconnus et ne pas avoir mémorisé de récits en conserve sur le changement à travers le temps leur permet de regarder tous les produits des cultures visuelles médiévales d'une manière plus équilibrée qu'ils peuvent apporter à n'importe quel travail, même insignifiant ou difficile de le classer peut-être sous les schémas habituels de l'histoire de l'art, la même attention critique, la même ouverture à la possibilité que cette chose, cet objet ou bâtiment ou fragment, puisse avoir quelque chose à dire. Je reconnais que quelque chose est perdu, je pense toujours qu'il est important de savoir qui était l'abbé Suger et ce qu'il a écrit (et je ne le laisse pas entièrement en dehors du cours). D'autre part, en ce moment où notre domaine lutte pour lutter contre une identification au blanc, à l'eurocentrisme chrétien (au minimum, et au suprémacisme blanc violent au pire), je pense que nous devons être particulièrement disposés à examiner chaque potentiel schibboleth de notre pratique d'enseignants et d'érudits. Et si l'histoire de l'art médiéval commençait loin de Rome ? Et si l'art du Moyen Âge européen était autant le produit des relations commerciales avec l'Asie et l'Afrique que le résultat de concepts théologiques latins érudits ? Des études récentes sur la matérialité médiévale nous ont orientés vers ces questions. L'une des lectures préférées de mes étudiants était l'essai de Sarah Guérin, "Avorio d'ogni ragione: the supply of elephant ivory to north Europe in the Gothic era". Nous le devons à à nos étudiants d'enseigner l'histoire de l'art médiéval à la fois telle qu'elle est pratiquée par les plus grands érudits aujourd'hui et telle que nous souhaitons la voir pratiquée à l'avenir.

    Plus tôt, j'ai déclaré que je voulais que mes étudiants quittent le cours avec un apprentissage transférable sur le multiculturalisme, sur la manière dont les récits historiques façonnent le présent et sur la façon dont l'étude du Moyen Âge pourrait les aider à voir au-delà des stéréotypes désinvoltes. d'identité et d'ethnicité qui façonnent une grande partie du discours qu'ils rencontrent dans les médias. Ai-je réussi cela ? Une longue discussion au cours de l'avant-dernière semaine de classe, alors que nous parlions des Juifs urbains en Espagne et en Allemagne aux XIIIe et XIVe siècles, m'a conduit à croire qu'au moins les graines avaient été plantées. Peu de mes étudiants ont déjà rencontré des Juifs (ou s'ils l'ont fait, ils n'en ont pas été conscients), et ils m'ont parsemé de questions sur la relation entre la diversité historique des Juifs médiévaux et l'hétérogénéité juive moderne. Peu de gens avaient même entendu parler des Juifs « ashkénazes » et « sépharades » (beaucoup moins mizrahi ou éthiopiens), et aucun n'avait eu connaissance de l'histoire de la présence juive en Europe occidentale depuis l'antiquité. Ce qui a commencé comme une discussion sur les travaux universitaires de Nina Rowe est devenu une discussion révélatrice sur la politique moderne et le tribalisme religieux. Ils étaient visiblement excités et excités par tout cela, et je n'ai pas été surpris lorsqu'un étudiant a écrit, dans la partie à réponse libre de l'enquête sur les cours des étudiants, «Je ne m'attendais pas à ce qu'un cours d'histoire de l'art médiéval m'apprenne quelque chose sur le monde. aujourd'hui. Je suis une danseuse irlandaise, avec des racines celtiques, mais maintenant je vois tout le problème de la fierté de ma famille dans ces choses comme plus compliqué que je ne le pensais. »

    À propos du Collectif Matériel

    En tant que collaboration d'étudiants en culture visuelle, Material Collective cherche à favoriser un espace sûr pour des façons alternatives de penser aux objets. Nous visons la transparence dans notre pratique, et nous encourageons la même chose dans notre environnement institutionnel.


    Féminisme & Art

    Ce cours examinera l'impact de la pensée féministe sur les arts, à la fois en examinant le travail d'artistes femmes influencées par ces idées depuis les années 1960 et en examinant comment une lentille féministe peut changer la façon dont nous regardons l'art créé à travers l'histoire, et même la catégorie de l'art elle-même. Parce qu'il s'agit d'un vaste projet, cette leçon n'utilise qu'un ou deux exemples artistiques par thème, et les propose en relation avec des sujets susceptibles d'avoir été abordés dans les leçons précédentes, afin d'engager les élèves dans une réflexion critique plutôt que de tenter un récit historique.

    • Constructions et performances de la masculinité et de la féminité
    • Le personnel est politique et l'art est personnel et politique
    • Histoire, mythe et narration : déconstruits et reconstruits

    Chronologiquement, « l'art féministe », une catégorie d'art créée par des femmes alignant consciemment leurs pratiques artistiques avec la politique du mouvement des droits des femmes et la théorie féministe, a émergé à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Cela signifie qu'un cours sur le féminisme aura lieu assez tard dans le semestre, voire dans la dernière moitié du dernier jour, voire pas du tout. Une conférence sur l'art féministe peut être une bonne occasion de réfléchir au récit de l'histoire de l'art qui s'est déroulé au cours du cours et de montrer comment des cours plus avancés ou des études continues en histoire de l'art pourraient compliquer considérablement cette histoire.

    Considérez le matériel antérieur couvert par le cours : comment les femmes sont-elles apparues dans le cours ? En tant que sujets principalement, en tant que mécènes occasionnellement, et très rarement en tant qu'artistes, écrivains ou figures de pouvoir. Qu'avons-nous appris sur la vie et l'impact des femmes à travers l'histoire grâce aux ressources en ligne utilisées au cours du semestre, comme la chronologie de l'histoire de l'art du Metropolitan Museum of Art ou l'histoire du monde en 100 objets de la BBC ? Pourquoi cela pourrait-il être?

    Utilisez cette invite pour lancer une discussion sur les nombreuses façons dont les préjugés sexistes peuvent affecter notre compréhension de l'histoire. Demandez à vos élèves de prendre quelques minutes en groupe pour répondre à la question ci-dessus, en se référant à des exemples concrets du cours, avant de se regrouper en classe. En groupe, essayez de dresser une liste des limitations matérielles/économiques/sociétales du rôle des femmes à différentes périodes, ainsi que les préjugés des historiens et des évaluateurs contemporains d'« importance » qui croient souvent que leurs critères de ce qui est important sont universelle, sans reconnaître comment leur jugement est façonné par les particularités de leurs positions privilégiées. Notez également les préjugés de catégories et de valeurs, tels que la hiérarchie de la peinture (avec les scènes de genre/femmes en bas) ou les hiérarchies des médiums eux-mêmes, avec la peinture « artisanat » en bas.

    Un autre effet des préjugés sexistes dans nos récits historiques peut être illustré par une diapositive de la leçon de Préhistoire, montrant un professeur blanc contemporain démontrant comment les peintres rupestres souffleraient de la peinture autour de leur main, ainsi qu'une discussion sur l'analyse scientifique récente montrant que ces Les « signatures » des premiers peintres rupestres étaient principalement fabriquées à partir de mains de femmes.

    Montrez la diapositive aux élèves et demandez-leur s'ils s'en souviennent (si elle est apparue plus tôt). Demandez-leur si quelque chose leur a semblé étrange quand ils l'ont vu pour la première fois. Et maintenant, dans le cadre de ce cours ? Si vous n'obtenez pas de réponses, vous pouvez commencer à les inciter à réfléchir à qui était susceptible de commander ou d'utiliser l'image (scientifiques, professeurs) et à quel point la figure « de remplacement » pour les artistes originaux de toute l'histoire de l'humanité se tourne vers le stéréotype d'un professeur ou d'un scientifique, suggérant visuellement que les femmes et les minorités étaient des candidats peu probables pour remplir l'un ou l'autre des rôles. Ensuite, distribuez ou faites un lien hypertexte vers un article faisant état des nouvelles découvertes et demandez à la classe de le lire rapidement. Qu'est-ce qui les frappe dans l'article, quelles sortes d'hypothèses sous-tendent la surprise qu'il exprime ? Comment la diapositive et le ton de la révélation dans l'article sont-ils liés ?

    Lectures de fond

    Yoko Ono, Pièce coupée, 1964, Spectacles.

    Certaines lectures de base pour les enseignants qui sont à la fois des textes fondateurs de l'histoire de l'art féministe et abordent diverses applications du sujet décrit ci-dessus (femmes artistes, jugements de valeur historiques de l'art, inscriptions subtiles du pouvoir et de la différence sur les biographies d'artistes contemporains) comprennent :

    Linda Nochlin, « Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes ? » ARTnouvelles (janvier 1971), 22-39, 67-71.

    Griselda Pollock, “Interventions féministes dans les histoires de l'art” (1988), in Eric Fernie, éd., L'histoire de l'art et ses méthodes (Londres : Phaidon Press, 1995), 296-313.

    Anna Chave, “Le minimalisme et la rhétorique du pouvoir,” Arts 64:5 (janvier 1990), 44-63.

    Si le manuel de l'enquête comprend une section sur l'art féministe, vous pouvez l'inclure pour la lecture de base des étudiants, bien qu'elle soit susceptible d'être assez courte. En guise de préparation à la discussion en classe, le Brooklyn Museum’s Curatorial Overview for Judy Chicago’s Le dîner donne non seulement un excellent historique de l'œuvre, mais un bon aperçu du contexte artistique d'où elle a émergé, ainsi que de nombreuses stratégies féministes utilisées dans cette œuvre et d'autres œuvres féministes au fil des décennies. S'il s'agit d'un devoir de lecture, la section de cours sur The Dinner Party pourrait être repensée afin que les étudiants soient chargés de présenter des idées spécifiques (révisionnisme historique, travail des femmes, imagerie « noyau central », etc.). Pour une introduction plus courte et plus générale, Blake Gopnik's compte rendu de l'exposition WACK! est une polémique animée, et peut être utilisé pour susciter un débat ou inspirer des travaux d'écriture « de style critique ».

    Les ressources vidéo se divisent en deux catégories : sur les pratiques des artistes, comme Art21, qui présente des artistes associées aux féministes telles que Nancy Spero, Kara Walker et Kiki Smith, et des vidéos produites par des musées, comme cette excellente interview avec Wangechi Mutu ainsi que le une multitude d'œuvres d'art de performance et vidéo originales disponibles sur YouTube et UbuWeb. (Une autre ressource vidéo incroyable, les interviews non coupées utilisées pour !Women Art Revolution, sont hébergées par Stanford et parfaites pour rédiger un rapport de classe/un devoir de recherche.)

    Le plus concis et idéal pour un aperçu avant la classe pourrait être le Tate’s récemment publié "Où sont les femmes?" avec Filles la star et peintre en herbe Jemima Kirke. À la fin de la vidéo, elle soulève la question de « l'histoire de l'art révisionniste », notant que la meilleure façon d'aborder l'effacement des femmes de l'histoire fait encore l'objet d'un vif débat. Il s'agit d'un débat que vous pourriez choisir d'avoir à la fin du cours ou via une réponse écrite par la suite.

    Suggestions de contenu

    Déconstruction : méthode d'analyse critique du langage philosophique et littéraire qui met l'accent sur le fonctionnement interne du langage et des systèmes conceptuels, la qualité relationnelle du sens et les hypothèses implicites dans les formes d'expression. (via Merriam-Webster)

    Art féministe : œuvre qui s'enracine dans les analyses et les engagements du féminisme contemporain et qui contribue à une critique des rapports de force politiques, économiques et idéologiques de la société contemporaine. Ce n'est pas une catégorie stylistique ni simplement un art produit par des femmes. (via Grove Art en ligne)

    Révisionnisme historique : la réinterprétation des points de vue orthodoxes sur les preuves, les motivations et les processus de prise de décision entourant un événement historique. Bien que le mot « révisionnisme » soit parfois utilisé de manière négative, la révision constante de l'histoire fait partie du processus savant normal d'écriture de l'histoire. (via Wikipédia)

    Performativité : terme interdisciplinaire souvent utilisé pour désigner la capacité de la parole et des gestes à agir ou à consommer une action, ou à construire et accomplir une identité. La performativité renverse l'idée qu'une identité est la source d'actions plus secondaires (discours, gestes). Au lieu de cela, il enquête sur la construction des identités telles qu'elles sont causées par des actions, des comportements et des gestes performatifs. La performativité problématise les notions d'intention et d'agence, elle complique la constitution du genre et des sujets. (via Wikipédia)

    Postmodernisme : une multitude de mouvements de la fin du XXe siècle, dont beaucoup dans l'art, la musique et la littérature, qui réagissent contre les tendances modernistes et sont généralement marqués par la renaissance d'éléments et de techniques historiques. Le postmodernisme est souvent associé à la déconstruction et au post-structuralisme parce que son utilisation en tant que terme a gagné en popularité en même temps que la pensée post-structurelle du XXe siècle. (via Wikipédia)
    Féminisme s'est d'abord manifestée dans les arts sous la forme d'une éruption soudaine de questions et de critiques - un réveil parmi les femmes artistes, écrivains et penseurs qui pensaient avoir de sérieuses raisons de remettre en question l'idée que les femmes étaient naturellement moins talentueuses, moins motivées ou moins intéressées. intéressant que les hommes. Au lieu de cela, ils ont fait valoir que les femmes avaient été systématiquement et structurellement éloignées des voies de la réussite, mais aussi que même lorsqu'elles surmontaient ces limitations, leurs réalisations étaient d'une autre manière cooptées, ignorées ou effacées et, enfin, que la notion de réussite était elle-même relatif et défini par des valeurs masculines.

    Au cours de ce cours, nous examinerons l'impact de cette réflexion sur les arts - pas seulement l'art créé par des femmes, mais l'ensemble du domaine - car il a été contraint de repenser certains de ses principes de base et ses croyances les plus chères à son sujet. Au lieu d'être simplement perçu comme retraçant, préservant et célébrant les grandes réalisations culturelles de l'humanité, le féminisme a forcé la théorie de l'art et l'histoire à considérer les rôles qu'elles auraient pu jouer, en séparant l'art comme une catégorie spéciale et élevée de production humaine prédominée par des artistes masculins. , critiques et mécènes, en créant l'impression que les femmes étaient inférieures, non seulement dans les arts, mais dans tous les aspects élevés de la réussite humaine.

    Les idées clés de cette conférence peuvent être explorées en une heure et quinze minutes à travers une variété d'exemples énumérés ci-dessous par thème, comprenant:

    Constructions et performances de la masculinité et de la féminité

    Pour comprendre les perturbations causées par le féminisme, il est utile de réfléchir au contexte de la culture américaine juste avant que le féminisme ne prenne de l'ampleur. D'une part, les années 50 et 60 en Amérique avaient peut-être certaines des idées les plus rigides de ce qui était un comportement approprié et acceptable pour chaque sexe depuis l'ère victorienne, et dans l'Amérique d'après-guerre, l'essor de la télévision et de la culture des médias de masse a permis à ces idéaux à naturaliser et à diffuser largement, indépendamment de leur degré d'atteinte ou de leur véracité par rapport à l'expérience réelle des gens. Par exemple, l'idée que toutes les femmes pouvaient ou devaient être des femmes au foyer heureuses était un message puissant à travers le pays, malgré le fait que les femmes s'étaient révélées capables de travailler dans une variété de domaines pendant la Seconde Guerre mondiale, et que les femmes pauvres et les femmes de couleur n'avaient jamais été vraiment pris en compte dans ce fantasme de féminité.

    En même temps que les attentes et les expériences des gens étaient fortement contrôlées en fonction du genre, les valeurs du grand art étaient centrées sur le potentiel universel et transcendant de l'abstraction - l'idée, comme nous en avons parlé à propos de l'expressionnisme abstrait, que l'art était signifié être un médium purement visuel, uniquement sur lui-même et son propre potentiel d'innovation, et en tant que tel une expression de la créativité humaine, de la liberté et de l'existence en termes abstraits et universels. L'art « sur » quelque chose de spécifique était considéré comme trivial et l'implication était claire que ceux qui n'étaient pas émus par l'art abstrait n'étaient tout simplement pas suffisamment évolués culturellement pour l'apprécier, plutôt que cela pourrait ne pas être aussi pertinent pour les expériences de certaines personnes que pour autres'.

    • Jackson Pollock au travail dans son atelier, 1950. Photographie de Hans Namuth
    • Carolee Schneeman, Corps des yeux : 36 actions transformatrices, 1963, Peinture, colle, fourrure, plumes, serpents de jardin, verre et plastique avec l'installation du studio “Big Boards. Photographie d'Erró

    (Pour plus de détails sur ces travaux, voir cette interview.)

    Selon votre préférence, présentez peut-être ces deux images côte à côte sans identifier d'abord les légendes, et invitez la classe à réagir à ce qu'elle voit à l'écran. Commencez par une discussion de comparaison et de contraste de l'image de Schneeman par rapport à celle de Pollock, qui sera vraisemblablement un matériau familier et récemment couvert.

    Que regardons-nous dans l'image de Schneeman ? Peintures collées à plusieurs panneaux, avec des éléments du monde réel (à la Rauschenberg) inclus dans la structure. Dans chacune des séries de photos, le corps peint nu de l'artiste est présenté dans le cadre des tableaux. L'œuvre de Schneeman devient instable, un ensemble évolutif d'images potentielles activées par sa performance, et son corps et sa différence refusent d'être transcendés - son corps est incrusté, incrusté dans la surface de l'œuvre tout comme la masculinité de Pollock avait été lue dans ses peintures, mais sans jamais avoir à se rendre visible.

    Vous vous souvenez peut-être que nous avons parlé de la façon dont les peintures au goutte à goutte de Pollock étaient interprétées comme des peintures modernistes ultimes, tout sur la peinture et la planéité, comme des dépôts psychologiques d'angoisse artistique ou des coulées existentielles quasi-spirituelles de son être intérieur, mais aussi comme des Action Paintings : la toile comme une « arène sur laquelle agir ». Dans le contexte de Pollock, toutes ces interprétations ont été exprimées dans les termes les plus masculins – bravoure, faire face à l'abîme, attaquer un adversaire (notez que ce n'est pas une scène pour danser, mais une arène, comme un match de boxe). La prochaine génération d'artistes serait inspirée par l'idée du corps lui-même faisant partie de l'œuvre, ou le médium de l'art lui-même, mais les artistes féministes en particulier se concentreraient sur la performance du corps en tant que corps non seulement, mais toujours comme un un corps genré qui est lu différemment, censé avoir certaines qualités et certains comportements, et donc tenu d'interagir, de jouer et de vivre le monde différemment. Ce fait que le corps de l'artiste joue un rôle dans son travail, ainsi que l'idée de l'art comme une performance plutôt qu'un objet, sont portés à leur point culminant littéral dans la série de photographies dirigée par l'artiste Carolee Schneeman intitulée Corps des yeux : 36 actions transformatrices (1963).

    (Voir ici pour plus d'informations.)

    Carolee Schneeman, qui a été formée et se considère principalement comme une peintre, a continué à travailler de manière à brouiller les frontières entre les formats statiques et temporels. Elle était à l'avant-garde des Happenings et de l'art de la performance au début des années 1960, se produisant dans des œuvres telles que Claes Oldenburg’s Jours de magasin (1962), Robert Morris’s Placer (1964), et diriger et jouer dans sa propre exubérante Viande Joie (1964). Elle a ensuite commencé à faire des films expérimentaux colorés à la main, très texturés et mélangés à des images abstraites et très spécifiques et très personnelles (le plus célèbre, Fusibles, 1965). Alors que son travail est maintenant considéré comme révolutionnaire, au début de sa carrière, elle a été confrontée à de nombreuses discriminations de la part du monde du cinéma d'avant-garde, qui était encore plus un club de garçons que de la peinture. Comme la peinture sous l'influence de Clement Greenberg, les films d'art avaient poussé à l'extrême l'idée de spécificité du médium, de sorte que les films les plus appréciés portaient sur les aspects techniques de la réalisation cinématographique, comme le zoom ou le montage, ou sur les conditions de projection du film. , comme la lumière et l'obscurité, ou la saleté s'accumulant à la surface de la bande de film.

    L'œuvre la plus largement reproduite de Schneeman, Parchemin intérieur (1977), est une performance au cours de laquelle elle se démêle et lit un texte depuis son vagin. À travers les images seules, cette pièce semble être très ancrée dans l'expérience du corps, sur la nature et la fertilité de l'utérus, mais le texte que Schneeman lit n'a rien à voir avec les vagins, les utérus ou la fertilité, comme vous pouvez le voir sur le extrait à l'écran [demandez peut-être aux étudiants de lire à haute voix, ou l'instructeur peut lire à haute voix et demander une interprétation/un résumé en réponse]. Le texte est vraiment une réponse sarcastique et pointue aux systèmes de valeurs genrés du monde de l'art, qui peuvent se poser comme neutres mais ont été mis en place pour privilégier les voix masculines et ne permettre aux femmes de parler que si elles acceptent de parler comme des hommes. Schneeman remet en question ce qui lui a semblé (ainsi qu'à d'autres) être l'effet secondaire suspect du modernisme greenbergien et du minimalisme et du conceptualisme linguistique qui ont suivi. C'est-à-dire que l'époque où il a été possible pour la première fois pour les femmes et les minorités de trouver une voix dans la culture plus large et d'accéder aux salles raffinées du grand art a coïncidé avec une poussée pour que l'art n'ait pas de récit, soit quelque chose de purement esthétique ou conceptuel sur le nature de l'art, plutôt que l'histoire de l'artiste ou être entièrement sur l'interprétation par le spectateur d'une proposition analytique abstraite au lieu de refléter l'expérience personnelle de l'artiste.

    (Discussion approfondie ici, réflexions de l'artiste ici)

    La performance est devenue un médium privilégié pour les artistes féministes parce qu'elle était à la fois nouvelle, sans une longue histoire qui les excluait, comme celle de la peinture, mais aussi parce qu'elle a toujours mis en avant le degré auquel l'expérience est basée sur des corps différenciés par le sexe, ainsi que par la race. , la classe et d'autres catégories qui divisent socialement. Ces deux performances puissantes ont émergé presque au même moment de ce que l'on pourrait qualifier d'intérêt non sexiste pour l'art conceptuel, c'est-à-dire de créer une œuvre en utilisant des instructions comme moyen d'abandonner ou de limiter le contrôle de l'artiste sur l'œuvre. Les instructions de Yoko Ono pour sa pièce étaient les suivantes : "L'interprète est assis sur scène avec une paire de ciseaux devant lui. Il est annoncé que les membres du public peuvent monter sur scène, un à la fois, pour couper un petit morceau de vêtement de l'artiste et l'emporter avec eux. L'interprète reste immobile tout au long de la pièce. La pièce se termine au choix de l'interprète. La pièce de Vito Acconci est basée sur la règle autodéterminée selon laquelle il choisirait un étranger marchant le long d'une rue publique et le suivrait jusqu'à ce qu'il se rende dans un lieu non public, une activité qui pourrait durer de quelques minutes à huit heures.

    Comment interpréteriez-vous chacune de ces pièces séparément ? Quels types de métaphores et d'idées philosophiques chacune mobilise-t-elle ? En quoi cet abandon du contrôle signifie-t-il différemment ? Comment le corps genré des artistes affecte-t-il notre lecture de ces pièces ? En quoi leurs symbolismes et leurs affects sont-ils différents ?

    Les deux étudient les questions de contrôle et d'ego ainsi que la relation entre l'individu et les autres dans un domaine social/relationnel, mais en comparaison suggèrent également des oppositions telles que la passivité contre l'agressivité. Il est intéressant de noter que l'idée d'Acconci d'abandonner le contrôle ressemble à du harcèlement et que celle d'Ono ressemble à une soumission. Est-ce à cause de la façon dont ils ont construit leurs expériences pour contourner le contrôle, ou à cause de la façon dont nous lisons leur corps en action ? Cela pourrait être un peu des deux. La pièce d'Ono peut être interprétée par un homme, et quand c'est le cas, elle se lit très différemment, mais jamais de façon inquiétante comme les photos d'Acconci. Mais quand c'est Ono sur scène, les implications résonnent dans diverses directions, et beaucoup se rapportent à un certain type de corps - les interprétations liées à la violence sexuelle ou à l'objectivation féminine sont des évocations courantes d'images sensibles de la Seconde Guerre mondiale de civils japonais avec leurs vêtements déchiquetés par l'explosion atomique et par l'escalade de la guerre du Vietnam sont également mis en jeu. Pourtant, Ono a également voulu remettre en question les systèmes de valeurs masculins occidentaux qui considèrent la soumission comme une faiblesse, et elle parle avec éloquence d'être influencée par les histoires du Bouddha et d'essayer de « produire un travail sans ego au lieu de donner au public ce que l'artiste choisit. donner, l'artiste donne ce que le public choisit de prendre » (déclaration de l'artiste).

    Le personnel est politique et l'art est personnel et politique (que ce soit évident ou idéologiquement naturalisé)

    En étudiant comment différents types de corps ont des expériences différentes dans le monde et conduisent à différentes interprétations et réponses aux œuvres d'art, les artistes féministes ont contribué à rendre visible la perspicacité puissante du slogan « Le personnel est politique », qui a été largement utilisé par les femmes. 8217s Mouvement des droits. Alors que les femmes de tout le pays se réunissaient pour parler de ce qui leur semblait être des expériences privées isolées - de l'abus sexuel à l'insatisfaction à l'égard des travaux ménagers - que la société avait tendance à considérer comme des échecs individuels de la part des femmes, elles ont réalisé que leurs problèmes « personnels » étaient en cause. fait largement partagé, et les aspects politiquement structurés de la société.

    De même, les femmes et les artistes minoritaires ont commencé à résister à l'idée que l'art ne serait valable que s'il luttait avec des concepts qui transcendaient le « personnel », surtout si parler d'expériences personnelles, mais partagées, avait le pouvoir d'unir des classes de personnes qui se sentaient isolées par le silence entourant tout ce qui différenciait leur expérience de «l'universel». Car si l'art devait être important dans la vie des gens, ne devrait-il pas pouvoir aborder des expériences hautement personnalisées et pourtant largement partagées telles que le sexisme et le racisme ? Si l'art a toujours fait appel à l'humain universel, il était voué à ignorer les défis et les exclusions spécifiques placés sur certaines catégories d'humains. En outre, la question s'est posée de savoir s'il y avait vraiment quelque chose d'universel et de neutre dans l'art lié à la logique mathématique ou à l'abstraction formelle, car ce sont tous des domaines qui ont été dominés par les forces (socialisées) de la classe supérieure, les hommes blancs. Peut-être que la sculpture minimaliste était tout aussi personnelle pour les hommes qui la fabriquaient, parlant des villes industrielles dont ils venaient, de leur formation technique et de leur penchant pour l'ingénierie, l'esthétique sobre et le dénigrement de l'émotivité.

    • Adrien Piper, Être mythique : croiser des femmes blanches n° 1 sur 3, 1975, Photographie de performance
    • Adrien Piper, Ma carte d'appel #1, 1986, Lithographie

    (Pour plus d'informations sur Piper et/ou une excellente occasion de discuter de Wikipédia et de la façon dont il crée et contrôle son contenu, voir sa Wiki-bio supprimée et reconstruite.)

    En tant que femme métisse à la peau claire travaillant d'abord dans le style de l'art conceptuel, avec des artistes qui s'intéressaient à l'art en tant que proposition logique et à l'art en tant que langage, Adrian Piper était particulièrement bien placée pour lutter contre l'universalité présumée de ces propositions abstraites. Alors que les artistes conceptuels considéraient leur travail comme politique dans sa résistance à la marchandisation et à la consommation facile, Piper a commencé à invoquer une politique plus personnelle, ce que nous pourrions appeler la politique « d'identité ».

    Piper a commencé par effectuer des actions étranges en public, comme Acconci, comme moyen d'enquêter sur les interactions sociales, par exemple, sortir avec un chiffon fourré dans la bouche ou recouvert de peinture humide et porter un panneau de peinture humide. Mais il est vite devenu clair pour elle qu'il n'y a pas de corps neutre, et donc travailler avec son propre corps, c'est travailler avec l'identité, les constructions identitaires et les définitions sociales. Piper était à l'avant-garde pour retourner la performance sur elle-même, en tant que commentaire sur la façon dont toute identité est performance, et en tant qu'outil pour considérer comment nous jouons tous des rôles les uns pour les autres en fonction des attentes sociales qui existent avant de réaliser ce que nous pourrait considérer nos personnalités uniques, innées ou autodéterminées.

    Dans Être mythique (excellent article à ce sujet ici), Piper se suridentifie au rôle le plus redouté par le monde de l'art - au lieu d'être la fille afro-américaine à la peau claire, jolie et sans danger, elle se présenterait comme un homme noir urbain à l'allure révolutionnaire. avec un afro.

    Piper a fait des performances habillées comme l'être mythique, allant aux vernissages des galeries, dansant à l'arrêt de bus et marchant dans les rues en marmonnant des lignes de son journal à elle-même encore et encore. Dans Croisière Femmes Blanches (1975), elle interprète le stéréotype à l'origine de la peur raciste des hommes noirs à l'affût des femmes blanches, et le renvoie sous forme de commentaire. À travers des photos destinées à un public de galeries, elle leur a montré leur propre vision du monde sous forme de caricature et d'imitation, une performance qu'elle a réalisée pour répondre à leurs fantasmes paranoïaques. Et quoi de plus personnel - à la fois la façon dont les gens sont typés et jugés sur leurs apparences, et les réactions du public traditionnel des galeries à l'éruption de la politique dans leurs espaces blancs immaculés ?

    Dans une œuvre ultérieure, Piper a de nouveau utilisé l'intervention artistique comme outil pour lutter contre ses expériences réelles avec le racisme et le sexisme, produisant des «cartes de visite» qu'elle distribuait discrètement dans des situations sociales, qui interpellent les gens sur un comportement raciste ou sexiste.

    • Martha Rosler, Ramener la guerre à la maison: House Beautiful (Giacometti), 1967-1972, Photomontage
    • Martha Rosler, Body Beautiful ou Beauty Knows No Pain (Cargo Cult), 1967-1972, Photomontage

    (Plus de discussion ici aperçu/examen de la rétrospective de l'artiste ici.)

    Ainsi, « Le personnel est politique » peut signifier que nos expériences personnelles, et le monde qui les façonne, sont intrinsèquement et ouvertement politiques, et cela peut être le fondement de mouvements politiques et la raison d'un changement politique (comme dans le Mouvement des droits des femmes, chercher des réponses politiques à l'inégalité des femmes).Mais « le personnel est politique » signifie également que chacun de nous, en tant qu'individu, existe dans un lien politique, agit en tant qu'être économique, social, politique et fait partie du corps politique qui agit en notre nom, que ce soit dans affaires locales ou internationales. Dans le contexte du mouvement des droits civiques, du mouvement anti-guerre, du mouvement des femmes et de la contre-culture, de la libération sexuelle et de la politique de gauche des années 60 et 70, « le personnel est politique » signifiait également que le niveau micro les choix que chacun de nous fait au quotidien sont inévitablement politiques au niveau macro et doivent être examinés. Alors que l'art féministe s'opposait à l'abstraction pour réintroduire le sujet et la critique politique ouverte dans le travail, la critique du sexisme pouvait être considérée en relation avec d'autres types de critique politique.

    Les collages de magazines de la fin des années 1960 et du début des années 1970 de Martha Rosler sont centrés sur le capitalisme américain et la mesure dans laquelle le désir, guidé par l'imagerie des médias de masse des magazines, de la télévision, du cinéma et de la publicité, stimule la consommation. D'une part, ce système contribue à créer et à tirer profit de notre poursuite d'idéaux sociaux restrictifs, hautement sexistes et généralement inaccessibles. D'autre part, cela nécessite l'économie agressive de la mondialisation et a stimulé la politique de la guerre froide, dans laquelle tout pays (comme le Vietnam) qui n'accepterait pas l'impérialisme économique américain serait confronté à l'impérialisme militaire américain.

    Les collages de Rosler sur les fausses promesses de la publicité utilisent la technique du photomontage mise au point par Hannah Hoch et d'autres dadaïstes pour créer des juxtapositions inconfortables. Sur la gauche, un intérieur luxueux, rempli d'art et serein, vendu par des magazines tels que House Beautiful comme la maison idéale pour laquelle nous devrions tous lutter, est entouré de champs de morts vietnamiens de Life Magazine. Quels sont les détails de ce salon qui ont du sens et comment cet intérieur soigneusement sélectionné peut-il aider l'artiste à faire valoir son point de vue, ou à approfondir ce point ? Une sculpture de Giacometti, souvent interprétée comme un cri existentiel contre la Seconde Guerre mondiale, devient juste une décoration, une marchandise pour ces collectionneurs d'art - ou ne voient-ils pas la relation entre les morts européennes et les morts vietnamiennes ? Une peinture moderniste sur le mur problématise également l'idée que la peinture moderniste est le meilleur espoir pour un potentiel politiquement avant-gardiste ou révolutionnaire dans l'art car elle devient facilement une belle décoration pour les maisons des riches, son radicalisme passé se dissipe avec le temps.

    Les collages de Rosler jouent également sur l'idée du conflit du Vietnam comme la « guerre du salon », ainsi appelée parce qu'il s'agissait de la première guerre largement couverte et diffusée par les journaux télévisés à une majorité croissante d'Américains disposant de téléviseurs chez eux. La question de savoir comment on pourrait voir de telles images de carnage, cependant, depuis le confort et la sécurité de la maison américaine et ne pas passer à l'action est une question à laquelle ces collages semblent se poser mais sont incapables de répondre.

    Sur la droite, les rituels de beauté des mannequins blancs parfaits sont collés sur des conteneurs d'expédition chargés par des hommes à la peau foncée d'endroits lointains sur des cargos, reliant le succès du capitalisme à concentrer les femmes sur la poursuite incessante de la perfection physique avec la poursuite incessante de moins cher marchés du travail dans le tiers monde.

    À travers ces collages et ses œuvres vidéo, Rosler montre clairement que le personnel ne pourrait pas être plus politique. Les stéréotypes et les idéaux que la société établit pour les femmes et les hommes ne nous façonnent pas seulement en tant qu'individus, mais ce processus de formation est guidé par les intérêts de la situation politique et idéologique plus large. Ici, vous pouvez mentionner la vidéo Martha Rosler lit Vogue (1982) comme une invite pour un travail d'écriture répondant et analysant les diverses critiques et stratégies de la vidéo.)
    Histoire, mythe et narration : déconstruits et reconstruits

    La capacité d'analyser, de critiquer et de repenser ce processus de mise en forme sous-tend une autre stratégie et un autre segment de l'art et de la théorie féministes. Les artistes féministes, d'autres artistes postmodernes critiques et de nombreux artistes travaillant aujourd'hui ont réalisé que les individus en viennent à se comprendre eux-mêmes et leur monde en relation avec des récits et des images qui les préexistent, et qu'ils sont façonnés par les préjugés et les intérêts de la société. Ainsi, leur travail en est venu à se concentrer sur les récits qui nous façonnent, en étudiant comment ceux-ci peuvent être mis à jour, détournés ou perturbés. Révision historique, comme nous en avons parlé au début du cours, et comme vous l'avez lu en relation avec Judy Chicago Le dîner, est une réponse aux ratures et aux absences de l'histoire qui pourraient faire croire aux femmes en leur propre infériorité.

    Si vous avez demandé aux élèves de lire l'aperçu de la conservation sur le site Web, profitez-en pour arrêter de donner des conférences et demandez-leur d'expliquer les aspects importants de ce projet. Pour rendre cela plus gérable et les responsabiliser, vous pouvez attribuer des résumés pour différentes sections à différents groupes du cours précédent, c'est-à-dire qu'un groupe partage les connaissances de l'artiste, un autre explique pourquoi l'utilisation des textiles et de la porcelaine était importante, un autre explique l'imagerie « noyau central », etc. Ou bien, vous pouvez guider une discussion morcelée : quels sont les sujets ou les enjeux soulevés par ce travail ? Quels sont les buts qu'elle poursuit ? Comment la forme de l'œuvre, les médiums et l'iconographie utilisés, et le mode de présentation se rapportent-ils à ses sujets et à ses objectifs ?

    Pour donner un contexte historique, rappelez aux étudiants que c'était avant les cours d'études sur les femmes, à une époque où l'un des professeurs d'université de Chicago se sentait à l'aise de déclarer que les femmes n'avaient apporté aucune contribution importante à l'histoire, et que le meilleur compliment que la plupart des professeurs d'art feraient conférer à leurs étudiantes était qu'elles "peignent si bien, [on] ne peut pas dire qu'une femme l'a fait".

    Lorsque Judy Chicago est devenue professeur d'art, elle a décidé de travailler avec un groupe d'étudiantes pour enquêter sur des questions telles que : à quoi ressemblerait l'art d'une femme si elle n'essayait pas de le faire ressembler à un homme ? Comment construire un langage visuel qui nous est propre, alors que toute l'histoire de l'art, tout l'éventail de la culture visuelle a été défini et organisé autour des idéaux et des réalisations des hommes ? Pourquoi le travail créatif des femmes et les médiums à leur disposition - tapisserie et textile, céramique et poterie, et autres objets d'artisanat - ont-ils été rabaissés, et pouvons-nous les amener dans la classification du grand art ? Et pourquoi l'histoire ne considère-t-elle que les réalisations individuelles, en se concentrant toujours sur les producteurs isolés et la création soudaine innovante, au lieu des réalisations collectives, traditionnelles et évolutives s'appuyant sur le progrès continu grâce au travail de plusieurs ? (C'est une compréhension plus précise des mouvements historiques, après tout.)

    Ainsi, après avoir créé le programme d'art féministe à l'Université d'État de Californie, Fresno en 1970, Chicago a commencé à travailler sur un projet en 1974 qui chercherait non seulement à réviser le canon occidental centré sur les hommes, mais à remettre en question de nombreuses valeurs qui l'accompagnaient. ce. Le dîner utilise l'imagerie du «noyau central» au lieu des formes phalliques pour unifier la table et les assiettes. Le travail a été produit par une communauté, avec de nombreuses mains et aides impliquées, et présente l'artisanat associé au travail des femmes.

    Non seulement une entreprise artistique massive, c'était un projet de recherche historique intense qui a permis de découvrir et de partager des connaissances sur plus de 1 000 femmes dont les histoires avaient été perdues. Rappelez-vous, c'était avant Google, donc trouver chaque nom et chaque information sur ces femmes était à plus d'un clic. Dîner sur Wikipédia. Source la plus courante de connaissances rapides sur un sujet, Wikipédia est créé par des soumissions de bénévoles et chaque article nécessite des matériaux faciles à trouver, ce qui signifie que le site reproduit souvent les préjugés des histoires traditionnelles et des rédacteurs bénévoles, qui sont principalement des hommes.

    (Plus d'informations sur ce projet sont ici, et un essai Smarthistory est ici.)

    Au lieu d'essayer de corriger le récit d'une histoire biaisée, de nombreux artistes critiques, en particulier à la fin des années 70 et dans les années 80, se sont de plus en plus intéressés à essayer de déconstruire la façon dont les histoires – histoires historiques, histoires médiatiques, reportages – contribuent toutes à façonner la façon dont les individus se présentent et se conforment ou jouent certains rôles.

    Le projet pluriannuel de Cindy Sherman Photos de film sans titre se compose de près d'une centaine de photographies, dont chacune semble être une image fixe d'un film mettant en vedette un protagoniste féminin solitaire. Quelles informations pouvons-nous recueillir à partir de chaque image ? Que pensons-nous savoir de ces femmes ? Et les films dans lesquels ils sont ? Pourquoi pensons-nous pouvoir faire ces suppositions ? Le caractère cliché de ces images nous rappelle que les signes extérieurs que nous lisons – vêtements, poses, éclairage, cadrage – sont lisibles parce qu'ils sont familiers, partagés par notre conditionnement social. Par conséquent, tout comme les alambics publicitaires peuvent s'appuyer sur ces signes pour dire au public à quoi s'attendre, en tant qu'individus, nous apprenons et nous nous positionnons ensuite par rapport à ces types de signes, ou performances de la personnalité. Cette performance, ainsi que sa flexibilité et sa maniabilité, sont clairement illustrées par le fait que Sherman était le modèle de toutes les 80+ images - se maquillant et se costumant et mettant en scène ses scènes afin qu'elle puisse être complètement convaincante comme chacun d'entre eux. ces femmes dans des projets de films entièrement fictifs et non réalisés.

    En montrant la même personne, ce sont des « autoportraits » de l'artiste, mais sans jamais montrer la « vraie » Cindy Sherman, ils remettent en cause l'idée d'un individu stable, figé, « réel ». Andy Warhol, qui avait sa propre critique de la culture médiatique, a déclaré dans une interview de 1966 : « Je ne sais pas où s'arrête l'artificiel et où commence le vrai. On voit ici l'impossibilité de construire une identité authentique en dehors de toutes les images artificielles dont nous sommes nourris, qui fournissent des modèles de féminité, d'américanité, de blancheur, de réussite, de séduction, etc. que nous utilisons pour construire l'identité.

    [Facultatif :] Comme Joseph Kosuth Une et trois chaises nous a montré (si ce travail a été couvert), nous ne pouvons identifier une vraie chaise que par rapport au mot « chaise », qui est un idéal sans équivalent dans la réalité. De même, nous nous comprenons et comprenons les autres par rapport à des idées abstraites qui ne peuvent jamais éviter de simplifier ou d'idéaliser la chose à laquelle elles se réfèrent.

    Le projet de Sherman offre de nouvelles perspectives sur la façon dont nous pensons à nous-mêmes en tant qu'individus et dans le cadre d'une société plus large. Nous nous habillons d'une certaine manière pour être perçus comme X ou Y. Les femmes en particulier à cette époque étaient invitées à remplir des rôles incongrus - la camarade de jeu sexuelle et la femme au foyer, la secrétaire et la mère dévouée - et découvriraient que même dans la vie individuelle, même si les restrictions sociales imposées aux femmes diminuaient, elles n'étaient alors pas libres de trouver un vrai moi authentique ou la véritable essence de la féminité sous tous ces vêtements et rôles. Au contraire, les individus semblaient être des accumulations de rôles, de performances, de signes que nous avons appris à dégager et qui disent aux gens ce qu'ils doivent penser de nous. Et tandis que les corps peuvent être biologiquement assignés comme masculins ou féminins, la performance de la féminité ou de la masculinité est quelque chose que nous apprenons, comme nous apprenons le langage, en tant que bébés imitant ce que nous entendons autour de nous. Par conséquent, il ne pourrait y avoir d'expérience essentielle ou universelle de ce qu'est être une femme, car la manière dont les femmes et les hommes sont appelés à effectuer des changements dépend du contexte dans lequel ces signes sont appris.

    Cependant, avec l'expansion rapide des images médiatiques au XXe siècle - photographies, puis films, puis télévision, en particulier dans le monde occidental et en Amérique en particulier - est devenue la capacité de l'industrie à contrôler et à capitaliser sur cette mise en forme des identités, proliférant rôles mais aussi homogénéiser les signes et les styles qui vont avec ces rôles. À bien des égards, c'était cette vision homogène et oppressante de la femme au foyer parfaite qui avait causé tant de femmes dans les années 50 et 60 à se sentir étouffées et finalement se rebeller en masse dans le mouvement des femmes. On peut soutenir que le travail de Sherman suggère que cet objectif de l'art féministe critique n'est pas de trouver une caractéristique, un style ou une iconographie essentiels et partagés qui parlent de manière véridique ou authentique de la féminité ou de l'expérience de la femme, mais de réaliser comment les idées de la féminité sont construites et diffusées dans le l'ère des médias, trouver des moyens de découvrir les mécanismes de contrôle et, ce faisant, saper leur efficacité.

    • Barbara Kruger, Sans titre (Nous ne jouerons pas à la culture de votre culture), 1983, et Sans titre (Nous n'avons pas besoin d'un autre héros), 1987, Photostats

    (Une discussion plus approfondie est ici et un bon aperçu et des images sont ici.)

    De même, les affiches rouges et blanches emblématiques de Barbara Kruger utilisent le langage visuel du marketing et de la conception de magazines pour contrer les idées mêmes qu'il est généralement utilisé pour promouvoir - le consumérisme, les relations de pouvoir, les rôles de genre stéréotypés, le culte de l'accomplissement individuel, l'autonomie et la mobilité ascendante. — qui marquent l'ethos américain, notamment lors du regain de conservatisme des années Ronald Reagan. Ayant travaillé comme chef designer pour Mademoiselle magazine, Kruger peaufine de manière subversive la combinaison d'images familières (souvent nostalgiques), trouvées en noir et blanc et de barres de texte de style slogan qui sont généralement utilisées pour vendre des produits de manière agressive, mais également calibrées pour vendre de manière subliminale des idées sur qui vous êtes en tant que lecteur, public, consommateur, etc. Kruger précise la manière dont la publicité nous demande de nous positionner par rapport aux idées qu'elle vend en utilisant toujours des pronoms personnels ambigus (nous, vous, eux, nous) dans ses textes. Cela signifie que le « nous » dans « Nous n'avons pas besoin d'un autre héros » est déterminé par l'imagination ou l'inclination de la personne qui le lit. Le « nous » prononcé par la petite fille aux nattes, par les femmes en tant que catégorie, par toutes les personnes qui lisent l'affiche, par tous les anti-héros ? Qui est le « vous » dans « Nous ne jouerons pas la nature avec votre culture » ? Quelle culture et pourquoi est-elle séparée de la nature ? À qui demanderait-on de jouer la nature et vous incluez-vous dans ce groupe ou dans l'autre ?

    Kruger n'identifie pas son travail comme strictement féministe, mais sur toutes les relations de pouvoir qui nous affectent en tant que sujets et auxquelles nous devons réfléchir de manière critique. Une autre façon dont son travail accomplit cette criticité expansive est de ne pas être contenue dans des musées ou des galeries, mais d'apparaître souvent sous forme de panneaux d'affichage, dans les bus, les rues de la ville et dans d'autres lieux publics, et sur des produits de consommation comme des t-shirts et des allumettes qui peuvent se déplacer. et interrompre notre acceptation quotidienne du statu quo.

    Cette expansion des stratégies critiques féministes pour englober un réseau élaboré de relations de pouvoir affectées par une gamme de formations identitaires (genre, race, classe, différence sexuelle) et de positions géopolitiques, et un désir d'intervenir dans des espaces et des systèmes publics non artistiques , marquent de plus en plus le travail des artistes contemporains. Ces artistes sont souvent moins enclines à s'appeler des artistes féministes, mais travaillent néanmoins sans vergogne avec et s'appuient sur des stratégies, des sujets, des médiums artistiques et des approches théoriques qui se sont épanouies à l'intersection du féminisme et de l'art dans les années 1960, 70 et 80.

    À la fin de la classe.

    Utilisez la séquence à la fin du cours pour amener la classe à résumer les stratégies, les sujets, les médiums et les approches théoriques trouvés dans les travaux traités en classe. Encouragez les élèves à les écrire afin qu'ils aient une liste à laquelle se référer plus tard.

    Selon que vous souhaitiez utiliser le travail post-classe pour étoffer le travail féministe historique ou indiquer la voie à suivre, vous pouvez demander aux élèves d'utiliser cette liste pour discuter des approches et des intentions féministes du travail vidéo ou des performances disponibles en ligne, ou pour examiner comment les stratégies et techniques féministes sont développées par les artistes contemporains pour aborder de manière critique d'autres problèmes que le genre.

    Pour la première approche, les élèves pourraient analyser le Martha Rosler lit Vogue, qui aborde de nombreux thèmes de la classe, ou choisissez une autre œuvre de la grande chronologie Bodytracks, souvent liée à YouTube. Vous pourriez leur demander d'identifier les stratégies, les thèmes et les critiques féministes présents dans l'œuvre, ainsi que d'y répondre dans une perspective contemporaine. Les enjeux sont-ils toujours d'actualité ? Comment sont-ils affectés ou non par les thèmes soulevés par l'artiste ?

    Pour la deuxième approche, abordant les modes contemporains de critique artistique liés au féminisme, donnez peut-être aux élèves le choix de travailler avec l'une des trois diapositives supplémentaires incluses à la fin du powerpoint. Ils peuvent utiliser les interviews d'artistes liées ci-dessous pour étayer leurs arguments.

    • Coco Fusco et Guillermo Gómez-Peña, L'année de l'ours blanc et de deux amérindiens inconnus visitent l'ouest, 1992-94, Performances dans les musées

    Fusco et Gómez-Peña prétendent être des membres nouvellement découverts d'une tribu indigène, interprètent des clichés racistes et sont exposés dans des cages alors que des Africains et des peuples du Nouveau Monde ont été montrés en Europe.

    • Kara Walker, Gone, une romance historique d'une guerre civile telle qu'elle s'est produite entre les cuisses sombres d'une jeune négresse et son cœur, 1994, Papier découpé sur mur

    Walker utilise des contours délicats et la nostalgie d'antan des arts de la silhouette découpée pour raconter des récits chargés de la vie des plantations du Sud. Ses œuvres surprennent le spectateur qui regarde de plus près pour trouver des caricatures raciales tordues et des escapades sexuelles qui se cachent derrière de grands mythes et des contes héroïques comme Autant en emporte le vent.

    • Mickalène Thomas, Le déjeuner sur l'herbe : Les Trois Femmes Noires, 2010, Strass, acrylique et émail sur panneau de bois
    • Édouard Manet (1832-1883), Le déjeuner sur l'herbe, 1863, huile sur toile

    Mickalene Thomas s'insère dans l'histoire de la peinture de femmes noires, sexuellement maîtres d'elles-mêmes, qui sont l'objet de son désir et aussi d'elles-mêmes. Quelles sont les différences entre son œuvre et sa source (le tableau Déjeuner sur l'herbe de Manet) ? Dans son travail, elle remplace deux hommes par des femmes, de sorte que le trio est sûr de lui et basé sur l'égalité, plutôt que sur une hiérarchie de genre, de classe et de race. Les personnages sont tous vêtus, mais sexy, profitant de leur sexualité mais pas dépréciés ou à vendre, attirant le regard du spectateur avec la même assurance.

    Pour un plan de cours prêt à l'emploi sur Mickalene Thomas, envisagez d'utiliser cette ressource pédagogique développée par le département de l'éducation du Brooklyn Museum pour l'exposition solo de Thomas 2012-3, Origine de l'Univers. En particulier, le débat de fin fonctionne bien comme activité de fin de classe.

    Saisha Grayson-Knoth (auteur) est candidate au doctorat au CUNY Graduate Center et conservatrice adjointe au Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum.

    Jon Mann (éditeur) est conférencier auxiliaire au Lehman College, collaborateur principal à Artsy, et conférencier et éditeur à Art History Teaching Resources et Art History Pedagogy and Practice.

    Étincelles Kaegan (éditeur) est doctorant au CUNY Graduate Center et associé de publication dans les anthologies critiques au New Museum, New York.

    AHTR est reconnaissant pour le financement de la Fondation Samuel H. Kress et du CUNY Graduate Center.


    Notes d'histoire de l'art du XIXe siècle

    Il a été attaqué par les critiques et a fait scandale. C'est parce que les femmes nues ont été retirées de leurs thèmes allégoriques (pas de thèmes religieux/fantastique/mythique). À cause de cela, elles pensaient que la peinture était pornographique.

    Composition de Luncheon On The Grass d'EM : Thème contemporain
    3 personnages audacieux (un nu décontracté qui regarde le spectateur/deux hommes qui parlent) qui n'interagissent pas.
    Vision instantanée = Postures et visages au dépourvu.
    Réduction de l'image aux zones FLAT en gras.
    Ombres réduites à de fines lignes (visibles sur le bras de la femme), comme si des personnages apparaissaient dans un grand flash de lumière audacieux
    Un flash de lumière audacieux aplatit les chiffres
    Pas de demi-teintes intermédiaires.
    utilisations du noir blanc et gris
    La spontanéité dans les chiffres : ils ne font rien

    Le Déjeuner sur l'herbe d'EM est une pièce de démonstration traditionnelle qui combine deux concepts en peinture, NUDES ET PAYSAGES. Il synthétise un nu dans une nature morte.

    Déjeuner d'EM sur les thèmes de l'herbe Pas sous le moindre déguisement d'allégorie, d'idéalisation ou de classicisation. C'est direct jusqu'à l'impétuosité. (Pas d'allégorie) Il n'y a pas de vernis moralisateur.


    Voir la vidéo: POÉSIE MÉDIÉVALE Michel PASTOUREAU: Les chevaliers de la Table Ronde Conférence vidéo, 2015 (Août 2022).